Jugar con las redes sociales a veces puede derivar en ideas originales y propuestas creativas. Una propuesta que tuvo el resultado del registro de veintiún canciones quedando pendiente una larga lista.

En la previa del receso escolar, "El Profe" Esteban Albornoz pensó que una manera de compartir su pasión por la música podía ser confeccionar una lista de temas junto a sus seguidores. La respuesta fue inmediata: recibió una gran cantidad de sugerencias, a las que respondió con cuidadas interpretaciones.

"En principio, charlando con mi hermana, pensamos de qué manera poder cantar las canciones y pensé que iba a hacerlo solo. Después dije: ¿cómo no compartir esta idea con otros músicos? Y así lo fui haciendo, sumando amigos y amigas a esta propuesta, que se fue enriqueciendo", describió.

Destacó que fue a la casa de quienes aceptaron participar de la iniciativa. "En algunos casos ensayamos dos o tres veces y grabamos enseguida. Prácticamente con la cabeza en blanco, tocamos y dejamos el registro rapidísimo", comentó.

Reveló que, en un comienzo, tenía pensado registrar quince elegidas entre las sugeridas. Sin embargo, recibió más de cincuenta pedidos. "Tuve que elegir y quedarme con un total de veinte, que quedaron registradas en mi cuenta de Instagram y en otras redes", aseguró.

El pasado sábado 1° de Agosto, se realizó la presentación del trabajo en la Asociación Cultural Victoria, “Covers de invierno” con algunos de los músicos convocados inicialmente y otros artistas que se sumaron a la experiencia. De esta manera, la idea tuvo su cierre como primera parte de un ciclo de canciones que promete dar continuidad.

“En general de la propuesta participaron compañeros con quienes comparte un proyecto musical, como Daniel Gómez, Gonzalo Ripari y Emilio Otero. Además de otros artistas y amigos, Ana Bejariel, Maiu López, Sofía Alegre, Ángel Osuna, Lorena Martínez, Karen Bustafán, Ávila, Vicky Capa, Franco Giaquinto, Ailín Folguera, Silvio Pereira y Marcos Pereira, entre otros”.

El proyecto entre otras bellas canciones, fueron pasando Zamba para olvidarte (Daniel Toro); Barro Tal vez (Spinetta); De Enero a enero (Rodrigo); Corazón Partío (A. Sanz); Loco de amor (Valentino Merlo); Taipero Poriahu (Pocho Roch – Antonio Tarragó Ros); Nunca lo Olvides (Airbag); Te vi venir (Sin Bandera); Posadeña Linda (Ramón Ayala);Perfume de Carnaval (Peteco Carabajal); El día que me quieras (Carlos Gardel); La Pucha con el hombre (Raúl Trullenhque – Cuti Carabajal); Creo en tí (Reik); Himno Nacional Argentino; Zona de Promesas (G.Cerati); Zamba de Lozano (Cuchi Leguizamón); Victoria Mi Ciudad (Leopoldo Díaz Vélez); Carta Urgente (Abel Pinto); La Luna en tu pelo (Oscar Valles).

"Fueron canciones de distintos géneros. A mí me gusta un poco de todo. Si bien tenemos un proyecto de música del litoral junto a Daniel Gómez, Emilio Otero y Gonzalo Ripari, también disfruto interpretar otros estilos, y por eso llevamos adelante esta idea", concluyó.

Lo que comenzó como una iniciativa individual terminó convirtiéndose en una linda experiencia colectiva que al parecer tendrá continuidad con otro ciclo que promete colectivizar.

En la previa de su llegada a la capital entrerriana, Zambayonny dialogó con Tanto de Todo, por FM Boing 93.7 y Paralelo 32, donde adelantó algunos detalles de una gira que lo llevó por distintas ciudades de Argentina y también por el exterior, incluyendo Montevideo, Punta del Este, Viña del Mar y Santiago de Chile. Según contó, hacía varios años que no se presentaba en Paraná, una ciudad que aseguró querer especialmente y donde conserva amistades.

“Es una gira acústica que vengo haciendo por todos lados, por todo el país y también por el exterior”, explicó durante la entrevista. Y agregó sobre su regreso: “Contentísimo porque es una plaza que quiero mucho. Tengo muchos amigos, así que un placer volver”.

Una de las características de esta propuesta es que no se trata solamente de un recital. El artista explicó que cada presentación combina diferentes momentos y que el repertorio se va modificando de acuerdo con cada lugar.

“Hay partes de humor, hay partes de historias, hay partes más emotivas, algunas canciones románticas, entre comillas. Muchos monólogos, anécdotas. Es un show que tiene un poco de todo y que vamos cambiando de gira a gira”, señaló.

El formato acústico también permite una mayor cercanía con quienes asisten. Zambayonny destacó que, a diferencia de los recitales con banda y grandes cantidades de público, en los espacios más pequeños existe una dinámica mucho más directa.

“Yo converso, entonces por ahí tiene esa impronta natural de cantar y conversar y contando cosas de las canciones. Así que es un show muy cercano a la gente”, describió.

El repertorio tiene una estructura básica, aunque durante el concierto también hay lugar para la participación del público. Según explicó, en determinado momento los espectadores pueden pedir canciones y él interpreta fragmentos o temas completos, dependiendo de lo que vaya surgiendo.

“Cada concierto es diferente por eso”, resumió.

A lo largo de su trayectoria, Zambayonny construyó una obra que combina distintos registros. En la entrevista recordó que cuenta con más de diez discos publicados y alrededor de 700 shows, además de su trabajo como escritor de novelas y cuentos.

Su producción más reciente también ocupa un lugar importante en sus presentaciones. El artista contó que su último disco fue producido en Barcelona, grabado en Buenos Aires y editado en Uruguay, con la participación de integrantes de Agarrate Catalina. Según explicó, ese trabajo permitió sumar nuevos seguidores a su público.

La relación con quienes escuchan sus canciones aparece como otro de los aspectos centrales de sus presentaciones. Zambayonny contó que después de los conciertos suele bajar a conversar con el público y que muchas veces recibe relatos sobre el modo en que sus canciones acompañaron momentos importantes de sus vidas.

“Gente que te cuenta que las canciones lo acompañaron en momentos difíciles, o en momentos alegres”, relató. Para el artista, ese tipo de devoluciones resulta especialmente emocionante porque demuestra que las canciones adquieren un significado propio para cada persona.

Además de la música, la escritura ocupa un lugar importante en su trabajo creativo. Zambayonny explicó que con los años experimentó distintas maneras de componer y que actualmente intenta mantenerse atento a situaciones, personajes, lugares y anécdotas que puedan convertirse posteriormente en canciones, cuentos o novelas.

“Trato de ser muy observador y muy ordenado con las ideas, apuntarlas bien para poder después desarrollarlas”, explicó.

En Paraná, esa combinación de música, literatura, humor y reflexión podrá disfrutarse este viernes en un formato especialmente cercano.

Durante la charla también hubo espacio para analizar el contexto económico y su impacto en la actividad cultural. Zambayonny señaló que la situación actual repercute directamente en los espectáculos y que una de las primeras cosas que muchas personas recortan son las salidas.

“Cuando alguien compra una entrada hoy por hoy, en estos días, uno es muy agradecido y trata que el concierto esté a la altura del esfuerzo que hace la gente por salir de su casa”, sostuvo.

En ese sentido, remarcó que mantiene el compromiso de entregar lo mejor en cada presentación, independientemente de la cantidad de público.

“Yo me rompo la garganta y el alma en cualquier concierto”, afirmó.

Zambayonny en Paraná

Viernes 14 de agosto – 21:00Yamandú Audio ClubAv. Laurencena 375 – Paraná

La entrevista con Zambayonny fue realizada en Tanto de Todo, por FM Boing 93.7 y Paralelo 32, en la previa de su presentación en la capital entrerriana.

