El grupo villaguayense Té de Hierbas es el nuevo protagonista de Casa Estudio, el ciclo audiovisual impulsado por la Casa de la Cultura de Entre Ríos para promover la música entrerriana. La banda estrenó una sesión en vivo de su tema "AlgoRitmo", que ya puede verse a través del canal oficial de YouTube de la Secretaría de Cultura de la provincia.

La propuesta integra CUAC! Cultura Activa, el programa anual y federal con el que la Secretaría de Cultura busca fortalecer la producción artística y generar nuevos espacios de difusión para músicos de todo el territorio entrerriano.

Té de Hierbas nació mientras sus integrantes cursaban la carrera de Música Popular en la Universidad Nacional del Litoral (UNL).

En sus primeros años el grupo se dedicó a reinterpretar obras de distintos autores, poniendo especial énfasis en los arreglos musicales y la improvisación como herramienta creativa.

Con el tiempo, el proyecto evolucionó hacia un lenguaje propio, incorporando una propuesta sonora que combina instrumentos acústicos con recursos electrónicos, pedales y efectos aplicados a voces, guitarras y vientos, logrando una identidad que fusiona lo orgánico con lo analógico.

Actualmente la formación está integrada por:

Casa Estudio es una iniciativa que convoca a músicos y compositores de Entre Ríos a participar de sesiones grabadas en vivo en la histórica Casa de la Cultura, generando registros audiovisuales de alta calidad para difundir la producción musical de la provincia.

Los artistas son seleccionados mediante convocatorias abiertas, con el objetivo de promover nuevas propuestas y fortalecer la escena cultural entrerriana.

Antes de Té de Hierbas, el ciclo ya contó con la participación de Los Apolo, Insistentes, Guille Alarcón, Rojo Fantasía y Nada Normal, consolidándose como un espacio de referencia para la música independiente de Entre Ríos.

La sesión de "AlgoRitmo" fue registrada el 22 de julio de 2026 y ya se encuentra disponible para todo el público en el canal oficial de YouTube de la Secretaría de Cultura de Entre Ríos.

Con esta nueva producción, Casa Estudio continúa ampliando su catálogo de artistas entrerrianos y reafirma su objetivo de acercar al público propuestas musicales que reflejan la diversidad, la creatividad y la riqueza cultural de la provincia.

A veces un sueño comienza de la manera más inesperada. Para Ciara Schechtel, una joven de 17 años de Aldea Spatzenkutter, el punto de partida fue una presentación escolar que terminó cambiando el rumbo de su vida.

En una cálida entrevista con Mariana Rupp, en el programa de streaming La Hora Dorada, de Paralelo 32, la cantante repasó los primeros pasos de un camino artístico que, aunque recién comienza, ya la llevó a escenarios, peñas, radios y canales de televisión de la región.

Con sencillez y emoción, habló de su pasión por el folklore, del apoyo incondicional de su familia y de los sueños que hoy alimentan su carrera.

Ciara contó que su vínculo con la música comenzó a fortalecerse durante 2024, cuando participó de un encuentro musical organizado en Diamante junto a su escuela.

Hasta ese momento, nunca había imaginado que el canto ocuparía un lugar tan importante en su vida.

"Fui para probar, para ver qué pasaba. Canté, me gustó mucho y ahí descubrí que quería seguir por ese camino", recordó.

Ese primer paso la impulsó a pedirle a su mamá que la inscribiera en una academia de canto en Paraná.

Durante 2025 volvió a participar del mismo encuentro musical y obtuvo una beca para perfeccionarse en un estudio de canto de Diamante, una experiencia que terminó de confirmar su decisión.

"Ahora voy a peñas, radios y canales. Todo empezó muy rápido y todavía me cuesta creerlo", expresó.

Durante la charla, la joven reconoció que jamás había pensado que la música pudiera convertirse en una parte tan importante de su vida.

"Nunca me imaginé que todo esto iba a pasar", confesó.

La conductora destacó cómo un pequeño acontecimiento terminó modificando por completo sus proyectos personales, algo que Ciara reconoció con naturalidad.

"Descubrí una parte de mí que no conocía y me gustó muchísimo", resumió.

Uno de los momentos más emotivos de la entrevista llegó cuando habló de quienes la acompañan desde el primer día.

Sus padres, su hermana, sus abuelos, tíos y toda su familia se convirtieron en el sostén fundamental para animarse a recorrer el camino artístico.

"Ellos me dicen que están orgullosos de mí y que siga adelante porque voy a llegar lejos", contó.

Para Ciara, ese respaldo resulta indispensable. "Cuando tu familia te apoya, todo se hace mucho más fácil. Sentís que podés seguir y que vale la pena intentarlo", afirmó.

Aunque cada vez suma más presentaciones, la joven asegura que sigue encontrando tranquilidad en los lugares más simples.

Su refugio continúa siendo Aldea Spatzenkutter, donde vive, aunque también reconoce que las clases de canto se transformaron en uno de los momentos más esperados de la semana.

"Voy los jueves y viernes. Es un lugar donde soy muy feliz", comentó.

Al hablar de las canciones que más la conmueven, mencionó dos obras que ocupan un lugar especial en su repertorio.

Una es "Si un día fui tu cantor", de Horacio Guarany, porque —explicó— relata una historia que siempre logra emocionarla.

La otra es "La Paloma", interpretada por Soledad Pastorutti, tema que eligió para cantar durante el programa.

"Habla de la libertad, de caerse y volver a levantarse. Me siento muy identificada con ese mensaje", explicó.

Como toda artista que comienza a recorrer escenarios, Ciara también tiene una gran inspiración. Sin dudarlo, eligió a Soledad Pastorutti como la cantante con la que le gustaría compartir un escenario.

"La admiro muchísimo", dijo con una sonrisa.

Mientras continúa formándose y sumando experiencias, la joven entrerriana disfruta de un presente que hace apenas dos años parecía impensado.

