Harlem Festival, el evento musical que reúne todo lo que hoy nos gusta, anuncia de forma oficial el line up para su esperada edición 2026. Tras consolidarse como uno de los festivales conceptuales más importantes del país, el encuentro regresa al corazón de la ciudad de Santa Fe para ofrecer dos jornadas consecutivas con una propuesta artística de primer nivel que cruza géneros, generaciones y estilos.

El line up de este año está encabezado por figuras de enorme relevancia nacional e internacional como Cazzu, Babasonicos, La Vela Puerca y Las Pelotas, acompañados por una grilla potente que incluye a El Plan de la Mariposa, Guasones, El Kuelgue, Cuarteto de Nos, Marilina Bertoldi, Angela Torres, Peces Raros, Turf, Cruzando el Charco, La T y la M, Los Pericos y Coti.

La lista completa de artistas la componen: Cazzu, Babasonicos, La Vela Puerca, Las Pelotas, El Plan de la Mariposa, Guasones, El Kuelgue, Cuarteto de Nos, Marilina Bertoldi, Angela Torres, Peces Raros, Turf, Cruzando el Charco, La T y la M, Los Pericos, Coti, Perras on The Beach, La Grecia, Ramma, Bhavi, Acru, Taichu, Oney1, Tussiwarriors, Juana Rozas, Cosmic Kid, Ainda, Lisandro Skar, Reybruja, BB Asul, Sakatumba, La Valenti, Kill Flora y Malta Caramelo.

Con esta programación, Harlem Festival promete mantener su esencia integradora, donde conviven en armonía diferentes públicos, propuestas gastronómicas, escenarios en simultáneo y una mega producción pensada para disfrutar con amigos o en familia.

Los abonos para asistir a las dos jornadas del festival ya se pueden adquirir a través del sitio web oficial www.harlem.com.ar/festival (sistema Passline).

Para que nadie se quede afuera, se podrán aprovechar 3 cuotas sin interés con todos los bancos. Además, como beneficio exclusivo, se pueden comprar los accesos en 6 cuotas sin interés utilizando tarjetas Visa de Banco Santa Fe y Banco Entre Ríos.

Para más información y novedades de último momento, seguí las redes oficiales de @harlemfestival o ingresá a su página web.

La música también puede ser una forma de preservar la memoria de un pueblo. Con esa premisa, la cantante y compositora villaguayense HEBE presentó "Charrúa oipik", un nuevo sencillo que ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales y que constituye una de las pocas producciones musicales actuales interpretadas íntegramente en lengua charrúa.

La canción tuvo su lanzamiento oficial el 26 de junio y representa un homenaje a la infancia de la artista dentro de la Escuela Popular Charrúa Etriek y de la comunidad del mismo nombre, donde comenzó su formación musical y su vínculo con la cultura de los pueblos originarios.

Más que una canción, la obra propone un recorrido por los recuerdos, la identidad y el sentido de pertenencia que marcaron los primeros años de vida de la joven intérprete.

El lanzamiento está acompañado por un videoclip disponible en el canal oficial de YouTube de HEBE.

La producción combina imágenes de archivo de la Escuela Popular Charrúa Etriek con escenas filmadas en la comunidad para la película "Hard Cop, vivir y dejar matar", del director Juan Coñuel, generando un relato audiovisual que refuerza el carácter testimonial de la canción.

Uno de los aspectos más originales del tema es la incorporación del Afia Tanú —conocido como "arco que late"—, un instrumento desarrollado dentro de la propia comunidad a partir de investigaciones sobre el antiguo arco de boca utilizado por los charrúas, adaptado a las posibilidades musicales actuales.

La grabación contó con la participación de Diego Álvarez en cajón, Lucas Oviedo en acordeón y Javier Álvarez, quien interpretó guitarra, bajo y Afia Tanú, además de asumir la producción musical.

HEBE es el proyecto artístico de Hebe Álvarez, nacida en Villaguay en 2001.

Formada desde muy pequeña en la Escuela Popular Charrúa Etriek, integró distintos grupos vocales infantiles y de música popular, entre ellos It Guidaí y Charrúa Etriek, además de compartir escenario con numerosos artistas de su ciudad.

A lo largo de los últimos años también se presentó en Paraná, Chajarí, Rosario del Tala, Diamante, Maciá, Villa Domínguez, General Campos y Bovril, consolidando un camino que combina la canción de autor con una fuerte impronta identitaria.

Su vínculo con el arte también incluye una participación en el documental "Soy río", del realizador Sebastián Ingrassia, dedicado al río Gualeguay.

"Charrúa oipik" es el segundo adelanto de "Soy", el primer EP de la artista.

El trabajo comenzó a presentarse con "En mi tierra", una canción dedicada al arraigo que, tras su lanzamiento, fue seleccionada por la Secretaría de Cultura de Entre Ríos en la convocatoria Tema Inédito, reconocimiento que le permitió participar del Encuentro Entrerriano de Música realizado en Diamante.

Con estos dos primeros sencillos, HEBE propone una búsqueda artística donde la música se convierte en un puente entre las nuevas generaciones y las raíces culturales del pueblo entrerriano. El EP se completará durante el segundo semestre del año con otras dos composiciones inéditas, profundizando un camino creativo que pone en el centro la memoria, el territorio y la identidad.

La muerte de Carlos Alberto "Indio" Solari volvió a poner en primer plano el legado artístico de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, una de las bandas más influyentes de la historia del rock nacional. Más allá de los discos y los recitales multitudinarios, el grupo dejó un repertorio de canciones que marcaron a varias generaciones y que hoy forman parte de la memoria colectiva argentina.

Entre ellas, Ji ji ji ocupa un lugar especial. Incluida en el álbum Oktubre (1986), la canción se transformó en un verdadero fenómeno cultural gracias al tradicional "pogo más grande del mundo", una imagen que acompañó durante décadas cada presentación del Indio Solari. Su energía arrolladora y su ritmo inconfundible la convirtieron en uno de los himnos más reconocidos del rock argentino.

Otro de los temas emblemáticos es Juguetes perdidos, publicado en Luzbelito (1996). Con una letra cargada de sensibilidad y referencias generacionales, la canción logró sintetizar sentimientos de desencanto, resistencia y pertenencia, convirtiéndose en uno de los momentos más esperados por el público en cada recital.

La lista de clásicos también incluye La bestia pop, una de las composiciones más representativas de Gulp! (1985), el primer disco de estudio de la banda. Allí ya aparecían algunos de los rasgos que caracterizarían a Los Redondos: crítica social, ironía y una mirada particular sobre la realidad argentina.

En Preso en mi ciudad, también perteneciente a Oktubre, el grupo retrató la sensación de encierro y alienación urbana a través de una de las letras más oscuras y potentes de su catálogo. La combinación entre la escritura del Indio Solari y la guitarra de Skay Beilinson terminó por consolidar una identidad artística única dentro del rock nacional.

Por su parte, Un ángel para tu soledad, incluida en Lobo suelto, cordero atado (1993), amplió aún más la llegada popular de la banda. Con una melodía accesible y una poesía característica, se convirtió rápidamente en una de las canciones más difundidas y recordadas de su trayectoria.