El espectáculo llega a Paraná de la mano de Paracima Producciones, a quienes desde el programa agradecieron especialmente por hacer posible el contacto y la llegada del artista a la ciudad.

El vocalista de Despiértame, , pasó por los estudios de Tanto de Todo durante la visita de la banda a Crespo y habló sobre el presente del grupo, sus primeros pasos, la combinación de géneros y los proyectos que se vienen.

Despiértame es una banda oriunda de Buenos Aires que lleva aproximadamente un año y medio de recorrido y que, según explicó Aguirre, busca partir del rock pero mantener una propuesta abierta a diferentes estilos.

“Somos una banda de rock que trata de mantener el estilo, pero también se habla de distintos géneros”, explicó el cantante, quien además contó que su vínculo con la música comenzó desde otro lugar: el folklore y la cumbia.

Para Aguirre, formar parte de Despiértame significó también asumir un desafío personal. “Vengo de un palo de folklore, en mi nicho hacía cumbia, eventos, cumpleaños y todo eso. Cuando me llega la propuesta me dicen rock y era un género que quizás no tenía mucho, pero dije sí, vamos a darle para adelante”, relató.

Uno de los aspectos que atraviesa el presente de Despiértame es la búsqueda de cruces musicales. En ese camino surgió una colaboración con Raly Barrionuevo, a partir de una canción propia de la banda que terminó tomando la forma de una chacarera doble.

Según contó Aguirre, la canción nació a partir de dos estrofas que llevó Sebastián Prote, guitarrista de la banda. La propuesta llegó hasta Barrionuevo, quien se mostró interesado en participar y aportó voces, bombos y elementos musicales para definir el formato definitivo.

“Fue todo muy rápido. Cuando confirma que se iba a dar, enseguida pusimos en marcha. La terminamos en una semana”, contó el vocalista.

La experiencia tuvo además un significado especial para Aguirre por su propia historia musical. “Para mí, que vengo de la raíz folclórica, que Raly te diga para hacer una colaboración era... hay que darle para adelante enseguida”, sostuvo.

La banda también tiene prevista una colaboración con Walter Meza, de Horcas, y Aguirre adelantó que habrá más cruces con artistas de diferentes géneros.

“La variedad de estilos te va a sorprender porque seguramente haya colaboraciones con gente de otro género también”, anticipó.

Durante la entrevista también hubo tiempo para hablar sobre una escena musical en la que los límites entre géneros parecen ser cada vez más difusos.

Aguirre destacó que actualmente existe una mayor apertura y que artistas provenientes del rock, el folklore, el trap o el rap pueden compartir proyectos.

“Hay un mestizaje muy lindo que surge de esas colaboraciones”, señaló.

En ese sentido, también mencionó algunos nombres con los que le gustaría compartir una canción o escenario en el futuro, entre ellos La Renga y Airbag.

“Soñar no cuesta nada”, dijo entre risas al hablar de los posibles proyectos que imagina para Despiértame.

La banda continúa trabajando en nuevas composiciones y tiene previsto el lanzamiento de material en las próximas semanas. Aguirre adelantó que “Que Sin Tú” será una de las próximas canciones en llegar a las plataformas, junto con otros temas como “Noches Infinitas” y “Tu Peor Mejor Amigo”.

“Seguimos componiendo, que en realidad el viaje este era también como para darle un poco esa energía a querer componer más y ver para dónde vamos a ir”, explicó.

Despiértame se encuentra además en plena agenda de presentaciones y actividades de prensa, con próximas fechas en distintos puntos de la provincia de Buenos Aires.

El paso por Crespo formó parte de esa recorrida y permitió conocer de cerca a una banda que, pese a su corto recorrido, ya apuesta por ampliar sus horizontes musicales y cruzar el rock con otras expresiones de la música argentina.

La entrevista completa con Maximiliano Aguirre se realizó en Tanto de Todo, donde además interpretó en vivo canciones de Despiértame y compartió detalles del presente y futuro del proyecto.

El Harlem Festival 2026 ya tiene su grilla completa por día. El tradicional encuentro musical del litoral argentino se realizará el sábado 10 y domingo 11 de octubre en el Predio de la Estación Belgrano, en Santa Fe, durante el fin de semana largo.

La organización también habilitó la venta de entradas individuales para cada jornada, además de los abonos generales y VIP, para quienes quieran elegir qué día asistir.

La primera jornada tendrá como principales atractivos a Babasónicos, El Plan de la Mariposa, El Kuelgue, Cuarteto de Nos y Marilina Bertoldi.

La programación completa será:

La segunda fecha estará encabezada por Cazzu, La Vela Puerca, Las Pelotas, Guasones, Turf y Los Pericos.

También subirán al escenario:

En su octava edición, Harlem Festival volverá a convertir al Predio de la Estación Belgrano en un espacio de entretenimiento durante dos jornadas.

Una de las novedades anunciadas para este año será la transformación del tradicional galpón de la estación en un club nocturno gigante y climatizado, con la participación de DJs y fiestas de alcance nacional.

La propuesta también incluirá un show de motocross en vivo, activaciones de marcas, juegos interactivos, intervenciones artísticas y experiencias culturales.

A esto se sumará un patio gastronómico con distintas alternativas para quienes asistan al festival.

Los organizadores informaron que ya se encuentran disponibles las entradas por día, además de los abonos generales y VIP para las dos jornadas.

La venta online se realiza a través del sitio oficial de Harlem y Passline.

También se ofrecen alternativas de financiación:

Quienes prefieran comprar de manera presencial y pagar en efectivo pueden hacerlo sin costo de servicio en:

Santa Fe: Tienda Unión, Av. López y Planes 3553.

Paraná: Terco Tour, Av. Almafuerte 774.

Desde su primera edición en 2018, Harlem Festival se consolidó como uno de los principales encuentros musicales y culturales del centro del país.

El festival combina conciertos en vivo con propuestas gastronómicas, espacios de arte, experiencias interactivas y acciones de marcas, convocando a miles de personas de Santa Fe, Entre Ríos y distintas provincias de la región.

A lo largo de sus ediciones pasaron por sus escenarios artistas como Wos, Duki, Airbag, Trueno, Nicki Nicole, Cazzu, Emilia, Miranda!, Dillom, Ciro y Los Persas, No Te Va Gustar, Las Pastillas del Abuelo y Ca7riel y Paco Amoroso, entre otros.

La realización del evento también genera movimiento en sectores vinculados con la hotelería, gastronomía, comercio y turismo, especialmente en el corredor Santa Fe-Paraná.

El grupo villaguayense Té de Hierbas es el nuevo protagonista de Casa Estudio, el ciclo audiovisual impulsado por la Casa de la Cultura de Entre Ríos para promover la música entrerriana. La banda estrenó una sesión en vivo de su tema "AlgoRitmo", que ya puede verse a través del canal oficial de YouTube de la Secretaría de Cultura de la provincia.

La propuesta integra CUAC! Cultura Activa, el programa anual y federal con el que la Secretaría de Cultura busca fortalecer la producción artística y generar nuevos espacios de difusión para músicos de todo el territorio entrerriano.

Té de Hierbas nació mientras sus integrantes cursaban la carrera de Música Popular en la Universidad Nacional del Litoral (UNL).

En sus primeros años el grupo se dedicó a reinterpretar obras de distintos autores, poniendo especial énfasis en los arreglos musicales y la improvisación como herramienta creativa.

Con el tiempo, el proyecto evolucionó hacia un lenguaje propio, incorporando una propuesta sonora que combina instrumentos acústicos con recursos electrónicos, pedales y efectos aplicados a voces, guitarras y vientos, logrando una identidad que fusiona lo orgánico con lo analógico.