Con humildad, una voz en crecimiento y el apoyo de su familia, Ciara Schechtel empieza a escribir su propia historia dentro del folklore argentino, convencida de que los grandes sueños también pueden nacer en una pequeña aldea entrerriana.

Nogoyá.– La historia de Mercedes del Carmen Graz da cuenta del impacto que pueden tener las políticas de formación cultural local cuando se combinan con la disciplina y la vocación artística. Nacida en Nogoyá, la violista inició sus primeros pasos en la música durante el año 2015 en el ámbito de los Talleres Municipales, bajo la guía del profesor Juan Pablo Sosa del Frade. Dos años más tarde, en 2017, dio un paso fundamental en su carrera al ingresar a la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario, donde continúa perfeccionándose.

A lo largo de su trayectoria, Graz ha sostenido un camino de perfeccionamiento constante que incluyó la participación en clases magistrales con destacados maestros. En 2019 fue seleccionada para acceder a una beca en el marco del Shlomo Mintz International Festival y, posteriormente, obtuvo una beca de formación junto al maestro italiano Renato Riccio, quien se desempeñara como solista de la Orquesta de la RAI de Milán.

Su labor artística abarca desde la interpretación del repertorio clásico tradicional hasta el impulso de la música contemporánea. Desde 2019 mantiene una estrecha colaboración con compositores argentinos e ítalo-argentinos, lo que le ha permitido participar en el estreno mundial de diversas obras escritas para viola y para dúo de violín y viola, contribuyendo así a la ampliación del repertorio para su instrumento.

El desarrollo profesional de la música nogoyaense ha cosechado en los últimos años importantes reconocimientos internacionales. Entre ellos se destacan una Mención de Honor en los American Classical Music Awards 2024, en Estados Unidos, y el Premio de Honor en los Virtuoso International Music Awards 2025, certamen celebrado en Londres.

En la actualidad, Mercedes Graz desarrolla una intensa agenda de conciertos en formato de dúo junto al violinista Juan Pablo Sosa del Frade, al tiempo que profundiza su formación en Música de Cámara con la profesora Zulma Cabrera, enfocada en el abordaje del repertorio académico nacional y la proyección de la viola en diversos escenarios.

Casa Estudio consiste en una sesión en vivo en la Casa de la Cultura de Entre Ríos, donde grupos de la provincia registran canciones y un video. Ya pasaron por el ciclo y pueden verse sus presentaciones en el mismo canal de YouTube: Los Apolo, Insistentes, Guille Alarcón y Rojo Fantasía.

Nada Normal es una banda de Paraná formada a fines de 2023. Su propuesta se caracteriza por la fusión de géneros. Está integrada por Joaquín Rocha en batería y percusión, Bautista Villagra en piano y teclados, Franco Laino en guitarras y bajo, Franco Segura en voz y guitarra, y Matías Velásquez en voz, melódica y teclados. Uno de sus rasgos distintivos es la flexibilidad instrumental entre sus integrantes y el desarrollo de arreglos vocales que amplían la propuesta. 

Desde que comenzaron a reunirse en 2023, los integrantes de MAPLE vienen construyendo un camino propio dentro de la escena musical regional. Con canciones originales, influencias que van desde el rock clásico hasta sonidos más contemporáneos y una fuerte impronta artística, la banda crespense continúa consolidando su identidad mientras prepara nuevas presentaciones y avanza en la grabación de su primer álbum.

Durante una entrevista en La Hora Dorada, el programa conducido por Mariana Rupp que se emite por el streaming de Paralelo 32, Leandro Maciel, Milton Garrahan, Matías Leiker, Matías Esteven y Florencia Reignar compartieron detalles de este presente que los encuentra con nuevos desafíos y muchas expectativas.

"Estamos con muchos proyectos, cerrando algunas fechas que muy pronto vamos a anunciar y también trabajando en el estudio para seguir grabando canciones", adelantó Milton Garrahan. Actualmente la banda cuenta con tres sencillos disponibles en plataformas digitales y el objetivo es seguir sumando material hasta completar un disco.

El origen de MAPLE está íntimamente ligado a la amistad. Leandro Maciel, Matías Leiker y Matías Esteven se conocen desde la infancia y durante años compartieron la pasión por la música. Más adelante se incorporaron Florencia Reignar y Milton Garrahan, completando una formación que, según ellos mismos reconocen, encontró rápidamente una química especial.

"Esa dinámica mágica hizo que no paráramos más. Empezamos a tocar, a componer y a presentarnos en distintos escenarios de la zona", recordó Garrahan.

Uno de los aspectos que distingue a la banda es la importancia que le otorgan a las letras. Lejos de buscar mensajes cerrados, prefieren que cada oyente encuentre su propia interpretación.

"Queremos que cada persona haga suya la canción. Las letras nacen de cosas que vivimos nosotros, pero sabemos que también les pasan a otros. No buscamos decirle a nadie qué tiene que sentir, sino que cada uno pueda apropiarse del mensaje", explicó el cantante.

Esa búsqueda también se refleja en la diversidad musical del grupo. Cada integrante aporta influencias diferentes: desde el hard rock y el glam de los años 80, hasta el rock progresivo de bandas como Pink Floyd o las composiciones profundas de Charly García, Luis Alberto Spinetta y Tears for Fears.

"Cada uno trae su historia musical y de esa mezcla surge el sonido de MAPLE. No nos encerramos en un solo estilo", resumieron.

La baterista Florencia Reignar, recientemente recibida como licenciada en Musicoterapia, aportó una mirada diferente sobre el rol de la música.

"Todos somos seres sonoros. La música nos atraviesa y permite que cada persona se identifique desde un lugar distinto. Nuestras canciones están pensadas para generar ese encuentro", señaló.