Con nueve discos de estudio y una influencia que continúa vigente a más de dos décadas de la separación del grupo, Los Redondos lograron trascender el ámbito musical para transformarse en un fenómeno cultural. La muerte del Indio Solari reavivó el recuerdo de esas canciones que, para miles de argentinos, siguen siendo la banda sonora de distintas etapas de sus vidas.

La noticia del fallecimiento de Carlos Alberto "Indio" Solari, una de las figuras más influyentes del rock nacional, generó una profunda conmoción en el ámbito cultural y musical argentino. Según trascendió este 5 de junio, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota murió en su domicilio de Parque Leloir, en el partido bonaerense de Ituzaingó.

De acuerdo a la información difundida por medios nacionales, se realizará la correspondiente autopsia para determinar oficialmente las causas del deceso. Su última aparición pública había tenido lugar en enero de este año, mediante un mensaje grabado con motivo de la entrega del título Honoris Causa otorgado por la Universidad de Buenos Aires.

Con una trayectoria que marcó a varias generaciones, Solari construyó una carrera singular, caracterizada por la independencia artística, el bajo perfil y una relación directa con sus seguidores. Junto a Eduardo "Skay" Beilinson fundó en 1975, en la ciudad de La Plata, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda que se transformó en un fenómeno cultural sin precedentes dentro del rock argentino.

Álbumes como Oktubre, Un baión para el ojo idiota, ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte de una discografía que dejó una huella imborrable en la música nacional. Tras la disolución del grupo en 2001, Solari continuó su camino como solista, editando trabajos como El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel), Porco Rex, El perfume de la tempestad, Pajaritos, bravos muchachitos y El ruiseñor, el amor y la muerte.

Su último recital multitudinario tuvo lugar en Olavarría, en 2017, en una convocatoria que volvió a demostrar el extraordinario vínculo con su público. En los años posteriores redujo sus apariciones debido a problemas de salud, aunque continuó vinculado a la música a través de grabaciones, publicaciones y propuestas virtuales.

En 2016 había confirmado públicamente que padecía Parkinson, enfermedad que condicionó progresivamente su actividad artística. Finalmente, en 2023 anunció su retiro definitivo de los escenarios, aunque mantuvo una presencia activa mediante distintos proyectos.

Con su partida, la música argentina pierde a uno de sus artistas más influyentes y enigmáticos. Su obra, sus letras y su particular mirada sobre la realidad seguirán formando parte del patrimonio cultural de varias generaciones de argentinos.

Detrás de una voz suave y una sonrisa serena, Meli Exner guarda una convicción profunda: la música es el lugar donde mejor puede expresar lo que siente. Así lo dejó en claro durante su paso por La Hora Dorada, el programa de streaming que conduce Mariana Rupp por Paralelo 32, donde compartió reflexiones sobre su recorrido artístico, sus sueños y su reciente acercamiento al tango.

“Lo que me enamora de la música es esa capacidad de poner en palabras cosas que a veces uno siente y no sabe cómo expresar”, contó la joven cantante. Para ella, las canciones tienen la facultad de ordenar emociones, acompañar procesos personales y conectar con sentimientos que muchas veces resultan difíciles de explicar.

Aunque reconoció que cada presentación viene acompañada por una cuota de nervios, aseguró que subir a un escenario le genera una felicidad difícil de comparar con cualquier otra experiencia. “Cada vez que puedo estar cantando en algún lugar pienso: estoy acá haciendo lo que me gusta. Es algo que siempre soñé”, expresó.

Durante la entrevista, Exner habló de la relación que mantiene con la música en su vida cotidiana. Más allá de los escenarios, encuentra en ella un espacio permanente de conexión consigo misma.

“Cuando escucho música, cuando canto en mi casa o cuando voy a clases de canto, guitarra, piano o tango, siento que soy Meli plenamente, siendo feliz”, afirmó.

Entre las canciones que la acompañaron en distintos momentos de su vida destacó Resistiré, un tema que definió como una fuente de fortaleza personal. “Es una canción a la que siempre vuelvo. En diferentes momentos fue como un empujoncito”, explicó.

La joven artista también reveló una faceta menos conocida: la escritura. Desde hace años redacta letras propias inspiradas tanto en experiencias personales como en historias que la conmueven. Aunque todavía no compone música, conserva numerosos textos con la esperanza de convertirlos algún día en canciones.

“Aprendí que tengo capacidad para crear y que puedo confiar más en mí misma”, señaló al hablar sobre lo que la música le enseñó a lo largo de los años.

Uno de los momentos más significativos de la charla llegó cuando contó que este año decidió profundizar su formación en el tango, género que la cautivó por la capacidad interpretativa de sus referentes.

“Lo que más me llamó la atención del tango es cómo los cantantes transmiten muchísimo con la voz. Eso me fascinó”, comentó.

Si bien reconoce que está dando sus primeros pasos en ese universo musical, siente que encontró allí un camino artístico con el que se identifica especialmente.

Durante el programa interpretó una pieza de tango y también compartió, a pedido de la conductora, un breve fragmento de una canción melódica, demostrando la versatilidad de su registro vocal.

A lo largo de la entrevista, Meli dejó varios mensajes vinculados a la importancia de perseguir los sueños y animarse a dar el primer paso, aun cuando el objetivo parezca lejano.

“Si hay algo que uno quiere mucho, hay que animarse. Cada vez que hacés algo relacionado con ese sueño, estás más cerca que si nunca hubieras empezado”, reflexionó.

Consultada sobre qué le diría a aquella niña que soñaba con cantar, respondió sin dudar: “Le diría que seguimos soñando con lo mismo y que estoy haciendo todo lo posible para que esos sueños se cumplan”.

Y cuando llegó el momento de brindar por algo que todavía no ocurrió, la respuesta fue tan sencilla como sincera: poder grabar y compartir su propia música.

“Me gustaría que algún día mis canciones salgan a la luz, que alguien las escuche y que le lleguen de alguna manera”, expresó.

La última visita había sido en el Estadio Echagüe el 5 de septiembre de 2024. Esta vez el escenario fue otro, pero la respuesta del público fue la misma: un predio repleto, con el sector VIP que rodeaba el recinto lleno y un campo que desde mucho antes del inicio del espectáculo ya exhibía la ansiedad de los fanáticos.

A las 21:20, las luces se apagaron y comenzó el viaje. Un viaje que tuvo como punto de partida "Puertas", el disco que da nombre a la gira con la que vienen de agotar un Movistar Arena y recorrer distintos puntos de Argentina.

Desde temprano llamó la atención la cantidad de remeras con las ilustraciones del nuevo álbum y los numerosos carteles levantados entre la multitud. Uno de los más repetidos tenía el emoji de la cara roja, convertido ya en un símbolo inevitable para quienes adoptaron "Cara de Nada" como una de las canciones más representativas del último año del grupo.