Actualmente la formación está integrada por:

Casa Estudio es una iniciativa que convoca a músicos y compositores de Entre Ríos a participar de sesiones grabadas en vivo en la histórica Casa de la Cultura, generando registros audiovisuales de alta calidad para difundir la producción musical de la provincia.

Los artistas son seleccionados mediante convocatorias abiertas, con el objetivo de promover nuevas propuestas y fortalecer la escena cultural entrerriana.

Antes de Té de Hierbas, el ciclo ya contó con la participación de Los Apolo, Insistentes, Guille Alarcón, Rojo Fantasía y Nada Normal, consolidándose como un espacio de referencia para la música independiente de Entre Ríos.

La sesión de "AlgoRitmo" fue registrada el 22 de julio de 2026 y ya se encuentra disponible para todo el público en el canal oficial de YouTube de la Secretaría de Cultura de Entre Ríos.

Con esta nueva producción, Casa Estudio continúa ampliando su catálogo de artistas entrerrianos y reafirma su objetivo de acercar al público propuestas musicales que reflejan la diversidad, la creatividad y la riqueza cultural de la provincia.

A veces un sueño comienza de la manera más inesperada. Para Ciara Schechtel, una joven de 17 años de Aldea Spatzenkutter, el punto de partida fue una presentación escolar que terminó cambiando el rumbo de su vida.

En una cálida entrevista con Mariana Rupp, en el programa de streaming La Hora Dorada, de Paralelo 32, la cantante repasó los primeros pasos de un camino artístico que, aunque recién comienza, ya la llevó a escenarios, peñas, radios y canales de televisión de la región.

Con sencillez y emoción, habló de su pasión por el folklore, del apoyo incondicional de su familia y de los sueños que hoy alimentan su carrera.

Ciara contó que su vínculo con la música comenzó a fortalecerse durante 2024, cuando participó de un encuentro musical organizado en Diamante junto a su escuela.

Hasta ese momento, nunca había imaginado que el canto ocuparía un lugar tan importante en su vida.

"Fui para probar, para ver qué pasaba. Canté, me gustó mucho y ahí descubrí que quería seguir por ese camino", recordó.

Ese primer paso la impulsó a pedirle a su mamá que la inscribiera en una academia de canto en Paraná.

Durante 2025 volvió a participar del mismo encuentro musical y obtuvo una beca para perfeccionarse en un estudio de canto de Diamante, una experiencia que terminó de confirmar su decisión.

"Ahora voy a peñas, radios y canales. Todo empezó muy rápido y todavía me cuesta creerlo", expresó.

Durante la charla, la joven reconoció que jamás había pensado que la música pudiera convertirse en una parte tan importante de su vida.

"Nunca me imaginé que todo esto iba a pasar", confesó.

La conductora destacó cómo un pequeño acontecimiento terminó modificando por completo sus proyectos personales, algo que Ciara reconoció con naturalidad.

"Descubrí una parte de mí que no conocía y me gustó muchísimo", resumió.

Uno de los momentos más emotivos de la entrevista llegó cuando habló de quienes la acompañan desde el primer día.

Sus padres, su hermana, sus abuelos, tíos y toda su familia se convirtieron en el sostén fundamental para animarse a recorrer el camino artístico.

"Ellos me dicen que están orgullosos de mí y que siga adelante porque voy a llegar lejos", contó.

Para Ciara, ese respaldo resulta indispensable. "Cuando tu familia te apoya, todo se hace mucho más fácil. Sentís que podés seguir y que vale la pena intentarlo", afirmó.

Aunque cada vez suma más presentaciones, la joven asegura que sigue encontrando tranquilidad en los lugares más simples.

Su refugio continúa siendo Aldea Spatzenkutter, donde vive, aunque también reconoce que las clases de canto se transformaron en uno de los momentos más esperados de la semana.

"Voy los jueves y viernes. Es un lugar donde soy muy feliz", comentó.

Al hablar de las canciones que más la conmueven, mencionó dos obras que ocupan un lugar especial en su repertorio.

Una es "Si un día fui tu cantor", de Horacio Guarany, porque —explicó— relata una historia que siempre logra emocionarla.

La otra es "La Paloma", interpretada por Soledad Pastorutti, tema que eligió para cantar durante el programa.

"Habla de la libertad, de caerse y volver a levantarse. Me siento muy identificada con ese mensaje", explicó.

Como toda artista que comienza a recorrer escenarios, Ciara también tiene una gran inspiración. Sin dudarlo, eligió a Soledad Pastorutti como la cantante con la que le gustaría compartir un escenario.

"La admiro muchísimo", dijo con una sonrisa.

Mientras continúa formándose y sumando experiencias, la joven entrerriana disfruta de un presente que hace apenas dos años parecía impensado.

Con humildad, una voz en crecimiento y el apoyo de su familia, Ciara Schechtel empieza a escribir su propia historia dentro del folklore argentino, convencida de que los grandes sueños también pueden nacer en una pequeña aldea entrerriana.

Casa Estudio consiste en una sesión en vivo en la Casa de la Cultura de Entre Ríos, donde grupos de la provincia registran canciones y un video. Ya pasaron por el ciclo y pueden verse sus presentaciones en el mismo canal de YouTube: Los Apolo, Insistentes, Guille Alarcón y Rojo Fantasía.

Nada Normal es una banda de Paraná formada a fines de 2023. Su propuesta se caracteriza por la fusión de géneros. Está integrada por Joaquín Rocha en batería y percusión, Bautista Villagra en piano y teclados, Franco Laino en guitarras y bajo, Franco Segura en voz y guitarra, y Matías Velásquez en voz, melódica y teclados. Uno de sus rasgos distintivos es la flexibilidad instrumental entre sus integrantes y el desarrollo de arreglos vocales que amplían la propuesta. 

Desde que comenzaron a reunirse en 2023, los integrantes de MAPLE vienen construyendo un camino propio dentro de la escena musical regional. Con canciones originales, influencias que van desde el rock clásico hasta sonidos más contemporáneos y una fuerte impronta artística, la banda crespense continúa consolidando su identidad mientras prepara nuevas presentaciones y avanza en la grabación de su primer álbum.

Durante una entrevista en La Hora Dorada, el programa conducido por Mariana Rupp que se emite por el streaming de Paralelo 32, Leandro Maciel, Milton Garrahan, Matías Leiker, Matías Esteven y Florencia Reignar compartieron detalles de este presente que los encuentra con nuevos desafíos y muchas expectativas.

"Estamos con muchos proyectos, cerrando algunas fechas que muy pronto vamos a anunciar y también trabajando en el estudio para seguir grabando canciones", adelantó Milton Garrahan. Actualmente la banda cuenta con tres sencillos disponibles en plataformas digitales y el objetivo es seguir sumando material hasta completar un disco.

El origen de MAPLE está íntimamente ligado a la amistad. Leandro Maciel, Matías Leiker y Matías Esteven se conocen desde la infancia y durante años compartieron la pasión por la música. Más adelante se incorporaron Florencia Reignar y Milton Garrahan, completando una formación que, según ellos mismos reconocen, encontró rápidamente una química especial.

"Esa dinámica mágica hizo que no paráramos más. Empezamos a tocar, a componer y a presentarnos en distintos escenarios de la zona", recordó Garrahan.

Uno de los aspectos que distingue a la banda es la importancia que le otorgan a las letras. Lejos de buscar mensajes cerrados, prefieren que cada oyente encuentre su propia interpretación.

"Queremos que cada persona haga suya la canción. Las letras nacen de cosas que vivimos nosotros, pero sabemos que también les pasan a otros. No buscamos decirle a nadie qué tiene que sentir, sino que cada uno pueda apropiarse del mensaje", explicó el cantante.

Esa búsqueda también se refleja en la diversidad musical del grupo. Cada integrante aporta influencias diferentes: desde el hard rock y el glam de los años 80, hasta el rock progresivo de bandas como Pink Floyd o las composiciones profundas de Charly García, Luis Alberto Spinetta y Tears for Fears.