Además de interpretar composiciones propias, durante la entrevista ofrecieron una versión acústica de "Rezo por Vos", el clásico de Charly García y Luis Alberto Spinetta, una de las influencias que reconocen como fundamentales.

Más allá de lo musical, MAPLE busca que cada presentación sea una experiencia completa. Garrahan, con formación en teatro musical y radio, explicó que el espectáculo está pensado como un recorrido.

"Las canciones están unidas por una historia. Queremos que el público haga un viaje desde que empieza el show hasta que termina. No queremos solamente subir al escenario, tocar e irnos. Queremos dejar algo", afirmó.

En ese sentido, la banda también trabaja en renovar la puesta en escena, incorporando más movimiento e interacción entre sus integrantes para potenciar el aspecto visual de cada presentación.

Aunque reconocen que hoy gran parte del trabajo se sostiene "a pulmón", los integrantes no esconden sus aspiraciones.

"Todo músico sueña con llegar a escenarios más grandes. Poder grabar con mayor comodidad, llegar a más gente y seguir haciendo canciones", expresaron.

Mientras ultiman nuevas fechas que anunciarán próximamente, MAPLE continúa consolidando un proyecto que combina amistad, compromiso artístico y una clara apuesta por la música original. Un camino que recién comienza, pero que ya muestra una identidad propia dentro de la escena musical entrerriana.

La música también puede ser una forma de preservar la memoria de un pueblo. Con esa premisa, la cantante y compositora villaguayense HEBE presentó "Charrúa oipik", un nuevo sencillo que ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales y que constituye una de las pocas producciones musicales actuales interpretadas íntegramente en lengua charrúa.

La canción tuvo su lanzamiento oficial el 26 de junio y representa un homenaje a la infancia de la artista dentro de la Escuela Popular Charrúa Etriek y de la comunidad del mismo nombre, donde comenzó su formación musical y su vínculo con la cultura de los pueblos originarios.

Más que una canción, la obra propone un recorrido por los recuerdos, la identidad y el sentido de pertenencia que marcaron los primeros años de vida de la joven intérprete.

El lanzamiento está acompañado por un videoclip disponible en el canal oficial de YouTube de HEBE.

La producción combina imágenes de archivo de la Escuela Popular Charrúa Etriek con escenas filmadas en la comunidad para la película "Hard Cop, vivir y dejar matar", del director Juan Coñuel, generando un relato audiovisual que refuerza el carácter testimonial de la canción.

Uno de los aspectos más originales del tema es la incorporación del Afia Tanú —conocido como "arco que late"—, un instrumento desarrollado dentro de la propia comunidad a partir de investigaciones sobre el antiguo arco de boca utilizado por los charrúas, adaptado a las posibilidades musicales actuales.

La grabación contó con la participación de Diego Álvarez en cajón, Lucas Oviedo en acordeón y Javier Álvarez, quien interpretó guitarra, bajo y Afia Tanú, además de asumir la producción musical.

HEBE es el proyecto artístico de Hebe Álvarez, nacida en Villaguay en 2001.

Formada desde muy pequeña en la Escuela Popular Charrúa Etriek, integró distintos grupos vocales infantiles y de música popular, entre ellos It Guidaí y Charrúa Etriek, además de compartir escenario con numerosos artistas de su ciudad.

A lo largo de los últimos años también se presentó en Paraná, Chajarí, Rosario del Tala, Diamante, Maciá, Villa Domínguez, General Campos y Bovril, consolidando un camino que combina la canción de autor con una fuerte impronta identitaria.

Su vínculo con el arte también incluye una participación en el documental "Soy río", del realizador Sebastián Ingrassia, dedicado al río Gualeguay.

"Charrúa oipik" es el segundo adelanto de "Soy", el primer EP de la artista.

El trabajo comenzó a presentarse con "En mi tierra", una canción dedicada al arraigo que, tras su lanzamiento, fue seleccionada por la Secretaría de Cultura de Entre Ríos en la convocatoria Tema Inédito, reconocimiento que le permitió participar del Encuentro Entrerriano de Música realizado en Diamante.

Con estos dos primeros sencillos, HEBE propone una búsqueda artística donde la música se convierte en un puente entre las nuevas generaciones y las raíces culturales del pueblo entrerriano. El EP se completará durante el segundo semestre del año con otras dos composiciones inéditas, profundizando un camino creativo que pone en el centro la memoria, el territorio y la identidad.

La noticia del fallecimiento de Carlos Alberto "Indio" Solari, una de las figuras más influyentes del rock nacional, generó una profunda conmoción en el ámbito cultural y musical argentino. Según trascendió este 5 de junio, el ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota murió en su domicilio de Parque Leloir, en el partido bonaerense de Ituzaingó.

De acuerdo a la información difundida por medios nacionales, se realizará la correspondiente autopsia para determinar oficialmente las causas del deceso. Su última aparición pública había tenido lugar en enero de este año, mediante un mensaje grabado con motivo de la entrega del título Honoris Causa otorgado por la Universidad de Buenos Aires.

Con una trayectoria que marcó a varias generaciones, Solari construyó una carrera singular, caracterizada por la independencia artística, el bajo perfil y una relación directa con sus seguidores. Junto a Eduardo "Skay" Beilinson fundó en 1975, en la ciudad de La Plata, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, banda que se transformó en un fenómeno cultural sin precedentes dentro del rock argentino.

Álbumes como Oktubre, Un baión para el ojo idiota, ¡Bang! ¡Bang!... Estás liquidado y Luzbelito forman parte de una discografía que dejó una huella imborrable en la música nacional. Tras la disolución del grupo en 2001, Solari continuó su camino como solista, editando trabajos como El tesoro de los inocentes (Bingo Fuel), Porco Rex, El perfume de la tempestad, Pajaritos, bravos muchachitos y El ruiseñor, el amor y la muerte.