Como sucede en cada presentación de El Cuarteto de Nos, una de las imágenes más llamativas estuvo en el público. Padres compartiendo el recital con sus hijos adolescentes, jóvenes que descubrieron la banda hace pocos años gracias a las plataformas digitales y seguidores históricos que los acompañan desde los tiempos de "Raro", o incluso antes. Esa convivencia generacional se volvió evidente al ver para los costados del escenario. "Es mi primer recital, qué emoción, no me voy a olvidar de este momento", esbozó un pequeño sin poder contener la emoción. A su lado estaban sus padres. Una postal perfecta de lo que hoy representa la banda.

Sobre el escenario, Roberto Musso volvió a desplegar una de sus mayores virtudes: la capacidad de conectar con el público. Risueño, cómplice y siempre dispuesto al intercambio, fue hilvanando canciones con anécdotas, explicaciones y chistes que funcionaron como pequeños descansos antes de volver a la intensidad musical.

El repertorio estuvo concentrado principalmente en los discos más recientes, aunque sin olvidar ese punto de inflexión que significó "Raro", el álbum que cambió para siempre la historia del grupo y lo proyectó definitivamente hacia Latinoamérica.

Hubo momentos para saltar, para cantar y también para pensar.

"Contrapunto para Humano y Computadora" se sintió especialmente actual. En tiempos atravesados por la inteligencia artificial y los debates sobre el futuro de la humanidad, la canción volvió a interpelar desde un lugar incómodo y reflexivo, uno de esos momentos en los que El Cuarteto demuestra que detrás del humor siempre hay algo más profundo para decir.

El humor, precisamente, apareció de manera brillante antes de "Me Amo". Luego de interpretar "Rorschach", Musso recordó la clásica interpretación psicológica de la imagen que da nombre a la canción no solo veía manchas sino que mientras algunos ven dos personas enfrentándose, bromeó diciendo que él veía dos personas amándose. La ocurrencia desató las risas del público y dio pie al ingreso de "Me Amo", acompañada por un corazón que rezaba "Yo y Yo".

Los grandes pogos de la noche llegaron con "El Hijo de Hernández", "Marioneta", "Invierno del 92" y, sobre todo, "Yendo a la Casa de Damián", una de esas canciones que parecen no perder vigencia con el paso del tiempo y que transforman cualquier recital del Cuarteto en una celebración colectiva. Siendo, una especie de cierre obligado para los de Musso y compañía.

Hubo también espacio para la emoción. Durante "No Llora", miles de luces de celulares iluminaron Hierlam. Entre las voces que acompañaban la canción podían verse niñas, adolescentes y también mujeres adultas y padres encontrándose con sus propias historias en una letra que sigue tocando fibras sensibles.

Y cuando llegó "Maldito Show", el nombre de la canción terminó describiendo literalmente la escena. Una lluvia de papelitos cubrió el predio mientras la banda sonaba con toda su potencia y el público respondía con una fiesta visual que quedará entre las imágenes más recordadas de la noche.

Pogo, luces, risas, emoción, reflexión y hasta lágrimas. Los recitales de El Cuarteto de Nos tienen la particularidad de recorrer todos esos estados sin perder coherencia. Tal vez porque sus canciones hablan de nosotros mismos. De nuestras contradicciones, nuestros miedos, nuestras obsesiones y nuestras preguntas.

Hacia el final, mientras sonaban las últimas canciones, volvió a resonar aquella idea que Roberto Musso alguna vez explicó sobre "Yendo a la Casa de Damián": que muchas veces no importa tanto el destino como lo que ocurre durante el trayecto.

Y eso fue precisamente el recital del sábado en Paraná: un recorrido.

El Cuarteto de Nos es presente. Y su público volvió a estar ahí para comprobarlo, atravesando una vez más esas puertas que la banda abre en cada show para invitarnos a mirar el mundo desde otro lugar. A veces seguimos buscando respuestas. Pero mientras tanto, siempre queda una buena historia para contar en el camino.

Lo que comenzó como una reunión entre amigos, guitarras y un asado familiar, hoy empieza a transformarse en uno de esos proyectos musicales que crecen desde la simpleza, la amistad y el amor por el folklore. Así nació “Los del Quincho”, el grupo integrado por Valen Paúl, Santi Paúl, Jere Gignone y Andrés David Pérez, quienes visitaron el programa La Hora Dorada, conducido por Mariana Rupp y emitido vía streaming a través de la web de Paralelo 32.

Entre risas, anécdotas y mates compartidos, los jóvenes contaron cómo surgió esta propuesta folklórica que ya comenzó a ganar espacio en escenarios y redes sociales.

“Todo arrancó con un cambio de cuerda”, resumió Jere entre carcajadas. Según relató, durante una juntada en el quincho familiar —espacio que terminaría dándole identidad al grupo— comenzaron a tocar algunas canciones mientras se hacía un asado. “Empezamos a las nueve de la noche y terminamos cerca de las doce y media tocando. El asado quedó ahí… nadie comió”, recordó.

Aquella noche fue el punto de partida. Primero fueron encuentros informales entre amigos unidos por el gusto por el folklore. Después comenzaron a invitar conocidos y, casi sin darse cuenta, aparecieron las primeras oportunidades.

“Nos decían ‘che, no suenan tan mal’”, comentaron entre bromas.

El impulso definitivo llegó gracias a una invitación de los organizadores de Montielera y Federal, quienes les ofrecieron participar de un micrófono libre. Allí decidieron dar un paso más y tomarse el proyecto con mayor seriedad.

“Cuando nos invitaron dijimos: bueno, vamos a meterle con ganas”, señalaron. A partir de ese momento nació oficialmente “Los del Quincho”, nombre inspirado en ese espacio de encuentros donde comenzaron las primeras guitarreadas.

Durante la entrevista, Mariana también los llevó a un terreno más distendido y personal. Entre preguntas sobre quién llega tarde, quién es el más “quilombero” o quién podría convertirse en la futura “estrella” del grupo, las respuestas dejaron ver la química y el humor que comparten.

Valen admitió entre risas ser quien suele demorarse para las juntadas, mientras que el bombista fue señalado por sus compañeros como el más inquieto del grupo. Sobre la posibilidad de que alguno “se crea estrella”, las bromas no tardaron en aparecer, aunque todos coincidieron en algo: mantener la humildad.

“Queremos disfrutar esto. Si se tiene que dar algo más grande, se dará”, expresaron.

Aunque reconocen que todavía están dando sus primeros pasos, los integrantes no ocultaron que sueñan con presentarse algún día en festivales importantes. Sin embargo, remarcaron que la esencia del grupo sigue siendo la misma que en aquellos primeros encuentros.

“La idea siempre fue juntarnos a tocar folklore porque nos gusta. Compartir eso”, explicaron.

En un tiempo donde muchas propuestas musicales nacen detrás de estrategias o fórmulas prefabricadas, “Los del Quincho” parecen apostar a otro camino: el de la espontaneidad, las amistades genuinas y la música compartida.

La charla cerró, como no podía ser de otra manera, con guitarras en mano y una chacarera. “La Flor Azul” fue la canción elegida para comenzar a mostrar en vivo el sonido de este grupo que, nacido casi sin proponérselo, ya empezó a ganarse un lugar propio dentro del folklore joven entrerriano.