"Cada uno trae su historia musical y de esa mezcla surge el sonido de MAPLE. No nos encerramos en un solo estilo", resumieron.

La baterista Florencia Reignar, recientemente recibida como licenciada en Musicoterapia, aportó una mirada diferente sobre el rol de la música.

"Todos somos seres sonoros. La música nos atraviesa y permite que cada persona se identifique desde un lugar distinto. Nuestras canciones están pensadas para generar ese encuentro", señaló.

Además de interpretar composiciones propias, durante la entrevista ofrecieron una versión acústica de "Rezo por Vos", el clásico de Charly García y Luis Alberto Spinetta, una de las influencias que reconocen como fundamentales.

Más allá de lo musical, MAPLE busca que cada presentación sea una experiencia completa. Garrahan, con formación en teatro musical y radio, explicó que el espectáculo está pensado como un recorrido.

"Las canciones están unidas por una historia. Queremos que el público haga un viaje desde que empieza el show hasta que termina. No queremos solamente subir al escenario, tocar e irnos. Queremos dejar algo", afirmó.

En ese sentido, la banda también trabaja en renovar la puesta en escena, incorporando más movimiento e interacción entre sus integrantes para potenciar el aspecto visual de cada presentación.

Aunque reconocen que hoy gran parte del trabajo se sostiene "a pulmón", los integrantes no esconden sus aspiraciones.

"Todo músico sueña con llegar a escenarios más grandes. Poder grabar con mayor comodidad, llegar a más gente y seguir haciendo canciones", expresaron.

Mientras ultiman nuevas fechas que anunciarán próximamente, MAPLE continúa consolidando un proyecto que combina amistad, compromiso artístico y una clara apuesta por la música original. Un camino que recién comienza, pero que ya muestra una identidad propia dentro de la escena musical entrerriana.

Harlem Festival, el evento musical que reúne todo lo que hoy nos gusta, anuncia de forma oficial el line up para su esperada edición 2026. Tras consolidarse como uno de los festivales conceptuales más importantes del país, el encuentro regresa al corazón de la ciudad de Santa Fe para ofrecer dos jornadas consecutivas con una propuesta artística de primer nivel que cruza géneros, generaciones y estilos.

El line up de este año está encabezado por figuras de enorme relevancia nacional e internacional como Cazzu, Babasonicos, La Vela Puerca y Las Pelotas, acompañados por una grilla potente que incluye a El Plan de la Mariposa, Guasones, El Kuelgue, Cuarteto de Nos, Marilina Bertoldi, Angela Torres, Peces Raros, Turf, Cruzando el Charco, La T y la M, Los Pericos y Coti.

La lista completa de artistas la componen: Cazzu, Babasonicos, La Vela Puerca, Las Pelotas, El Plan de la Mariposa, Guasones, El Kuelgue, Cuarteto de Nos, Marilina Bertoldi, Angela Torres, Peces Raros, Turf, Cruzando el Charco, La T y la M, Los Pericos, Coti, Perras on The Beach, La Grecia, Ramma, Bhavi, Acru, Taichu, Oney1, Tussiwarriors, Juana Rozas, Cosmic Kid, Ainda, Lisandro Skar, Reybruja, BB Asul, Sakatumba, La Valenti, Kill Flora y Malta Caramelo.

Con esta programación, Harlem Festival promete mantener su esencia integradora, donde conviven en armonía diferentes públicos, propuestas gastronómicas, escenarios en simultáneo y una mega producción pensada para disfrutar con amigos o en familia.

Los abonos para asistir a las dos jornadas del festival ya se pueden adquirir a través del sitio web oficial www.harlem.com.ar/festival (sistema Passline).

Para que nadie se quede afuera, se podrán aprovechar 3 cuotas sin interés con todos los bancos. Además, como beneficio exclusivo, se pueden comprar los accesos en 6 cuotas sin interés utilizando tarjetas Visa de Banco Santa Fe y Banco Entre Ríos.

Para más información y novedades de último momento, seguí las redes oficiales de @harlemfestival o ingresá a su página web.

La música también puede ser una forma de preservar la memoria de un pueblo. Con esa premisa, la cantante y compositora villaguayense HEBE presentó "Charrúa oipik", un nuevo sencillo que ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales y que constituye una de las pocas producciones musicales actuales interpretadas íntegramente en lengua charrúa.

La canción tuvo su lanzamiento oficial el 26 de junio y representa un homenaje a la infancia de la artista dentro de la Escuela Popular Charrúa Etriek y de la comunidad del mismo nombre, donde comenzó su formación musical y su vínculo con la cultura de los pueblos originarios.

Más que una canción, la obra propone un recorrido por los recuerdos, la identidad y el sentido de pertenencia que marcaron los primeros años de vida de la joven intérprete.

El lanzamiento está acompañado por un videoclip disponible en el canal oficial de YouTube de HEBE.

La producción combina imágenes de archivo de la Escuela Popular Charrúa Etriek con escenas filmadas en la comunidad para la película "Hard Cop, vivir y dejar matar", del director Juan Coñuel, generando un relato audiovisual que refuerza el carácter testimonial de la canción.

Uno de los aspectos más originales del tema es la incorporación del Afia Tanú —conocido como "arco que late"—, un instrumento desarrollado dentro de la propia comunidad a partir de investigaciones sobre el antiguo arco de boca utilizado por los charrúas, adaptado a las posibilidades musicales actuales.

La grabación contó con la participación de Diego Álvarez en cajón, Lucas Oviedo en acordeón y Javier Álvarez, quien interpretó guitarra, bajo y Afia Tanú, además de asumir la producción musical.

HEBE es el proyecto artístico de Hebe Álvarez, nacida en Villaguay en 2001.

Formada desde muy pequeña en la Escuela Popular Charrúa Etriek, integró distintos grupos vocales infantiles y de música popular, entre ellos It Guidaí y Charrúa Etriek, además de compartir escenario con numerosos artistas de su ciudad.

A lo largo de los últimos años también se presentó en Paraná, Chajarí, Rosario del Tala, Diamante, Maciá, Villa Domínguez, General Campos y Bovril, consolidando un camino que combina la canción de autor con una fuerte impronta identitaria.

Su vínculo con el arte también incluye una participación en el documental "Soy río", del realizador Sebastián Ingrassia, dedicado al río Gualeguay.

"Charrúa oipik" es el segundo adelanto de "Soy", el primer EP de la artista.

El trabajo comenzó a presentarse con "En mi tierra", una canción dedicada al arraigo que, tras su lanzamiento, fue seleccionada por la Secretaría de Cultura de Entre Ríos en la convocatoria Tema Inédito, reconocimiento que le permitió participar del Encuentro Entrerriano de Música realizado en Diamante.

Con estos dos primeros sencillos, HEBE propone una búsqueda artística donde la música se convierte en un puente entre las nuevas generaciones y las raíces culturales del pueblo entrerriano. El EP se completará durante el segundo semestre del año con otras dos composiciones inéditas, profundizando un camino creativo que pone en el centro la memoria, el territorio y la identidad.

La muerte de Carlos Alberto "Indio" Solari volvió a poner en primer plano el legado artístico de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, una de las bandas más influyentes de la historia del rock nacional. Más allá de los discos y los recitales multitudinarios, el grupo dejó un repertorio de canciones que marcaron a varias generaciones y que hoy forman parte de la memoria colectiva argentina.

Entre ellas, Ji ji ji ocupa un lugar especial. Incluida en el álbum Oktubre (1986), la canción se transformó en un verdadero fenómeno cultural gracias al tradicional "pogo más grande del mundo", una imagen que acompañó durante décadas cada presentación del Indio Solari. Su energía arrolladora y su ritmo inconfundible la convirtieron en uno de los himnos más reconocidos del rock argentino.