Su último recital multitudinario tuvo lugar en Olavarría, en 2017, en una convocatoria que volvió a demostrar el extraordinario vínculo con su público. En los años posteriores redujo sus apariciones debido a problemas de salud, aunque continuó vinculado a la música a través de grabaciones, publicaciones y propuestas virtuales.

En 2016 había confirmado públicamente que padecía Parkinson, enfermedad que condicionó progresivamente su actividad artística. Finalmente, en 2023 anunció su retiro definitivo de los escenarios, aunque mantuvo una presencia activa mediante distintos proyectos.

Con su partida, la música argentina pierde a uno de sus artistas más influyentes y enigmáticos. Su obra, sus letras y su particular mirada sobre la realidad seguirán formando parte del patrimonio cultural de varias generaciones de argentinos.

Lo que comenzó como una reunión entre amigos, guitarras y un asado familiar, hoy empieza a transformarse en uno de esos proyectos musicales que crecen desde la simpleza, la amistad y el amor por el folklore. Así nació “Los del Quincho”, el grupo integrado por Valen Paúl, Santi Paúl, Jere Gignone y Andrés David Pérez, quienes visitaron el programa La Hora Dorada, conducido por Mariana Rupp y emitido vía streaming a través de la web de Paralelo 32.

Entre risas, anécdotas y mates compartidos, los jóvenes contaron cómo surgió esta propuesta folklórica que ya comenzó a ganar espacio en escenarios y redes sociales.

“Todo arrancó con un cambio de cuerda”, resumió Jere entre carcajadas. Según relató, durante una juntada en el quincho familiar —espacio que terminaría dándole identidad al grupo— comenzaron a tocar algunas canciones mientras se hacía un asado. “Empezamos a las nueve de la noche y terminamos cerca de las doce y media tocando. El asado quedó ahí… nadie comió”, recordó.

Aquella noche fue el punto de partida. Primero fueron encuentros informales entre amigos unidos por el gusto por el folklore. Después comenzaron a invitar conocidos y, casi sin darse cuenta, aparecieron las primeras oportunidades.

“Nos decían ‘che, no suenan tan mal’”, comentaron entre bromas.

El impulso definitivo llegó gracias a una invitación de los organizadores de Montielera y Federal, quienes les ofrecieron participar de un micrófono libre. Allí decidieron dar un paso más y tomarse el proyecto con mayor seriedad.

“Cuando nos invitaron dijimos: bueno, vamos a meterle con ganas”, señalaron. A partir de ese momento nació oficialmente “Los del Quincho”, nombre inspirado en ese espacio de encuentros donde comenzaron las primeras guitarreadas.

Durante la entrevista, Mariana también los llevó a un terreno más distendido y personal. Entre preguntas sobre quién llega tarde, quién es el más “quilombero” o quién podría convertirse en la futura “estrella” del grupo, las respuestas dejaron ver la química y el humor que comparten.

Valen admitió entre risas ser quien suele demorarse para las juntadas, mientras que el bombista fue señalado por sus compañeros como el más inquieto del grupo. Sobre la posibilidad de que alguno “se crea estrella”, las bromas no tardaron en aparecer, aunque todos coincidieron en algo: mantener la humildad.

“Queremos disfrutar esto. Si se tiene que dar algo más grande, se dará”, expresaron.

Aunque reconocen que todavía están dando sus primeros pasos, los integrantes no ocultaron que sueñan con presentarse algún día en festivales importantes. Sin embargo, remarcaron que la esencia del grupo sigue siendo la misma que en aquellos primeros encuentros.

“La idea siempre fue juntarnos a tocar folklore porque nos gusta. Compartir eso”, explicaron.

En un tiempo donde muchas propuestas musicales nacen detrás de estrategias o fórmulas prefabricadas, “Los del Quincho” parecen apostar a otro camino: el de la espontaneidad, las amistades genuinas y la música compartida.

La charla cerró, como no podía ser de otra manera, con guitarras en mano y una chacarera. “La Flor Azul” fue la canción elegida para comenzar a mostrar en vivo el sonido de este grupo que, nacido casi sin proponérselo, ya empezó a ganarse un lugar propio dentro del folklore joven entrerriano.

El chamamé y la música litoraleña vivieron un momento histórico de la mano de Litoral Mitá. La banda entrerriana fue invitada al exitoso programa El Fin del Mundo, conducido por Lizy Tagliani en el reconocido canal de streaming OLGA, marcando un hito para la cultura de la provincia y la región.

Durante su participación, Litoral Mitá no solo desplegó todo su talento musical, sino que también llevó la alegría del baile a los estudios. Los integrantes de la banda le enseñaron los pasos tradicionales del chamamé a Lizy Tagliani, Fer Otero y Agostina Di Stefano, generando un momento inolvidable para los miles de espectadores conectados.

El repertorio elegido para esta gran ocasión incluyó los clásicos “Puerto Tirol” y “Estancia San Blas”. Además, el grupo regaló una yapa muy especial: “Eterno Amor”, interpretada con el inconfundible estilo y la reversión a la que Litoral Mitá tiene acostumbrado a su público.

Sobre esta experiencia trascendental, Benjamín Roskopf, integrante del grupo, expresó su profunda emoción:

"Cuando nuestro productor, Noah Camacho, nos contó que nos habían invitado de Olga, la sensación fue literalmente de explotar de felicidad. Fue un momento increíble darnos cuenta de lo que significaba. Llevar nuestra bandera y ser los primeros entrerrianos en mostrar nuestra música del litoral en una plataforma tan inmensa es un orgullo enorme. Agradezco de corazón a todo el canal por la invitación, la buena onda y el hermoso recibimiento que nos dieron desde el primer minuto".

Aprovechando su paso por Buenos Aires, desde la producción de Litoral Mitá anunciaron que en la capital federal se grabó el videoclip de su nuevo lanzamiento, “Eterno Amor”.