El chamamé y la música litoraleña vivieron un momento histórico de la mano de Litoral Mitá. La banda entrerriana fue invitada al exitoso programa El Fin del Mundo, conducido por Lizy Tagliani en el reconocido canal de streaming OLGA, marcando un hito para la cultura de la provincia y la región.

Durante su participación, Litoral Mitá no solo desplegó todo su talento musical, sino que también llevó la alegría del baile a los estudios. Los integrantes de la banda le enseñaron los pasos tradicionales del chamamé a Lizy Tagliani, Fer Otero y Agostina Di Stefano, generando un momento inolvidable para los miles de espectadores conectados.

El repertorio elegido para esta gran ocasión incluyó los clásicos “Puerto Tirol” y “Estancia San Blas”. Además, el grupo regaló una yapa muy especial: “Eterno Amor”, interpretada con el inconfundible estilo y la reversión a la que Litoral Mitá tiene acostumbrado a su público.

Sobre esta experiencia trascendental, Benjamín Roskopf, integrante del grupo, expresó su profunda emoción:

"Cuando nuestro productor, Noah Camacho, nos contó que nos habían invitado de Olga, la sensación fue literalmente de explotar de felicidad. Fue un momento increíble darnos cuenta de lo que significaba. Llevar nuestra bandera y ser los primeros entrerrianos en mostrar nuestra música del litoral en una plataforma tan inmensa es un orgullo enorme. Agradezco de corazón a todo el canal por la invitación, la buena onda y el hermoso recibimiento que nos dieron desde el primer minuto".

Aprovechando su paso por Buenos Aires, desde la producción de Litoral Mitá anunciaron que en la capital federal se grabó el videoclip de su nuevo lanzamiento, “Eterno Amor”.

Este material se enmarca dentro de “Sesiones Litoral”, un ciclo audiovisual itinerante donde la banda desanda su repertorio a través de los rincones que habitan. El objetivo de estas sesiones en vivo es buscar una estética orgánica y profunda, dejando de lado los grandes y tradicionales escenarios para encontrarse con la música desde la sencillez de lo cotidiano.

La llegada a OLGA fue el broche de oro de una gira que tuvo múltiples paradas destacadas:

Gualeguay (Entre Ríos): La gira comenzó días atrás compartiendo escenario como artistas invitados de La Bomba de Tiempo, un grupo muy admirado por Litoral Mitá y con quienes comparten una gran amistad.

Palacio Libertad (Buenos Aires): El 25 de mayo, la banda fue parte de los festejos patrios oficiales. En la explanada del ex CCK, ante un multitudinario marco de público, dejaron bien en alto a Entre Ríos y a la música del litoral en una de las fechas más importantes del calendario nacional.

Para llevar a cabo esta exitosa serie de presentaciones, la delegación que viajó estuvo conformada por un gran equipo humano y profesional:

Músicos:

Benjamín Roskopf

Esteban Frías

Ayrton Alles

Nicolás Pross

Juan Manuel Benitez

Carlos Riccardino

Músico invitado en OLGA: Juan Pablo Francisconi

Equipo Técnico y Producción:

Sonido y Técnica: Gaspar Cuello

Redes y Contenido: Lucas Altamirano

Productor y Road Manager: Noah Camacho

Con quince años de camino recorrido en la música y la investigación cultural, el dúo entrerriano Seuer Montec, oriundo de Villaguay, presentó su nuevo trabajo discográfico titulado “Charrúa”, una producción que reafirma su vínculo con la identidad ancestral y su apuesta por la preservación de la lengua y la cosmovisión de los pueblos originarios.

El EP ya se encuentra disponible desde el viernes 22 de mayo en distintas plataformas digitales como Spotify, Apple Music, YouTube Music y Bandcamp, entre otras.

El lanzamiento llega en un momento simbólico para la agrupación, que celebra su XV aniversario, consolidándose como una de las propuestas culturales más singulares de la provincia de Entre Ríos en el cruce entre música, investigación histórica y patrimonio indígena.

“Charrúa” está compuesto por cuatro canciones, dos de ellas en lengua charrúa y dos en castellano.

Los temas que integran el EP son:

Las dos primeras composiciones fueron presentadas previamente a través de videoclips difundidos en YouTube, como adelanto del nuevo material.

La propuesta musical mantiene la identidad estética y conceptual que ha caracterizado al dúo: una combinación de exploración sonora, rescate lingüístico y expresión artística vinculada a la memoria cultural del pueblo charrúa.

A través de un mensaje difundido junto al lanzamiento, los integrantes de Seuer Montec compartieron la mirada conceptual que atraviesa esta obra.

“Charrúa es una identidad. Una perspectiva de la existencia. De la vida. Del estar en el universo. Un modo de existir en relación con el todo que también integramos”, expresaron.

Y agregaron:

“Y no se es charrúa de un modo único ni para siempre. Se va siendo. Al tiempo de cada quien. A las circunstancias que cada quien va atravesando. Intentamos en este grupo de cantos manifestar algo de ese ir siendo charrúas en que estamos desde hace largo tiempo”.

La definición refleja el eje profundo del trabajo: no sólo una propuesta musical, sino también una construcción identitaria y cultural.

Desde Villaguay, Seuer Montec lleva adelante desde hace una década y media una tarea vinculada al rescate, investigación y creación musical en lengua y tradición charrúa.

Su trabajo ha estado enfocado en recuperar expresiones culturales, sonidos, palabras y sentidos ligados a una herencia histórica que forma parte del territorio entrerriano y del litoral.

En ese recorrido, el dúo logró construir una identidad propia dentro de la escena independiente, articulando arte, memoria y patrimonio.

Con “Charrúa”, Seuer Montec abre una nueva etapa dentro de su trayectoria, reafirmando una propuesta que trasciende lo estrictamente musical.

El EP se presenta como una síntesis de quince años de búsqueda artística y cultural, donde la lengua nativa, la reflexión identitaria y la creación contemporánea dialogan en una misma obra.

Desde Villaguay hacia las plataformas digitales y nuevos públicos, el dúo vuelve a poner en circulación una expresión que conecta pasado, presente y territorio.

Luego de un año consagratorio marcado por presentaciones en escenarios de gran convocatoria y una creciente proyección dentro del circuito folclórico regional, Litoral Mitá se prepara para dar un nuevo paso en su carrera artística: su regreso a la Capital Federal, donde será protagonista de una de las celebraciones patrias más significativas del calendario nacional.

La agrupación, integrada por músicos oriundos de la región y reconocida por su impronta ligada a la identidad del litoral argentino, fue confirmada como parte de la programación oficial de los festejos por el 25 de Mayo, una participación que refuerza su presente artístico y su posicionamiento dentro del mapa cultural del país.

El regreso de Litoral Mitá tendrá como escenario la explanada del Palacio Libertad, uno de los espacios culturales y patrimoniales más representativos de la Ciudad de Buenos Aires.

Allí, el conjunto desplegará un repertorio atravesado por los sonidos del litoral, con una propuesta que combina raíz folclórica, energía escénica y una fuerte identidad regional.