Otro de los temas emblemáticos es Juguetes perdidos, publicado en Luzbelito (1996). Con una letra cargada de sensibilidad y referencias generacionales, la canción logró sintetizar sentimientos de desencanto, resistencia y pertenencia, convirtiéndose en uno de los momentos más esperados por el público en cada recital.

La lista de clásicos también incluye La bestia pop, una de las composiciones más representativas de Gulp! (1985), el primer disco de estudio de la banda. Allí ya aparecían algunos de los rasgos que caracterizarían a Los Redondos: crítica social, ironía y una mirada particular sobre la realidad argentina.

En Preso en mi ciudad, también perteneciente a Oktubre, el grupo retrató la sensación de encierro y alienación urbana a través de una de las letras más oscuras y potentes de su catálogo. La combinación entre la escritura del Indio Solari y la guitarra de Skay Beilinson terminó por consolidar una identidad artística única dentro del rock nacional.

Por su parte, Un ángel para tu soledad, incluida en Lobo suelto, cordero atado (1993), amplió aún más la llegada popular de la banda. Con una melodía accesible y una poesía característica, se convirtió rápidamente en una de las canciones más difundidas y recordadas de su trayectoria.

Con nueve discos de estudio y una influencia que continúa vigente a más de dos décadas de la separación del grupo, Los Redondos lograron trascender el ámbito musical para transformarse en un fenómeno cultural. La muerte del Indio Solari reavivó el recuerdo de esas canciones que, para miles de argentinos, siguen siendo la banda sonora de distintas etapas de sus vidas.

La noticia del fallecimiento de Carlos Alberto "Indio" Solari, una de las figuras más influyentes del rock nacional, generó una profunda conmoción en el ámbito cultural y musical argentino. Según trascendió este 5 de junio, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota murió en su domicilio de Parque Leloir, en el partido bonaerense de Ituzaingó.

De acuerdo a la información difundida por medios nacionales, se realizará la correspondiente autopsia para determinar oficialmente las causas del deceso. Su última aparición pública había tenido lugar en enero de este año, mediante un mensaje grabado con motivo de la entrega del título Honoris Causa otorgado por la Universidad de Buenos Aires.

Con una trayectoria que marcó a varias generaciones, Solari construyó una carrera singular, caracterizada por la independencia artística, el bajo perfil y una relación directa con sus seguidores. Junto a Eduardo "Skay" Beilinson fundó en 1975, en la ciudad de La Plata, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda que se transformó en un fenómeno cultural sin precedentes dentro del rock argentino.

Álbumes como Oktubre, Un baión para el ojo idiota, ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte de una discografía que dejó una huella imborrable en la música nacional. Tras la disolución del grupo en 2001, Solari continuó su camino como solista, editando trabajos como El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel), Porco Rex, El perfume de la tempestad, Pajaritos, bravos muchachitos y El ruiseñor, el amor y la muerte.

Su último recital multitudinario tuvo lugar en Olavarría, en 2017, en una convocatoria que volvió a demostrar el extraordinario vínculo con su público. En los años posteriores redujo sus apariciones debido a problemas de salud, aunque continuó vinculado a la música a través de grabaciones, publicaciones y propuestas virtuales.

En 2016 había confirmado públicamente que padecía Parkinson, enfermedad que condicionó progresivamente su actividad artística. Finalmente, en 2023 anunció su retiro definitivo de los escenarios, aunque mantuvo una presencia activa mediante distintos proyectos.

Con su partida, la música argentina pierde a uno de sus artistas más influyentes y enigmáticos. Su obra, sus letras y su particular mirada sobre la realidad seguirán formando parte del patrimonio cultural de varias generaciones de argentinos.

Detrás de una voz suave y una sonrisa serena, Meli Exner guarda una convicción profunda: la música es el lugar donde mejor puede expresar lo que siente. Así lo dejó en claro durante su paso por La Hora Dorada, el programa de streaming que conduce Mariana Rupp por Paralelo 32, donde compartió reflexiones sobre su recorrido artístico, sus sueños y su reciente acercamiento al tango.

“Lo que me enamora de la música es esa capacidad de poner en palabras cosas que a veces uno siente y no sabe cómo expresar”, contó la joven cantante. Para ella, las canciones tienen la facultad de ordenar emociones, acompañar procesos personales y conectar con sentimientos que muchas veces resultan difíciles de explicar.

Aunque reconoció que cada presentación viene acompañada por una cuota de nervios, aseguró que subir a un escenario le genera una felicidad difícil de comparar con cualquier otra experiencia. “Cada vez que puedo estar cantando en algún lugar pienso: estoy acá haciendo lo que me gusta. Es algo que siempre soñé”, expresó.

Durante la entrevista, Exner habló de la relación que mantiene con la música en su vida cotidiana. Más allá de los escenarios, encuentra en ella un espacio permanente de conexión consigo misma.

“Cuando escucho música, cuando canto en mi casa o cuando voy a clases de canto, guitarra, piano o tango, siento que soy Meli plenamente, siendo feliz”, afirmó.

Entre las canciones que la acompañaron en distintos momentos de su vida destacó Resistiré, un tema que definió como una fuente de fortaleza personal. “Es una canción a la que siempre vuelvo. En diferentes momentos fue como un empujoncito”, explicó.

La joven artista también reveló una faceta menos conocida: la escritura. Desde hace años redacta letras propias inspiradas tanto en experiencias personales como en historias que la conmueven. Aunque todavía no compone música, conserva numerosos textos con la esperanza de convertirlos algún día en canciones.

“Aprendí que tengo capacidad para crear y que puedo confiar más en mí misma”, señaló al hablar sobre lo que la música le enseñó a lo largo de los años.

Uno de los momentos más significativos de la charla llegó cuando contó que este año decidió profundizar su formación en el tango, género que la cautivó por la capacidad interpretativa de sus referentes.

“Lo que más me llamó la atención del tango es cómo los cantantes transmiten muchísimo con la voz. Eso me fascinó”, comentó.

Si bien reconoce que está dando sus primeros pasos en ese universo musical, siente que encontró allí un camino artístico con el que se identifica especialmente.

Durante el programa interpretó una pieza de tango y también compartió, a pedido de la conductora, un breve fragmento de una canción melódica, demostrando la versatilidad de su registro vocal.

A lo largo de la entrevista, Meli dejó varios mensajes vinculados a la importancia de perseguir los sueños y animarse a dar el primer paso, aun cuando el objetivo parezca lejano.

“Si hay algo que uno quiere mucho, hay que animarse. Cada vez que hacés algo relacionado con ese sueño, estás más cerca que si nunca hubieras empezado”, reflexionó.

Consultada sobre qué le diría a aquella niña que soñaba con cantar, respondió sin dudar: “Le diría que seguimos soñando con lo mismo y que estoy haciendo todo lo posible para que esos sueños se cumplan”.

Y cuando llegó el momento de brindar por algo que todavía no ocurrió, la respuesta fue tan sencilla como sincera: poder grabar y compartir su propia música.

“Me gustaría que algún día mis canciones salgan a la luz, que alguien las escuche y que le lleguen de alguna manera”, expresó.

La última visita había sido en el Estadio Echagüe el 5 de septiembre de 2024. Esta vez el escenario fue otro, pero la respuesta del público fue la misma: un predio repleto, con el sector VIP que rodeaba el recinto lleno y un campo que desde mucho antes del inicio del espectáculo ya exhibía la ansiedad de los fanáticos.

A las 21:20, las luces se apagaron y comenzó el viaje. Un viaje que tuvo como punto de partida "Puertas", el disco que da nombre a la gira con la que vienen de agotar un Movistar Arena y recorrer distintos puntos de Argentina.