Este material se enmarca dentro de “Sesiones Litoral”, un ciclo audiovisual itinerante donde la banda desanda su repertorio a través de los rincones que habitan. El objetivo de estas sesiones en vivo es buscar una estética orgánica y profunda, dejando de lado los grandes y tradicionales escenarios para encontrarse con la música desde la sencillez de lo cotidiano.

La llegada a OLGA fue el broche de oro de una gira que tuvo múltiples paradas destacadas:

Gualeguay (Entre Ríos): La gira comenzó días atrás compartiendo escenario como artistas invitados de La Bomba de Tiempo, un grupo muy admirado por Litoral Mitá y con quienes comparten una gran amistad.

Palacio Libertad (Buenos Aires): El 25 de mayo, la banda fue parte de los festejos patrios oficiales. En la explanada del ex CCK, ante un multitudinario marco de público, dejaron bien en alto a Entre Ríos y a la música del litoral en una de las fechas más importantes del calendario nacional.

Para llevar a cabo esta exitosa serie de presentaciones, la delegación que viajó estuvo conformada por un gran equipo humano y profesional:

Músicos:

Benjamín Roskopf

Esteban Frías

Ayrton Alles

Nicolás Pross

Juan Manuel Benitez

Carlos Riccardino

Músico invitado en OLGA: Juan Pablo Francisconi

Equipo Técnico y Producción:

Sonido y Técnica: Gaspar Cuello

Redes y Contenido: Lucas Altamirano

Productor y Road Manager: Noah Camacho

Con quince años de camino recorrido en la música y la investigación cultural, el dúo entrerriano Seuer Montec, oriundo de Villaguay, presentó su nuevo trabajo discográfico titulado “Charrúa”, una producción que reafirma su vínculo con la identidad ancestral y su apuesta por la preservación de la lengua y la cosmovisión de los pueblos originarios.

El EP ya se encuentra disponible desde el viernes 22 de mayo en distintas plataformas digitales como Spotify, Apple Music, YouTube Music y Bandcamp, entre otras.

El lanzamiento llega en un momento simbólico para la agrupación, que celebra su XV aniversario, consolidándose como una de las propuestas culturales más singulares de la provincia de Entre Ríos en el cruce entre música, investigación histórica y patrimonio indígena.

“Charrúa” está compuesto por cuatro canciones, dos de ellas en lengua charrúa y dos en castellano.

Los temas que integran el EP son:

Las dos primeras composiciones fueron presentadas previamente a través de videoclips difundidos en YouTube, como adelanto del nuevo material.

La propuesta musical mantiene la identidad estética y conceptual que ha caracterizado al dúo: una combinación de exploración sonora, rescate lingüístico y expresión artística vinculada a la memoria cultural del pueblo charrúa.

A través de un mensaje difundido junto al lanzamiento, los integrantes de Seuer Montec compartieron la mirada conceptual que atraviesa esta obra.

“Charrúa es una identidad. Una perspectiva de la existencia. De la vida. Del estar en el universo. Un modo de existir en relación con el todo que también integramos”, expresaron.

Y agregaron:

“Y no se es charrúa de un modo único ni para siempre. Se va siendo. Al tiempo de cada quien. A las circunstancias que cada quien va atravesando. Intentamos en este grupo de cantos manifestar algo de ese ir siendo charrúas en que estamos desde hace largo tiempo”.

La definición refleja el eje profundo del trabajo: no sólo una propuesta musical, sino también una construcción identitaria y cultural.

Desde Villaguay, Seuer Montec lleva adelante desde hace una década y media una tarea vinculada al rescate, investigación y creación musical en lengua y tradición charrúa.

Su trabajo ha estado enfocado en recuperar expresiones culturales, sonidos, palabras y sentidos ligados a una herencia histórica que forma parte del territorio entrerriano y del litoral.

En ese recorrido, el dúo logró construir una identidad propia dentro de la escena independiente, articulando arte, memoria y patrimonio.

Con “Charrúa”, Seuer Montec abre una nueva etapa dentro de su trayectoria, reafirmando una propuesta que trasciende lo estrictamente musical.

El EP se presenta como una síntesis de quince años de búsqueda artística y cultural, donde la lengua nativa, la reflexión identitaria y la creación contemporánea dialogan en una misma obra.

Desde Villaguay hacia las plataformas digitales y nuevos públicos, el dúo vuelve a poner en circulación una expresión que conecta pasado, presente y territorio.

La cantante colombiana Shakira vuelve a demostrar por qué es una de las artistas latinas más influyentes del planeta. A pocos meses del inicio de la Copa Mundial de la FIFA 2026, la barranquillera confirmó su regreso al universo futbolero con “Dai Dai”, la nueva canción oficial del torneo que se disputará en México, Estados Unidos y Canadá.

El anuncio fue realizado a través de su cuenta de Instagram, donde la artista —que supera los 95 millones de seguidores— compartió un adelanto del sencillo grabado con ayuda de inteligencia artificial en el emblemático Estadio Maracaná. En la publicación, Shakira escribió: “Aquí está ‘Dai Dai’, la canción oficial del Mundial de la FIFA 2026. Llega el 14 de mayo”.

El tema, que contará con la participación del artista nigeriano Burna Boy, promete convertirse en un nuevo himno futbolero para los aficionados latinos. La propuesta musical evoca la energía y el impacto global que tuvieron “Waka Waka (This Time for Africa)” y “La La La (Brasil 2014)”, dos de las canciones más recordadas en la historia reciente de los mundiales.

En el adelanto audiovisual, Shakira aparece caminando sobre el césped del Maracaná vestida con un uniforme de porrista y tenis de plataforma que simulan guayos. La artista coloca un balón en el campo mientras inicia una coreografía junto a un grupo de bailarines, una escena que ya despierta expectativas sobre posibles tendencias virales en plataformas como TikTok.