La presentación se dará en el marco de una jornada abierta al público que convocará a familias, turistas y vecinos de distintos puntos del país.

La actuación de la banda entrerriana no sólo representa una nueva oportunidad de mostrarse en uno de los principales centros culturales del país, sino también una forma de llevar la música de la región al corazón de los festejos patrios.

Durante el último año, Litoral Mitá logró consolidarse como una de las agrupaciones de mayor crecimiento en la escena musical del litoral.

Su participación en festivales regionales, escenarios de gran exigencia y eventos culturales de relevancia les permitió ganar visibilidad y posicionarse como una de las propuestas emergentes con mayor proyección.

Ese recorrido artístico, sostenido por una identidad sonora ligada a la música popular del litoral, fue clave para este nuevo desembarco en Buenos Aires.

Con esta presentación, la banda reafirma su expansión más allá del circuito regional y fortalece su presencia en escenarios nacionales.

La celebración del 25 de Mayo en la explanada del Palacio Libertad fue pensada como una jornada cultural y familiar que combinará música, tradición e identidad nacional.

Además de la presentación de Litoral Mitá, la programación oficial contará con uno de los momentos más destacados del día: la actuación de la reconocida Fanfarria Militar “Alto Perú”, perteneciente al histórico Regimiento de Granaderos a Caballo General San Martín.

La presencia de esta formación militar aportará un fuerte componente simbólico y patrio a la celebración.

La actividad se desarrollará con entrada libre y gratuita.

Detalles del evento:

El espacio reúne distintas trayectorias musicales y artísticas bajo una lógica colaborativa, con el objetivo de generar obras propias y, al mismo tiempo, fortalecer el entramado cultural regional. Desde una identidad profundamente ligada al territorio y a las expresiones comunitarias, el colectivo integra propuestas que van desde el canto ancestral charrúa hasta el rock, el reggae y las búsquedas contemporáneas.

Breve e Infinito está conformado por tres proyectos musicales principales: Seuer Montec, Hebe y Tonga Udimar, cada uno con una identidad artística propia, aunque atravesados por una misma mirada de construcción colectiva.

Uno de los proyectos más singulares es Seuer Montec, dúo integrado por Gabriela Pérez y Javier Álvarez. Su nombre significa “Saber Escuchar” en lengua charrúa y nació en 2011 en el marco de la Escuela Popular Charrúa Etriek. La propuesta recupera sonoridades ancestrales y promueve una experiencia de reconexión con la cultura originaria a través de la música y la revitalización lingüística.

Gabriela Pérez aporta voz y Afia Tanú —arco musical charrúa Etriek—, mientras que Javier Álvarez participa en guitarra y voz. El dúo lanzó recientemente los EPs Ancat y Vivo en la Naturaleza (En Vivo), disponibles en Spotify, y prepara la salida de un nuevo trabajo titulado Charrúa, prevista para el 22 de mayo de 2026.

Por su parte, Hebe desarrolla un proyecto de raíz vocal y comunitaria. Nacida y criada dentro de la comunidad Charrúa Etriek, la artista entiende la música como una forma de pertenencia y construcción colectiva. “Cantar y hacer música, para mí, es una forma de ser”, resume sobre una propuesta que busca expandirse compartiendo canciones atravesadas por la identidad y el territorio. Su reciente lanzamiento, En Mi Tierra (2026), ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

En otra línea estética, Tonga Udimar —proyecto encabezado por Gastón Álvarez— fusiona rock, reggae, rap y música nativa en composiciones atravesadas por experiencias personales y sociales. Las canciones abordan emociones como la angustia y la ansiedad, transformándolas en mensajes de empatía, contención y esperanza. Entre sus trabajos más recientes se destacan el álbum Deja que Fluya y el EP La Energía que Te Mueve, ambos publicados en 2025.

El colectivo se completa con la participación de Diego Álvarez en percusión y sintetizador, Lucas Oviedo en acordeón y Nadia Álvarez en danza e indumentaria, ampliando la propuesta artística hacia una experiencia escénica integral.

Además de desarrollar sus propias producciones, Breve e Infinito comenzó a trabajar en grabaciones y producciones para artistas allegados, entre ellos Misión Camila, Omar Jacobo y Soyla Criatura. Según adelantaron desde el espacio, el objetivo es abrir progresivamente esta oferta a otros proyectos musicales independientes, fortaleciendo así la producción cultural autogestiva en Entre Ríos.

Con una fuerte presencia digital, el colectivo difunde sus contenidos y lanzamientos a través de plataformas como Spotify, YouTube, Instagram y Facebook, consolidando una red de circulación artística que trasciende lo local y conecta con nuevas audiencias.

Instagram del colectivo: Breve e InfinitoFacebook: Breve e Infinito Facebook

Seuer Montec:Spotify Seuer MontecYouTube Seuer Montec

Hebe:Spotify HebeYouTube Hebe

Tonga Udimar:Spotify Tonga UdimarYouTube Tonga Udimar

Durante la entrevista, ambos artistas repasaron cómo nació el proyecto musical y revelaron que la historia del dúo comenzó mucho antes de adoptar formalmente el nombre que hoy los identifica.

“Nos conocemos hace más de 20 años”, contó Orlando Dabin, mientras Erika completó la respuesta con una sonrisa: “Somos marido y mujer”. La música fue justamente el punto de encuentro entre ambos. “Nos conocimos haciendo música”, recordaron.

Orlando relató el instante exacto en que escuchó cantar a Erika por primera vez. “Pasaba por un lugar donde había música, escuché una voz que me gustó y entré”, comentó. Desde entonces comenzaron a compartir espacios corales, actuaciones y proyectos musicales que con el tiempo derivaron en el dúo Sentidos.

La pareja explicó que el proyecto tuvo distintas etapas, con períodos de mayor actividad y otros de pausa, aunque actualmente atraviesan un nuevo impulso artístico. “Ahora estamos dándole de vuelta un lugar”, señalaron, al tiempo que invitaron al público a seguirlos en redes sociales bajo el perfil “Dúo Sentidos”, donde comparten grabaciones y presentaciones en vivo.

A lo largo de la conversación, ambos coincidieron en definir a la música como una necesidad emocional más que como una actividad comercial. “No nos está dando el calle para vivir de la música, pero disfrutamos igual”, expresó Orlando con humor.

Actualmente, los artistas participan en distintos escenarios de la región, especialmente en peñas folclóricas y eventos culturales de Crespo y otras localidades entrerrianas. Entre sus presentaciones recientes mencionaron su participación en la peña “Montielera Federal” y en los festejos por el aniversario de la ciudad.

Sin embargo, ambos reconocieron las dificultades que atraviesan hoy los músicos independientes. “Hay pocos espacios donde realmente se les pague a los músicos”, lamentaron.

El repertorio del dúo se caracteriza por una impronta acústica y emocional, alejada de los formatos más festivos de las peñas tradicionales. Zambas, chamamés suaves y canciones melódicas forman parte de una propuesta artística centrada en la interpretación vocal y el clima íntimo.