Desde temprano llamó la atención la cantidad de remeras con las ilustraciones del nuevo álbum y los numerosos carteles levantados entre la multitud. Uno de los más repetidos tenía el emoji de la cara roja, convertido ya en un símbolo inevitable para quienes adoptaron "Cara de Nada" como una de las canciones más representativas del último año del grupo.

Como sucede en cada presentación de El Cuarteto de Nos, una de las imágenes más llamativas estuvo en el público. Padres compartiendo el recital con sus hijos adolescentes, jóvenes que descubrieron la banda hace pocos años gracias a las plataformas digitales y seguidores históricos que los acompañan desde los tiempos de "Raro", o incluso antes. Esa convivencia generacional se volvió evidente al ver para los costados del escenario. "Es mi primer recital, qué emoción, no me voy a olvidar de este momento", esbozó un pequeño sin poder contener la emoción. A su lado estaban sus padres. Una postal perfecta de lo que hoy representa la banda.

Sobre el escenario, Roberto Musso volvió a desplegar una de sus mayores virtudes: la capacidad de conectar con el público. Risueño, cómplice y siempre dispuesto al intercambio, fue hilvanando canciones con anécdotas, explicaciones y chistes que funcionaron como pequeños descansos antes de volver a la intensidad musical.

El repertorio estuvo concentrado principalmente en los discos más recientes, aunque sin olvidar ese punto de inflexión que significó "Raro", el álbum que cambió para siempre la historia del grupo y lo proyectó definitivamente hacia Latinoamérica.

Hubo momentos para saltar, para cantar y también para pensar.

"Contrapunto para Humano y Computadora" se sintió especialmente actual. En tiempos atravesados por la inteligencia artificial y los debates sobre el futuro de la humanidad, la canción volvió a interpelar desde un lugar incómodo y reflexivo, uno de esos momentos en los que El Cuarteto demuestra que detrás del humor siempre hay algo más profundo para decir.

El humor, precisamente, apareció de manera brillante antes de "Me Amo". Luego de interpretar "Rorschach", Musso recordó la clásica interpretación psicológica de la imagen que da nombre a la canción no solo veía manchas sino que mientras algunos ven dos personas enfrentándose, bromeó diciendo que él veía dos personas amándose. La ocurrencia desató las risas del público y dio pie al ingreso de "Me Amo", acompañada por un corazón que rezaba "Yo y Yo".

Los grandes pogos de la noche llegaron con "El Hijo de Hernández", "Marioneta", "Invierno del 92" y, sobre todo, "Yendo a la Casa de Damián", una de esas canciones que parecen no perder vigencia con el paso del tiempo y que transforman cualquier recital del Cuarteto en una celebración colectiva. Siendo, una especie de cierre obligado para los de Musso y compañía.

Hubo también espacio para la emoción. Durante "No Llora", miles de luces de celulares iluminaron Hierlam. Entre las voces que acompañaban la canción podían verse niñas, adolescentes y también mujeres adultas y padres encontrándose con sus propias historias en una letra que sigue tocando fibras sensibles.

Y cuando llegó "Maldito Show", el nombre de la canción terminó describiendo literalmente la escena. Una lluvia de papelitos cubrió el predio mientras la banda sonaba con toda su potencia y el público respondía con una fiesta visual que quedará entre las imágenes más recordadas de la noche.

Pogo, luces, risas, emoción, reflexión y hasta lágrimas. Los recitales de El Cuarteto de Nos tienen la particularidad de recorrer todos esos estados sin perder coherencia. Tal vez porque sus canciones hablan de nosotros mismos. De nuestras contradicciones, nuestros miedos, nuestras obsesiones y nuestras preguntas.

Hacia el final, mientras sonaban las últimas canciones, volvió a resonar aquella idea que Roberto Musso alguna vez explicó sobre "Yendo a la Casa de Damián": que muchas veces no importa tanto el destino como lo que ocurre durante el trayecto.

Y eso fue precisamente el recital del sábado en Paraná: un recorrido.

El Cuarteto de Nos es presente. Y su público volvió a estar ahí para comprobarlo, atravesando una vez más esas puertas que la banda abre en cada show para invitarnos a mirar el mundo desde otro lugar. A veces seguimos buscando respuestas. Pero mientras tanto, siempre queda una buena historia para contar en el camino.

Lo que comenzó como una reunión entre amigos, guitarras y un asado familiar, hoy empieza a transformarse en uno de esos proyectos musicales que crecen desde la simpleza, la amistad y el amor por el folklore. Así nació “Los del Quincho”, el grupo integrado por Valen Paúl, Santi Paúl, Jere Gignone y Andrés David Pérez, quienes visitaron el programa La Hora Dorada, conducido por Mariana Rupp y emitido vía streaming a través de la web de Paralelo 32.

Entre risas, anécdotas y mates compartidos, los jóvenes contaron cómo surgió esta propuesta folklórica que ya comenzó a ganar espacio en escenarios y redes sociales.

“Todo arrancó con un cambio de cuerda”, resumió Jere entre carcajadas. Según relató, durante una juntada en el quincho familiar —espacio que terminaría dándole identidad al grupo— comenzaron a tocar algunas canciones mientras se hacía un asado. “Empezamos a las nueve de la noche y terminamos cerca de las doce y media tocando. El asado quedó ahí… nadie comió”, recordó.

Aquella noche fue el punto de partida. Primero fueron encuentros informales entre amigos unidos por el gusto por el folklore. Después comenzaron a invitar conocidos y, casi sin darse cuenta, aparecieron las primeras oportunidades.

“Nos decían ‘che, no suenan tan mal’”, comentaron entre bromas.

El impulso definitivo llegó gracias a una invitación de los organizadores de Montielera y Federal, quienes les ofrecieron participar de un micrófono libre. Allí decidieron dar un paso más y tomarse el proyecto con mayor seriedad.

“Cuando nos invitaron dijimos: bueno, vamos a meterle con ganas”, señalaron. A partir de ese momento nació oficialmente “Los del Quincho”, nombre inspirado en ese espacio de encuentros donde comenzaron las primeras guitarreadas.

Durante la entrevista, Mariana también los llevó a un terreno más distendido y personal. Entre preguntas sobre quién llega tarde, quién es el más “quilombero” o quién podría convertirse en la futura “estrella” del grupo, las respuestas dejaron ver la química y el humor que comparten.

Valen admitió entre risas ser quien suele demorarse para las juntadas, mientras que el bombista fue señalado por sus compañeros como el más inquieto del grupo. Sobre la posibilidad de que alguno “se crea estrella”, las bromas no tardaron en aparecer, aunque todos coincidieron en algo: mantener la humildad.

“Queremos disfrutar esto. Si se tiene que dar algo más grande, se dará”, expresaron.

Aunque reconocen que todavía están dando sus primeros pasos, los integrantes no ocultaron que sueñan con presentarse algún día en festivales importantes. Sin embargo, remarcaron que la esencia del grupo sigue siendo la misma que en aquellos primeros encuentros.

“La idea siempre fue juntarnos a tocar folklore porque nos gusta. Compartir eso”, explicaron.

En un tiempo donde muchas propuestas musicales nacen detrás de estrategias o fórmulas prefabricadas, “Los del Quincho” parecen apostar a otro camino: el de la espontaneidad, las amistades genuinas y la música compartida.

La charla cerró, como no podía ser de otra manera, con guitarras en mano y una chacarera. “La Flor Azul” fue la canción elegida para comenzar a mostrar en vivo el sonido de este grupo que, nacido casi sin proponérselo, ya empezó a ganarse un lugar propio dentro del folklore joven entrerriano.

El chamamé y la música litoraleña vivieron un momento histórico de la mano de Litoral Mitá. La banda entrerriana fue invitada al exitoso programa El Fin del Mundo, conducido por Lizy Tagliani en el reconocido canal de streaming OLGA, marcando un hito para la cultura de la provincia y la región.