Otro detalle que llamó la atención de los seguidores fue el guiño a la historia mundialista de la colombiana. Durante la apertura del clip se observan varios de los balones oficiales utilizados en diferentes ediciones del torneo: desde Alemania 2006, pasando por Sudáfrica 2010 y el Brazuca de Brasil 2014, hasta llegar al Trionda, diseñado para la edición de 2026.

La producción culmina con una panorámica aérea del estadio iluminado por fuegos artificiales y la frase “We are ready – Estamos listos”, acompañada por los gritos de los aficionados, anticipando el ambiente festivo que se vivirá en la próxima cita orbital, la primera en contar con 48 selecciones participantes.

Parte de la letra revelada por Shakira ya comenzó a circular entre sus fanáticos:

“Knew from the day you were born.Here in this place you belonged.You’ve been this brave all along.What broke you once made you strong”.

La artista suma así una nueva participación oficial en los mundiales de fútbol, consolidando un vínculo histórico con la FIFA y con el espectáculo deportivo más importante del planeta.

Shakira ya había dejado una huella imborrable en la Copa Mundial de Sudáfrica 2010 con “Waka Waka (This Time for Africa)”, interpretada junto a Freshlyground, canción que se convirtió en un fenómeno global y uno de los himnos deportivos más exitosos de todos los tiempos.

Además, en Alemania 2006 interpretó “Hips Don't Lie” durante la ceremonia de clausura, mientras que en Brasil 2014 presentó “La La La” junto a Carlinhos Brown. Con “Dai Dai”, la barranquillera reafirma su lugar como una de las voces más representativas de la historia musical de los mundiales.

Se lleva adelante el show ‘Los Príncipes Sinfónico’ en el Anfiteatro del Lago.

La escena musical alternativa, electrónica y urbana tendrá nuevos espacios en Paraná con el inicio de dos ciclos que se desarrollarán en el Centro Cultural La Vieja Usina y en la Casa de la Cultura de Entre Ríos. Las propuestas comenzarán este fin de semana y forman parte de la agenda impulsada por la Secretaría de Cultura de Entre Ríos.

Las actividades comenzarán el viernes 13 a las 20 con una nueva edición de Crossover Night en el Centro Cultural La Vieja Usina, ubicado en Matorras 861. Allí se presentarán los proyectos musicales Replicant, Fuzzytronic, Birriados y Células Muertas, en una noche dedicada a la experimentación sonora y a las propuestas emergentes.

El recital contará además con servicio de cantina y tendrá una entrada general de 5.000 pesos. El evento es producido por Delirio Records & Gallegher Plus con el apoyo del espacio cultural provincial.

Por otra parte, el sábado 14 a partir de las 19 se realizará la primera fecha del Ciclo Nodo en la Casa de la Cultura de Entre Ríos, ubicada en la intersección de 9 de Julio y Carbó.

La jornada contará con la participación de H de Perra, Timo Psicodelia y Rusty, en un encuentro que propone vincular a artistas de la escena local con proyectos de alcance nacional.

Las entradas para esta actividad son aranceladas y pueden adquirirse de manera online a través de la plataforma centralticket.net.

Desde la Secretaría de Cultura provincial señalaron que estas iniciativas buscan ampliar los circuitos de difusión y presentación para artistas de distintos géneros, incorporando nuevas propuestas al calendario cultural de marzo y generando más espacios para la producción musical contemporánea en la provincia.

La ciudad de Santa Fe se prepara para una de las citas más esperadas del rock nacional. Don Osvaldo, la agrupación liderada por Patricio Santos Fontanet, desembarcará el próximo sábado 25 de abril en la emblemática Estación Belgrano, ubicada en Bv. Gálvez 1150. La jornada comenzará con la apertura de puertas a las 20:00 hs, disponiendo todo para que el show principal inicie puntualmente a las 22:00 hs.

Este concierto representa un capítulo fundamental en la trayectoria de la banda, que se consolidó bajo su nombre actual en septiembre de 2014 tras el recorrido de Fontanet por Callejeros y Casi Justicia Social. Con una discografía sólida que incluye álbumes como Casi Justicia Social (2015), Casi Justicia Social II (2019) y el reciente Flor de Ceibo (2022) —editado también en formato vinilo—, el grupo llega para repasar su historia y presentar su material audiovisual más reciente, el DVD Zona Liberada lanzado este 2025.

Los tickets ya se encuentran disponibles de manera online a través del sitio oficial edenentradas.ar. Como beneficio exclusivo para los fanáticos, los primeros 200 sectores de campo que se adquieran por internet incluirán de regalo el DVD Zona Liberada, el cual se podrá retirar en el puesto de merchandising oficial el mismo día del recital.

Para quienes prefieran realizar la compra de forma presencial, se han habilitado diversos puntos físicos de venta:

Santa Fe: Tribus Club de Arte (Rep. de Siria 3572) y Santa Fe Rock (Santa Fe 2347, local 23).

Paraná: Terco Tour (Av. Almafuerte 776).

Buenos Aires: Locales en CABA como Rivadavia Rock, Casa Fama y Disquería R65, además de Ossiris en José C. Paz.

El evento cuenta con la organización de Tribus y GO Producciones, prometiendo una noche donde la mística y la música serán las grandes protagonistas en el corazón de la capital provincial.

En febrero de 1981, cuando la Argentina todavía no formaba parte del circuito habitual de las grandes giras internacionales, cuatro músicos británicos aterrizaron en Ezeiza y alteraron para siempre la escala de los espectáculos en el país. La visita de Queen quedó grabada como un hito fundacional del rock en estadios.

A 45 años de aquellos conciertos, el libro Queen en Argentina 1981. La historia jamás contada, de Iván Petracchi y Lucas Pan, propone volver sobre esos días desde un ángulo inédito.