“Siempre buscamos elegir canciones que nos digan algo y que tengan un mensaje para transmitir”, explicó Erika Aab. En ese sentido, destacaron temas como Piel de Cobre, del músico victoriense Marcos Pereira, una canción inspirada en la vida de los pescadores del litoral.

Durante el programa, Mariana Rupp destacó la conexión artística y personal que transmite el dúo. “Hay una conexión muy grande entre ustedes”, observó la conductora, quien además recibió mensajes de la audiencia elogiando la calidad vocal de ambos intérpretes.

La entrevista también permitió conocer el recorrido individual de cada uno. Erika recordó que comenzó a cantar desde muy pequeña, primero en la iglesia y luego en coros y agrupaciones vocales de Crespo. Orlando, en tanto, contó que aprendió guitarra en grupos misioneros y que más tarde integró distintos proyectos musicales locales.

Más allá de sus actividades artísticas, ambos desarrollan profesiones por fuera de la música: Erika es profesora de matemática y Orlando trabaja en el sector de telecomunicaciones. Aun así, coinciden en que el arte ocupa un lugar central en sus vidas.

“La música es una pasión imposible de dejar”, afirmó Orlando. “Uno puede dedicarle más o menos tiempo, pero dejarla totalmente es como dejar un pedazo de uno”.

Erika, por su parte, definió al canto como “un cable a tierra” y aseguró que la música tiene un efecto transformador. “Te cambia la forma de pensar, de respirar y por un rato te olvidás de las preocupaciones”, expresó.

Sobre el cierre del programa, ambos respondieron a “la pregunta dorada” de la tarde: qué mantiene vivo el vínculo entre ellos después de tantos años. Orlando resumió la respuesta en una frase sencilla: “Encontrar una pasión compartida como la música es algo muy difícil. Y encima que sea recíproco, es una suerte enorme”.

La entrevista finalizó con una interpretación en vivo de una zamba, coronando una tarde atravesada por la emoción, la música y las historias compartidas.

Faustino nació en una familia donde el amor por el folclore forma parte de la vida cotidiana. Entre guitarras, danzas, reuniones familiares y mateadas, creció rodeado de música y costumbres tradicionales que heredó de sus abuelos y de sus padres. En su hogar, el folclore no solo se escucha: se vive.

Una de las características que más lo identifica es su inconfundible estampa gaucha. Bombacha, botas, faja y pañuelo forman parte de su imagen en cada presentación, como una manera de honrar las raíces y mostrar con orgullo su identidad. Esa presencia tradicional ya se convirtió en su sello personal arriba y abajo del escenario.

Sus primeros pasos en la música comenzaron a los seis años, guiado por el reconocido payador Tito Samuel Garcilazo. Desde entonces, inició un camino de aprendizaje y crecimiento artístico que lo llevó a participar en distintos eventos culturales de Victoria. Al principio con timidez, pero siempre acompañado de una sonrisa y una pasión que fue conquistando al público.

Fue durante noviembre de 2025, en el marco del Mes de la Tradición, cuando muchas personas comenzaron a conocerlo más profundamente. Su participación en encuentros culturales despertó el cariño de vecinos y espectadores, que encontraron en él una combinación de talento, humildad y amor genuino por las costumbres argentinas.

Ese mismo verano, en enero, Faustino cumplió uno de sus mayores sueños: viajar con sus propios ahorros al Festival de Doma y Folclore de Jesús María, en Córdoba, para ver a uno de sus ídolos, Chaqueño Palavecino. La experiencia no solo le permitió disfrutar del festival desde el público, sino también compartir peñas y encuentros con artistas de distintas provincias, fortaleciendo aún más su deseo de seguir creciendo en la música.

El acompañamiento de la comunidad también fue clave en su desarrollo artístico. Gracias a una rifa solidaria organizada para ayudarlo, Faustino logró grabar sus dos primeras canciones, actualmente disponibles en YouTube para quienes quieran conocer su trabajo.

Además de la música, comparte junto a su hermana Ernestina, de cuatro años, otra gran pasión: la danza folclórica. Ambos integran el Ballet Folclórico Luz de Luna de Victoria, donde continúan fortaleciendo el vínculo con la cultura tradicional.

Actualmente, el joven cantor sigue perfeccionándose con clases de canto y guitarra, decidido a seguir aprendiendo y creciendo artísticamente. Y como cualquier chico de su edad, también encuentra tiempo para disfrutar del fútbol y de la vida cotidiana.

El pasado fin de semana participó del evento cultural Pre Fiesta del Sábalo y Regionales realizado en Victoria, donde compartió una jornada de música y danza folclórica. Allí se consagró ganador en la categoría cantante solista, logro que le permitirá integrar la grilla artística de la próxima Fiesta Mayor del Sábalo y Regionales, prevista para octubre.

Con humildad, esfuerzo y un profundo amor por las tradiciones, Faustino Figueroa representa el valor de las raíces culturales y el talento joven que florece en el interior entrerriano. Con sus pilchas gauchas y la guitarra en la mano, demuestra que cuando un sueño se canta desde el corazón, toda una comunidad se detiene a escuchar.

La charla, desarrollada en un clima cálido y distendido, permitió conocer a una adolescente que transita sus primeros pasos en el mundo artístico, marcada por una fuerte influencia familiar. “Canto desde chiquita con mi papá”, contó Mía, destacando el rol clave de su padre, Leandro, músico y principal impulsor de su vocación.

Desde sus inicios, el folclore ocupó un lugar central en su formación musical, aunque con el tiempo amplió sus gustos hacia otros géneros. “Escucho de todo, pero el folclore siempre está”, afirmó, evidenciando una identidad artística aún en construcción pero con raíces firmes.

Durante la entrevista, Mía también habló con honestidad sobre los desafíos internos que enfrenta. El miedo escénico y la inseguridad aparecen como sus principales obstáculos: “Me da vergüenza expresarme frente a una cámara o al público”, reconoció. Sin embargo, su presencia en el programa fue una muestra clara de superación personal, alineada con el eje central del ciclo: animarse.

A pesar de los nervios, la joven artista destacó lo que significa la música en su vida cotidiana. “Es una forma de desconectarme, de sentirme mejor”, explicó, señalando el valor emocional que tiene el canto más allá de lo profesional.

En cuanto a su futuro, Mía se mostró reflexiva y realista: “Lo veo como un 50-50… a veces parece imposible, pero también pienso ¿por qué no?”. Inspirada en figuras como Mercedes Sosa, dejó abierta la posibilidad de construir su propio camino, ya sea como intérprete o compositora.

Uno de los momentos más destacados del programa fue cuando se animó a cantar en vivo. A pesar de algún pequeño error —que ella misma reconoció con humor—, su interpretación emocionó tanto al equipo como a los espectadores, quienes rápidamente hicieron llegar mensajes de apoyo y cariño.

El cierre estuvo cargado de emoción, con palabras de aliento por parte de la conductora y un mensaje claro: el talento está, y el camino recién comienza. “Esto empezó desde que naciste”, le dijeron, invitándola a confiar en su potencial y a seguir compartiendo su arte.