Durante su participación, Litoral Mitá no solo desplegó todo su talento musical, sino que también llevó la alegría del baile a los estudios. Los integrantes de la banda le enseñaron los pasos tradicionales del chamamé a Lizy Tagliani, Fer Otero y Agostina Di Stefano, generando un momento inolvidable para los miles de espectadores conectados.

El repertorio elegido para esta gran ocasión incluyó los clásicos “Puerto Tirol” y “Estancia San Blas”. Además, el grupo regaló una yapa muy especial: “Eterno Amor”, interpretada con el inconfundible estilo y la reversión a la que Litoral Mitá tiene acostumbrado a su público.

Sobre esta experiencia trascendental, Benjamín Roskopf, integrante del grupo, expresó su profunda emoción:

"Cuando nuestro productor, Noah Camacho, nos contó que nos habían invitado de Olga, la sensación fue literalmente de explotar de felicidad. Fue un momento increíble darnos cuenta de lo que significaba. Llevar nuestra bandera y ser los primeros entrerrianos en mostrar nuestra música del litoral en una plataforma tan inmensa es un orgullo enorme. Agradezco de corazón a todo el canal por la invitación, la buena onda y el hermoso recibimiento que nos dieron desde el primer minuto".

Aprovechando su paso por Buenos Aires, desde la producción de Litoral Mitá anunciaron que en la capital federal se grabó el videoclip de su nuevo lanzamiento, “Eterno Amor”.

Este material se enmarca dentro de “Sesiones Litoral”, un ciclo audiovisual itinerante donde la banda desanda su repertorio a través de los rincones que habitan. El objetivo de estas sesiones en vivo es buscar una estética orgánica y profunda, dejando de lado los grandes y tradicionales escenarios para encontrarse con la música desde la sencillez de lo cotidiano.

La llegada a OLGA fue el broche de oro de una gira que tuvo múltiples paradas destacadas:

Gualeguay (Entre Ríos): La gira comenzó días atrás compartiendo escenario como artistas invitados de La Bomba de Tiempo, un grupo muy admirado por Litoral Mitá y con quienes comparten una gran amistad.

Palacio Libertad (Buenos Aires): El 25 de mayo, la banda fue parte de los festejos patrios oficiales. En la explanada del ex CCK, ante un multitudinario marco de público, dejaron bien en alto a Entre Ríos y a la música del litoral en una de las fechas más importantes del calendario nacional.

Para llevar a cabo esta exitosa serie de presentaciones, la delegación que viajó estuvo conformada por un gran equipo humano y profesional:

Músicos:

Benjamín Roskopf

Esteban Frías

Ayrton Alles

Nicolás Pross

Juan Manuel Benitez

Carlos Riccardino

Músico invitado en OLGA: Juan Pablo Francisconi

Equipo Técnico y Producción:

Sonido y Técnica: Gaspar Cuello

Redes y Contenido: Lucas Altamirano

Productor y Road Manager: Noah Camacho

Con quince años de camino recorrido en la música y la investigación cultural, el dúo entrerriano Seuer Montec, oriundo de Villaguay, presentó su nuevo trabajo discográfico titulado “Charrúa”, una producción que reafirma su vínculo con la identidad ancestral y su apuesta por la preservación de la lengua y la cosmovisión de los pueblos originarios.

El EP ya se encuentra disponible desde el viernes 22 de mayo en distintas plataformas digitales como Spotify, Apple Music, YouTube Music y Bandcamp, entre otras.

El lanzamiento llega en un momento simbólico para la agrupación, que celebra su XV aniversario, consolidándose como una de las propuestas culturales más singulares de la provincia de Entre Ríos en el cruce entre música, investigación histórica y patrimonio indígena.

“Charrúa” está compuesto por cuatro canciones, dos de ellas en lengua charrúa y dos en castellano.

Los temas que integran el EP son:

Las dos primeras composiciones fueron presentadas previamente a través de videoclips difundidos en YouTube, como adelanto del nuevo material.

La propuesta musical mantiene la identidad estética y conceptual que ha caracterizado al dúo: una combinación de exploración sonora, rescate lingüístico y expresión artística vinculada a la memoria cultural del pueblo charrúa.

A través de un mensaje difundido junto al lanzamiento, los integrantes de Seuer Montec compartieron la mirada conceptual que atraviesa esta obra.

“Charrúa es una identidad. Una perspectiva de la existencia. De la vida. Del estar en el universo. Un modo de existir en relación con el todo que también integramos”, expresaron.

Y agregaron:

“Y no se es charrúa de un modo único ni para siempre. Se va siendo. Al tiempo de cada quien. A las circunstancias que cada quien va atravesando. Intentamos en este grupo de cantos manifestar algo de ese ir siendo charrúas en que estamos desde hace largo tiempo”.

La definición refleja el eje profundo del trabajo: no sólo una propuesta musical, sino también una construcción identitaria y cultural.

Desde Villaguay, Seuer Montec lleva adelante desde hace una década y media una tarea vinculada al rescate, investigación y creación musical en lengua y tradición charrúa.

Su trabajo ha estado enfocado en recuperar expresiones culturales, sonidos, palabras y sentidos ligados a una herencia histórica que forma parte del territorio entrerriano y del litoral.

En ese recorrido, el dúo logró construir una identidad propia dentro de la escena independiente, articulando arte, memoria y patrimonio.

Con “Charrúa”, Seuer Montec abre una nueva etapa dentro de su trayectoria, reafirmando una propuesta que trasciende lo estrictamente musical.

El EP se presenta como una síntesis de quince años de búsqueda artística y cultural, donde la lengua nativa, la reflexión identitaria y la creación contemporánea dialogan en una misma obra.

Desde Villaguay hacia las plataformas digitales y nuevos públicos, el dúo vuelve a poner en circulación una expresión que conecta pasado, presente y territorio.

Luego de un año consagratorio marcado por presentaciones en escenarios de gran convocatoria y una creciente proyección dentro del circuito folclórico regional, Litoral Mitá se prepara para dar un nuevo paso en su carrera artística: su regreso a la Capital Federal, donde será protagonista de una de las celebraciones patrias más significativas del calendario nacional.

La agrupación, integrada por músicos oriundos de la región y reconocida por su impronta ligada a la identidad del litoral argentino, fue confirmada como parte de la programación oficial de los festejos por el 25 de Mayo, una participación que refuerza su presente artístico y su posicionamiento dentro del mapa cultural del país.

El regreso de Litoral Mitá tendrá como escenario la explanada del Palacio Libertad, uno de los espacios culturales y patrimoniales más representativos de la Ciudad de Buenos Aires.

Allí, el conjunto desplegará un repertorio atravesado por los sonidos del litoral, con una propuesta que combina raíz folclórica, energía escénica y una fuerte identidad regional.

La presentación se dará en el marco de una jornada abierta al público que convocará a familias, turistas y vecinos de distintos puntos del país.

La actuación de la banda entrerriana no sólo representa una nueva oportunidad de mostrarse en uno de los principales centros culturales del país, sino también una forma de llevar la música de la región al corazón de los festejos patrios.

Durante el último año, Litoral Mitá logró consolidarse como una de las agrupaciones de mayor crecimiento en la escena musical del litoral.

Su participación en festivales regionales, escenarios de gran exigencia y eventos culturales de relevancia les permitió ganar visibilidad y posicionarse como una de las propuestas emergentes con mayor proyección.

Ese recorrido artístico, sostenido por una identidad sonora ligada a la música popular del litoral, fue clave para este nuevo desembarco en Buenos Aires.

Con esta presentación, la banda reafirma su expansión más allá del circuito regional y fortalece su presencia en escenarios nacionales.

La celebración del 25 de Mayo en la explanada del Palacio Libertad fue pensada como una jornada cultural y familiar que combinará música, tradición e identidad nacional.