Con 144 páginas y acceso a archivos privados, testimonios directos y piezas de colección nunca antes exhibidas, la investigación se aparta del recuento de cifras ya conocidas —los cinco shows, las 300 mil personas convocadas, los tres aviones y dos barcos que transportaron equipos— para adentrarse en la intimidad de la gira.

El desembarco del grupo integrado por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon marcó un punto de quiebre: fue la primera vez que un supergrupo actuó en estadios de fútbol en la Argentina, replicando el despliegue técnico que utilizaba en Estados Unidos y Europa mientras presentaba los discos The Game y Flash Gordon.

Tres de los conciertos tuvieron lugar en el estadio de Club Atlético Vélez Sarsfield, uno en el estadio José María Minella de Mar del Plata y otro en el estadio de Rosario Central. Sin embargo, el foco del libro no está puesto en el récord de público sino en lo que ocurrió fuera del escenario.

“Historias exclusivas, conversaciones detrás de escena y encuentros inesperados narrados por primera vez por quienes estuvieron ahí”, anticipan los autores. El relato reconstruye el día a día de la banda en el país: los autos que los trasladaron, los restaurantes donde probaron sabores locales y los paseos que, por momentos, los alejaron de la lógica del rock internacional.

El volumen suma además un archivo fotográfico excepcional y memorabilia conservada durante décadas en colecciones privadas. Parte de ese material, según se anuncia, integrará una exhibición internacional que iniciará su recorrido en 2026.

Iván Petracchi, administrador de empresas egresado de la UBA, pianista y productor de eventos vinculados al legado de Queen, integra un círculo internacional de coleccionistas que le permitió acceder a documentación inédita y testimonios del entorno íntimo del grupo.

Lucas Pan, abogado e investigador, es un meticuloso coleccionista de vinilos, tickets, autógrafos y objetos relacionados tanto con la banda como con la carrera solista de Roger Taylor.

La publicación cuenta además con palabras de referentes del universo fan. “Los fans amamos las anécdotas sobre Freddie, Brian, Roger y John”, señala Daisy May Queen en uno de los textos incluidos. El DJ Bebe Sanzo, por su parte, afirma que la historia de “ese romance” entre la banda y el público argentino “merecía ser contada”.

A más de cuatro décadas de aquella gira que redefinió la producción de espectáculos masivos en el país, el libro invita a responder una pregunta persistente: qué ocurrió cuando se apagaron las luces. Entre anécdotas reveladoras y un registro visual único, la obra se presenta como un documento clave para comprender por qué, después de 1981, la historia del rock en la Argentina ya no fue la misma.

Con su música, el grupo transformó la noche en un verdadero abrazo del litoral: acordes de acordeón, guitarras vibrantes, glosas sentidas y la energía de un público que no dejó de aplaudir ni de lanzar sapucai hasta la madrugada del lunes.

Al frente del conjunto, como desde hace 39 años, estuvo Luciano Morinico, referente y guardián del chamamé del monte. A su lado, el bajo de Luciano “Chano” Morinico, las guitarras de Malena Sirac y Fernando Antón, y el acordeón de Antonio Flores completaron una formación que combina tradición, talento y la cercanía de quienes crecieron entre caminos de tierra y música litoraleña.

Desde su debut en 1988 —también en el Festival de Federal— Nuevo Itatí ha construido una historia marcada por el esfuerzo familiar y la pasión por la música. Hijos, hermanos y amigos se fueron sumando con el paso de los años, dejando su impronta en un proyecto colectivo que mantiene intactas sus raíces rurales.

El conjunto también fue protagonista del surgimiento del Festival del Gurí Campero en 2018, iniciativa que fortaleció el vínculo con la comunidad y reafirmó su compromiso con la identidad cultural entrerriana.

“El aplauso y el sapucai del público nos llenó el alma”, expresó Luciano Morinico tras la presentación, aún emocionado por la respuesta del público federalense.

A lo largo de su trayectoria, el grupo ha llevado el chamamé a escenarios de todo el país, incluyendo el tradicional Festival de Jesús María en Córdoba, donde también dejó su sello litoraleño.

Con una agenda cargada de festivales, grabaciones y nuevas presentaciones, Nuevo Itatí continúa consolidando su camino artístico. Humilde, familiar y fiel al chamamé del monte, el conjunto se ha convertido en un puente entre la tierra de Lucas Norte y cada rincón donde su música suena.

Más que un grupo musical, Nuevo Itatí representa una identidad compartida: la del litoral que canta, baila y celebra sus raíces. En Federal, una vez más, quedó demostrado que el chamamé no solo se escucha; se vive, se siente y se grita en cada sapucai que atraviesa la noche.

Una muy buena noticia para la música entrerriana se confirmó en el marco de la novena luna del Festival Nacional de Folklore de Cosquín 2026. El músico Juan Manuel Bilat fue reconocido como Destacado en Espectáculos Callejeros, una distinción que le permitirá integrar la grilla oficial del festival en 2027 y presentarse en el escenario mayor Atahualpa Yupanqui.

La información fue confirmada a partir de testimonios de numerosos entrerrianos presentes en la ciudad de Cosquín, quienes siguen de cerca cada instancia del festival y el desempeño de los artistas en los escenarios alternativos que rodean la Plaza Próspero Molina, epicentro del encuentro folklórico más importante del país.

El reconocimiento fue ratificado oficialmente en diálogo con el periodista Manuel Lazo, quien encabeza una transmisión radial especial desde Cosquín para la audiencia de LT9 Santa Fe. “Esto le permite a Juan Manuel formar parte de la grilla para el año 2027 y estar presente en el escenario Atahualpa Yupanqui”, señaló Lazo, subrayando la relevancia del logro.

La distinción obtenida por Bilat representa un paso clave en su proyección artística, ya que el certamen de Espectáculos Callejeros funciona históricamente como una plataforma de visibilización para nuevos talentos del folklore argentino. A lo largo de los años, numerosos artistas que comenzaron su recorrido en estos espacios alternativos lograron luego acceder al escenario mayor del festival.