Así, la participación de Mía no solo dejó una presentación musical, sino también una historia genuina de crecimiento, valentía y sueños que empiezan a tomar forma.

Ante una gran convocatoria, Don Osvaldo volvió a presentarse en Santa Fe este sábado por la noche en la Estación Belgrano. La banda encabezada por Patricio Santos Fontanet ofreció un show cargado de clásicos, emoción, homenajes y mensajes sociales, en una jornada marcada por la lluvia, la espera y el fervor de miles de seguidores llegados desde distintos puntos del país.

La noche del sábado en Santa Fe no fue una más. Fue de esas que se sienten en la piel. Porque el regreso de Don Osvaldo tenía ese condimento especial: reencuentro, historia y una mística que no se fabrica. Esas bandas de barrio que un día crecieron y se metieron en el gen popular. Canciones que fueron parte del cancionero de estadios y heridas abiertas canalizadas por la música.

La previa ya venía cargada desde temprano. Banderas y trapos de distintos rincones del país, el Bv. Gálvez tomado por grupos que copaban la vereda con cerveza, vino, mates y canciones que nunca se fueron. La llovizna insistente no espantó a nadie; al contrario, le sumó ese aire épico que el rock sabe capitalizar. Hasta que el cielo se vino abajo en serio. Lluvia torrencial, corrida general y el ingreso apurado a la Estación Belgrano. Ahí se terminó la previa. Ahí empezó otra cosa.

Adentro, la espera se cortó de golpe cuando las pantallas encendieron con la imagen de Diego Armando Maradona y “Alma” abrió la noche. De ahí en más, un torbellino de canciones. Patricio Santos Fontanet se adueñó del escenario con naturalidad, y el ida y vuelta con la gente fue constante, como si no hubiese pasado el tiempo.

El setlist fue directo al hueso: temas de Don Osvaldo que ya se ganaron su lugar, como Políticamente Correcto, Mis Latidos, Rotos y Descosidos y Vaivén, mezclados con una catarata de clásicos que siguen siendo bandera. Una Nueva Noche Fría, Rompiendo Espejos, Prohibido, Ilusión y 9 de Julio se cantaron a todo pulmón.

También hubo momentos de pausa y memoria. El recuerdo de Cromañón volvió a estar presente en las palabras del Pato y en el lema “No olvidar, siempre resistir”, que bajó desde el escenario y fue abrazado por el público. En las pantallas también aparecieron mensajes con fuerte contenido social y político, como “Ningún pibe nace chorro” y “Y no morir de sed”, acompañado por el pedido de cuidar los glaciares.

Los pasajes acústicos con Un Lugar Perfecto y Sed bajaron un cambio sin perder intensidad. Después llegaron los guiños ricoteros, los riffs reconocibles y otra vez la euforia total.

El cierre encontró a todos en la misma sintonía: mojados, transpirados, afónicos, pero con esa sensación de haber sido parte de algo más grande que un recital.

“Verte y festejar también que aún me queda pureza sin tristezas en mi corazón”, sonó en el final con Suerte. Y ahí quedó resumido todo: una catarsis colectiva que se vive arriba y abajo del escenario.

La interpretación fue registrada íntegramente en vivo, con el objetivo de recuperar la esencia de la obra original desde una perspectiva más cercana y emocional. Sin grandes intervenciones de estudio, la banda buscó transmitir la calidez del encuentro musical, respetando la nostalgia del tema pero incorporando una identidad propia.

La dirección general estuvo a cargo de Benjamín Roskopf, mientras que la producción y dirección fueron realizadas por Noah Camacho. La ingeniería de grabación y mezcla, a cargo de Gaspar Cuello, permitió lograr un sonido envolvente que refuerza el carácter íntimo de la propuesta.

El grupo está conformado por Benjamín Roskopf en acordeón, Esteban Frías en voz y bajo, Nicolás Pross en guitarra y coros, Ayrton Alles en guitarra y Juan Manuel Benítez en percusión.

El lanzamiento marca además el inicio de “Sesiones Litoral”, un ciclo audiovisual que propone registrar canciones en espacios reales y cotidianos, alejados de los escenarios tradicionales. La primera grabación se realizó en el patio de una vivienda en Aldea María Luisa.

Desde la banda explicaron que el objetivo del proyecto es recorrer distintos puntos de Entre Ríos y del país, integrando el entorno como parte fundamental de la experiencia musical.

La propuesta busca así construir un mapa sonoro con identidad regional, combinando música, territorio y comunidad en cada registro.

La propuesta combina música en vivo, danza y diversas expresiones artísticas, en una apuesta que busca fortalecer la identidad cultural y generar un espacio de encuentro.

Proyecto Nativos está integrado por músicos de la ciudad que vienen consolidando un repertorio propio y versiones de grandes clásicos. La formación incluye a Cacho Quesada en guitarra, Erika Aab y Nicolás Zárate en voces, Javier Wagner en teclado, Walter Hetze en acordeón, Orlando Dabin en bajo y Iván Quesada en batería.

El espectáculo contará además con el trabajo técnico de Lucho Motalli como ingeniero de sonido, junto al aporte de Manuel Rey.

La noche no será solo musical. La propuesta se enriquecerá con la participación de Milena Weiss y Bettina Bootz, quienes presentarán una intervención de danza contemporánea.

También se suman distintos colaboradores que aportan desde otras disciplinas: Cristian Emmanuel en arreglos de percusión, Emiliano Retamar en registro fotográfico, Hugo Seri en caricatura en vivo y Carlson Ezequiel en conducción.

La puesta en escena y el arte visual estarán a cargo de Tato Ferrer y Gloria Albornoz.

Desde la organización destacaron que se trata de una propuesta pensada para todo público, con el objetivo de acercar la música y el arte a la comunidad en un ambiente accesible y familiar.

Con una combinación de rock clásico, expresiones artísticas y talento local, Proyecto Nativos promete una noche distinta en el Salón Municipal, donde la cultura será el punto de encuentro.

Crespo- Nicolás Zárate participó el viernes 3 de abril a la noche del programa “Es mi sueño” de El Trece de Buenos Aires. Tuvo una buena presentación cantando “Un siglo sin ti”, de Chayanne, no logró acceder a la próxima instancia, pero representó para él una valiosa experiencia ser parte del reality de talentos que conduce Guido Kaczka y tiene a destacados artistas en el jurado como Jimena Barón, La Mona Jiménez Carlos Baute y Abel Pintos.

No solo mostró su talento musical, sino que dejó a todos impactados por su parecido físico con Abel Pintos. Sus rasgos, gestos y sonrisa generaron reacción, al punto de provocar un momento divertido en la emisión. Pintos subió al escenario para saludarlo y, entre risas, recrearon el famoso “meme de Spiderman”, señalándose mutuamente.

Aunque Zárate no logró avanzar, su paso dejó esa escena inolvidable, convirtiéndose en uno de los momentos más comentados del ciclo. Además, recibió elogios por su participación y por representar a su ciudad en uno de los programas más vistos del país.