Además de la presentación de Litoral Mitá, la programación oficial contará con uno de los momentos más destacados del día: la actuación de la reconocida Fanfarria Militar “Alto Perú”, perteneciente al histórico Regimiento de Granaderos a Caballo General San Martín.

La presencia de esta formación militar aportará un fuerte componente simbólico y patrio a la celebración.

La actividad se desarrollará con entrada libre y gratuita.

Detalles del evento:

El espacio reúne distintas trayectorias musicales y artísticas bajo una lógica colaborativa, con el objetivo de generar obras propias y, al mismo tiempo, fortalecer el entramado cultural regional. Desde una identidad profundamente ligada al territorio y a las expresiones comunitarias, el colectivo integra propuestas que van desde el canto ancestral charrúa hasta el rock, el reggae y las búsquedas contemporáneas.

Breve e Infinito está conformado por tres proyectos musicales principales: Seuer Montec, Hebe y Tonga Udimar, cada uno con una identidad artística propia, aunque atravesados por una misma mirada de construcción colectiva.

Uno de los proyectos más singulares es Seuer Montec, dúo integrado por Gabriela Pérez y Javier Álvarez. Su nombre significa “Saber Escuchar” en lengua charrúa y nació en 2011 en el marco de la Escuela Popular Charrúa Etriek. La propuesta recupera sonoridades ancestrales y promueve una experiencia de reconexión con la cultura originaria a través de la música y la revitalización lingüística.

Gabriela Pérez aporta voz y Afia Tanú —arco musical charrúa Etriek—, mientras que Javier Álvarez participa en guitarra y voz. El dúo lanzó recientemente los EPs Ancat y Vivo en la Naturaleza (En Vivo), disponibles en Spotify, y prepara la salida de un nuevo trabajo titulado Charrúa, prevista para el 22 de mayo de 2026.

Por su parte, Hebe desarrolla un proyecto de raíz vocal y comunitaria. Nacida y criada dentro de la comunidad Charrúa Etriek, la artista entiende la música como una forma de pertenencia y construcción colectiva. “Cantar y hacer música, para mí, es una forma de ser”, resume sobre una propuesta que busca expandirse compartiendo canciones atravesadas por la identidad y el territorio. Su reciente lanzamiento, En Mi Tierra (2026), ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

En otra línea estética, Tonga Udimar —proyecto encabezado por Gastón Álvarez— fusiona rock, reggae, rap y música nativa en composiciones atravesadas por experiencias personales y sociales. Las canciones abordan emociones como la angustia y la ansiedad, transformándolas en mensajes de empatía, contención y esperanza. Entre sus trabajos más recientes se destacan el álbum Deja que Fluya y el EP La Energía que Te Mueve, ambos publicados en 2025.

El colectivo se completa con la participación de Diego Álvarez en percusión y sintetizador, Lucas Oviedo en acordeón y Nadia Álvarez en danza e indumentaria, ampliando la propuesta artística hacia una experiencia escénica integral.

Además de desarrollar sus propias producciones, Breve e Infinito comenzó a trabajar en grabaciones y producciones para artistas allegados, entre ellos Misión Camila, Omar Jacobo y Soyla Criatura. Según adelantaron desde el espacio, el objetivo es abrir progresivamente esta oferta a otros proyectos musicales independientes, fortaleciendo así la producción cultural autogestiva en Entre Ríos.

Con una fuerte presencia digital, el colectivo difunde sus contenidos y lanzamientos a través de plataformas como Spotify, YouTube, Instagram y Facebook, consolidando una red de circulación artística que trasciende lo local y conecta con nuevas audiencias.

Instagram del colectivo: Breve e InfinitoFacebook: Breve e Infinito Facebook

Seuer Montec:Spotify Seuer MontecYouTube Seuer Montec

Hebe:Spotify HebeYouTube Hebe

Tonga Udimar:Spotify Tonga UdimarYouTube Tonga Udimar

Durante la entrevista, ambos artistas repasaron cómo nació el proyecto musical y revelaron que la historia del dúo comenzó mucho antes de adoptar formalmente el nombre que hoy los identifica.

“Nos conocemos hace más de 20 años”, contó Orlando Dabin, mientras Erika completó la respuesta con una sonrisa: “Somos marido y mujer”. La música fue justamente el punto de encuentro entre ambos. “Nos conocimos haciendo música”, recordaron.

Orlando relató el instante exacto en que escuchó cantar a Erika por primera vez. “Pasaba por un lugar donde había música, escuché una voz que me gustó y entré”, comentó. Desde entonces comenzaron a compartir espacios corales, actuaciones y proyectos musicales que con el tiempo derivaron en el dúo Sentidos.

La pareja explicó que el proyecto tuvo distintas etapas, con períodos de mayor actividad y otros de pausa, aunque actualmente atraviesan un nuevo impulso artístico. “Ahora estamos dándole de vuelta un lugar”, señalaron, al tiempo que invitaron al público a seguirlos en redes sociales bajo el perfil “Dúo Sentidos”, donde comparten grabaciones y presentaciones en vivo.

A lo largo de la conversación, ambos coincidieron en definir a la música como una necesidad emocional más que como una actividad comercial. “No nos está dando el calle para vivir de la música, pero disfrutamos igual”, expresó Orlando con humor.

Actualmente, los artistas participan en distintos escenarios de la región, especialmente en peñas folclóricas y eventos culturales de Crespo y otras localidades entrerrianas. Entre sus presentaciones recientes mencionaron su participación en la peña “Montielera Federal” y en los festejos por el aniversario de la ciudad.

Sin embargo, ambos reconocieron las dificultades que atraviesan hoy los músicos independientes. “Hay pocos espacios donde realmente se les pague a los músicos”, lamentaron.

El repertorio del dúo se caracteriza por una impronta acústica y emocional, alejada de los formatos más festivos de las peñas tradicionales. Zambas, chamamés suaves y canciones melódicas forman parte de una propuesta artística centrada en la interpretación vocal y el clima íntimo.

“Siempre buscamos elegir canciones que nos digan algo y que tengan un mensaje para transmitir”, explicó Erika Aab. En ese sentido, destacaron temas como Piel de Cobre, del músico victoriense Marcos Pereira, una canción inspirada en la vida de los pescadores del litoral.

Durante el programa, Mariana Rupp destacó la conexión artística y personal que transmite el dúo. “Hay una conexión muy grande entre ustedes”, observó la conductora, quien además recibió mensajes de la audiencia elogiando la calidad vocal de ambos intérpretes.

La entrevista también permitió conocer el recorrido individual de cada uno. Erika recordó que comenzó a cantar desde muy pequeña, primero en la iglesia y luego en coros y agrupaciones vocales de Crespo. Orlando, en tanto, contó que aprendió guitarra en grupos misioneros y que más tarde integró distintos proyectos musicales locales.

Más allá de sus actividades artísticas, ambos desarrollan profesiones por fuera de la música: Erika es profesora de matemática y Orlando trabaja en el sector de telecomunicaciones. Aun así, coinciden en que el arte ocupa un lugar central en sus vidas.

“La música es una pasión imposible de dejar”, afirmó Orlando. “Uno puede dedicarle más o menos tiempo, pero dejarla totalmente es como dejar un pedazo de uno”.

Erika, por su parte, definió al canto como “un cable a tierra” y aseguró que la música tiene un efecto transformador. “Te cambia la forma de pensar, de respirar y por un rato te olvidás de las preocupaciones”, expresó.

Sobre el cierre del programa, ambos respondieron a “la pregunta dorada” de la tarde: qué mantiene vivo el vínculo entre ellos después de tantos años. Orlando resumió la respuesta en una frase sencilla: “Encontrar una pasión compartida como la música es algo muy difícil. Y encima que sea recíproco, es una suerte enorme”.

La entrevista finalizó con una interpretación en vivo de una zamba, coronando una tarde atravesada por la emoción, la música y las historias compartidas.