De esta manera, Juan Manuel Bilat se suma a la lista de músicos que, desde las calles y peñas de Cosquín, consiguen dar el salto al corazón mismo del festival, llevando la música entrerriana al escenario más emblemático del folklore nacional y proyectándola a todo el país.

La banda crespense Bandera de Guerra acaba de lanzar “Vamo arriba Uruguay”, un EP registrado íntegramente en vivo durante su participación en el Carnival Fest, uno de los festivales más importantes de la escena metalera del Uruguay. El material, que ya se encuentra disponible en YouTube, incluye cuatro canciones grabadas tanto en audio como en video, reflejando la potencia del grupo sobre el escenario y la intensidad del evento.

En diálogo con Tanto de Todo, programa que se emite en dúplex por FM Boing 93.7 y Paralelo 32, el cantante Germán Britos contó cómo se dio la convocatoria y la experiencia de tocar por primera vez en el país vecino.

“Nos convocaron desde la productora del Carnival Fest de Uruguay. Tratamos de acomodar todo para poder llegar y la verdad que fue una experiencia hermosa”, expresó.

El Carnival Fest celebró este año su quinta edición y reunió a unas 60 bandas distribuidas en tres jornadas. Bandera de Guerra formó parte de la grilla internacional, compartiendo escenario con grupos de distintos países y estilos.

“Ahí se siente la verdadera hermandad. No conocíamos a nadie, pero los músicos nos trataron como amigos. Todo lo que necesitábamos, estaban para ayudarnos”, destacó Britos.

Además del show, la banda aprovechó la ocasión para registrar nuevo material audiovisual, que luego fue trabajado en postproducción. “Nos grabaron en vivo, tanto en audio como en video, y de ahí salió este EP. Volvimos con material nuevo y una experiencia increíble”, explicó el vocalista.

El título del EP, “Vamo arriba”, surgió de una expresión muy presente durante el festival y en la cultura uruguaya. “Es una muletilla muy de ellos y se nos pegó. Terminamos diciéndolo todo el tiempo, así que decidimos que ese tenía que ser el nombre”, contó entre risas.

Britos también remarcó el valor artístico y humano del viaje, que dejó nuevos vínculos y oportunidades para la banda. “Volvimos con audio, video y hasta con mánager. Fue un viaje súper productivo”, afirmó.

De cara a este año, Bandera de Guerra proyecta la grabación de nuevas canciones y la posibilidad de editar un EP de estudio más breve, además de presentaciones fuera de la región. “La idea es seguir sacando material más corto y empezar a salir un poco más de la zona. Rosario, Capital Federal y seguramente volver a Uruguay”, adelantó.

Con “Vamo arriba Uruguay”, la banda suma un nuevo hito a su recorrido, llevando el nombre de Crespo a escenarios internacionales y consolidando su crecimiento dentro de la escena metalera.

La gira comenzó con el viaje hacia el Viejo Continente, realizando escala en San Pablo y Londres, antes de arribar a los destinos de sus presentaciones. En diálogo con Paralelo 32, Cynthia Wainz expresó que ambas se encuentran “expectantes y emocionadas” por este nuevo desafío artístico. “Vamos con un programa llamado Argentina Diversa, con obras originales para piano a cuatro manos de compositores argentinos”, señaló.

La primera presentación tendrá lugar el 20 de enero en la Casa Argentina de la Ciudad Internacional Universitaria de París, donde el dúo ofrecerá un concierto en el Salón de Honor de la residencia, en el marco de una programación dedicada a la difusión de la cultura argentina en Francia.

Posteriormente, el 23 de enero, Dos a Cu4tro se presentará en el Consulado de la República Argentina en Bonn (Alemania), en un concierto que busca fortalecer los lazos culturales entre ambos países y promover el arte argentino en el exterior.

La gira continuará el 27 de enero en la Universidad de Bremen, en la Theatersaal, donde el dúo interpretará el programa especial “Solo Solare – Ein Portraitkonzert”, un concierto íntegramente dedicado al compositor Juan María Solare, argentino radicado en Alemania. “Será un homenaje en vivo, con él presente. Es muy fuerte tocar toda su obra y recibir sus impresiones. Estamos muy felices por este desafío”, destacó Wainz.

Para esta gira, Dos a Cu4tro seleccionó un repertorio con obras emblemáticas para piano a cuatro manos de Alejandro Simonovich, Fabricio Gatta, Gustavo Zemborain, Tomás La Porta, Juan María Solare, Saúl Cosentino y Astor Piazzolla, reflejando la diversidad estética y sonora de la música argentina contemporánea.

Las presentaciones se inscriben dentro de una agenda de intercambio cultural que busca posicionar a la música como puente entre pueblos, con la emoción como lenguaje común.

Dos a Cu4tro —Bollero & Wainz— cuenta con una trayectoria artística de casi 23 años, desde su formación como dúo en 2003. Su repertorio abarca desde Mozart hasta Ligeti, pasando por Beethoven, Brahms, Schubert, Schumann, Rachmaninoff, Puccini, Gershwin, Debussy, Ravel, Piazzolla y numerosos compositores argentinos del siglo XX y XXI.

Con motivo del bicentenario de la República Argentina, el dúo profundizó su trabajo en el repertorio nacional para piano a cuatro manos, registrando ese recorrido en su primer disco titulado “Dos a Cu4tro”.

A lo largo de su carrera, se han presentado en destacadas salas de Argentina, Uruguay, Alemania, Inglaterra, Ucrania, Rusia, Estados Unidos, España y Francia, consolidándose como uno de los dúos más representativos del género a nivel internacional.

Con esta nueva gira europea, Dos a Cu4tro reafirma su compromiso con la difusión de la música argentina en el mundo, llevando identidad, sensibilidad y excelencia interpretativa a escenarios de prestigio internacional.