“Tengo 33 años, mi familia está compuesta por mi esposa Karen, que es mi puntal en todo lo que hago y la que está cuando las cosas a veces no salen, y mi hija Victoria, de 2 años y 4 meses, que es la razón de todo lo lindo y grande que pasa en nuestras vidas. Mi día a día es rutina pura, ando por Paraná y Rosario del Tala repartiendo huevos en camión. A la tarde, cuando llego, trato de pasar tiempo con mi familia. Los miércoles ensayamos a las 19.00 con Nativos y a las 21:30 con Media Pinta, sin contar que cada vez que puedo agarro la guitarra o el teclado y me pongo a cantar”, dijo a Paralelo32.

“Artista fui toda mi vida, todos somos artistas en cierto modo. ¿A quién no le gusta cantar, bailar, dibujar o crear? Todo lo lindo es el arte, por eso todos tenemos una parte de artista, solo hay que dejarlo salir y vivirlo. Como músico fui siempre voz y a veces guitarra. Tuvimos bandas de todo tipo, empecé haciendo rock nacional y heavy metal, después fui para el lado del rock pop y las baladas y desemboqué en la cumbia hace 6 años, con Media Pinta, donde sigo”, agregó.

Sobre su paso por la TV opinó que “Fue una experiencia con mucha presión, pero linda. Todo empezó con una planilla disponible en la página de El Trece. La completé y mandé un video. Pocas horas después me enviaron por WhatsApp que tenía que estar al día siguiente en "Kuarzo Entertainment Argentina", en Palermo. Viajé toda la noche a Retiro, llegué a las 7.00 y me buscó un amigo. En la productora nos llamaban por nombre y apellido e íbamos entrando al estudio. Nos explicaron reglas y lo que íbamos a hacer. Nos hicieron firmar cuestiones contractuales y arrancamos con el paso de estudio en estudio, después de un casting general donde seleccionaban los que se quedaban. Luego tocaban ensayos con coach y profesionales que te ayudaban a mejorar técnicas vocales y corporales, y después una simulación en el escenario principal, donde hacíamos nuestro tema y el director y productores veían lo que ibas a exponer y ajustaban cosas. Después pasábamos a make up y vestuario y quedábamos listos para grabar. En relación a los jurados, me juzgaron con un criterio un poco fuerte, pero decidí tomar todo lo que me enseñaron para seguir mi evolución”.

Reconoció que “Hice mi tema inseguro porque no era uno que yo hubiera elegido y tuve que aprenderme la letra bajo presión y con el ruido de compañeros vocalizando y cantando alrededor mío. No pasé de etapa, creo, más que nada por eso. Estaba inseguro y me hizo cantar para adentro, no transmití lo que quería. No fue una buena interpretación así que a seguir aprendiendo y creciendo”.

Nico no duda en afirmar que “Mi sueño es llenar algún día un Gran Rex o un Movistar Arena. Algún día puede ser, solo Dios sabe. De mi parte, trabajo duro para eso. En Media Pinta estamos mejorando nuestros shows para que sean más lindos y variados, para distintos eventos y para que todos disfruten. Si tu sueño es cantar, es una de las mejores decisiones que podés tomar. Tengas éxito o no, vas a ganar. No hablo de remuneración, sino de evolución. Algo que te hace evolucionar te hace crecer y te hace mejor. De eso se trata la música, se tiene que usar para el bien. Cuando un músico muestra lo suyo abre el corazón y está exponiéndose para algo lindo. Es lo que hay que valorar. Ser cantante es abrir el corazón al mundo y mostrar de qué estás hecho”.

El tema se presenta como una obra profundamente ligada a las raíces y al sentido de pertenencia. Con sonoridades litoraleñas, la canción propone un recorrido íntimo y emocional que conecta con el paisaje, la memoria y la identidad regional. Según la propia artista, la composición surgió de una experiencia personal que terminó convirtiéndose en “una especie de oración a la pertenencia”.

“En mi tierra encuentro la paz y me acunan sus melodías…”, expresa uno de los versos que sintetiza el espíritu de la canción. Para Álvarez, este lanzamiento representa mucho más que un debut: “Decidí que este fuera el comienzo porque no imagino mi vida lejos de donde me crié. Esta canción es mi guía y mi calma”, afirmó.

El sencillo estará disponible en plataformas como Spotify y Apple Music, además de otras tiendas digitales. En simultáneo, se estrenará el videoclip oficial en YouTube, con una propuesta visual que buscará ampliar el universo narrativo de la obra.

Cabe destacar que “En mi tierra” fue seleccionada en 2025 por la Secretaría de Cultura de Entre Ríos entre más de 120 propuestas como canción inédita, un reconocimiento que respalda la calidad artística del proyecto.

El single contará con el acompañamiento de músicos que aportan riqueza instrumental: Diego Álvarez en percusión, Lucas Oviedo en acordeón y Javier Álvarez en guitarra y bajo, sumándose a la voz, letra y composición de la propia artista.

Este lanzamiento marcará además el inicio de un EP integrado por cuatro canciones que Álvarez planea presentar a lo largo del año, consolidando una propuesta que busca destacar dentro de la música regional.

Con esta primera entrega, la artista invita al público a sumergirse en un universo sonoro atravesado por el monte, el río y las emociones profundas, reafirmando el valor de la identidad local y el crecimiento del talento emergente en la provincia.

La ciudad de Santa Fe se prepara para una de las citas más esperadas del rock nacional. Don Osvaldo, la agrupación liderada por Patricio Santos Fontanet, desembarcará el próximo sábado 25 de abril en la emblemática Estación Belgrano, ubicada en Bv. Gálvez 1150. La jornada comenzará con la apertura de puertas a las 20:00 hs, disponiendo todo para que el show principal inicie puntualmente a las 22:00 hs.

Este concierto representa un capítulo fundamental en la trayectoria de la banda, que se consolidó bajo su nombre actual en septiembre de 2014 tras el recorrido de Fontanet por Callejeros y Casi Justicia Social. Con una discografía sólida que incluye álbumes como Casi Justicia Social (2015), Casi Justicia Social II (2019) y el reciente Flor de Ceibo (2022) —editado también en formato vinilo—, el grupo llega para repasar su historia y presentar su material audiovisual más reciente, el DVD Zona Liberada lanzado este 2025.

Los tickets ya se encuentran disponibles de manera online a través del sitio oficial edenentradas.ar. Como beneficio exclusivo para los fanáticos, los primeros 200 sectores de campo que se adquieran por internet incluirán de regalo el DVD Zona Liberada, el cual se podrá retirar en el puesto de merchandising oficial el mismo día del recital.

Para quienes prefieran realizar la compra de forma presencial, se han habilitado diversos puntos físicos de venta:

Santa Fe: Tribus Club de Arte (Rep. de Siria 3572) y Santa Fe Rock (Santa Fe 2347, local 23).

Paraná: Terco Tour (Av. Almafuerte 776).

Buenos Aires: Locales en CABA como Rivadavia Rock, Casa Fama y Disquería R65, además de Ossiris en José C. Paz.

El evento cuenta con la organización de Tribus y GO Producciones, prometiendo una noche donde la mística y la música serán las grandes protagonistas en el corazón de la capital provincial.