La ciudad de Paraná será escenario de una nueva fecha del Ciclo de Encuentros Corales 2026, una propuesta que busca promover el intercambio artístico y fortalecer los vínculos culturales entre localidades entrerrianas.

La actividad se desarrollará este sábado 31 de octubre en la Escuela de Música, Danza y Teatro Prof. Constancio Carminio, ubicada en Italia 61. La entrada será libre y gratuita, por orden de llegada.

En esta oportunidad, participarán el Coro Municipal Voces de las Colinas y el Ensamble Municipal de Música, ambos de Victoria, junto con el Coro de la Ciudad y el Taller de Canto Comunitario de Paraná.

El encuentro propone compartir experiencias musicales y generar un espacio de integración entre artistas y comunidades a través de diferentes estilos y repertorios.

El Coro Municipal Voces de las Colinas, dirigido por Patricia Farías, interpretará obras como Amanecer, de Vicente Sojo; Ecce Panis Angelorum, de Lorenzo Perosi; y Puerto Montt, de Eduardo Franco, en versión coral de Fernando Zúñiga.

Por su parte, el Ensamble Municipal de Música de Victoria, bajo la dirección de Ángel Osuna, presentará canciones representativas del rock nacional y regional. Su repertorio incluirá Inconsciente colectivo, de Charly García; Spaghetti del rock, de Divididos; Ji ji ji, de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; y A las nueve, de No Te Va Gustar.

Las agrupaciones anfitrionas también tendrán su espacio. El Taller de Canto Comunitario de Paraná interpretará El pescador, de José Barros, y De mí, de Charly García, entre otras canciones.

En tanto, el Coro de la Ciudad, dirigido por Eliseo Almada, ofrecerá El valle y el volcán, de María Elena Walsh, y Manchai puito (Two Little Doves), con arreglo de Oscar Escalada.

El encuentro culminará con interpretaciones conjuntas de Canción del jornalero, de Jorge Méndez; Rumbo al cerro, de Mario Díaz y Alejandro Maldino; y Puentecito de La Picada, también de Jorge Méndez.

El cierre reunirá las voces de las agrupaciones participantes en una propuesta que pone en valor la música como espacio de encuentro, intercambio y construcción de identidad cultural.

La actividad es organizada por la Municipalidad de Paraná, en el marco de una agenda que busca impulsar la participación artística y fortalecer los lazos culturales entre distintas comunidades de la región.

Cuándo: sábado 31 de octubre de 2026.

Dónde: Escuela de Música, Danza y Teatro Prof. Constancio Carminio, Italia 61, Paraná.

Entrada: libre y gratuita, por orden de llegada.

El dúo de canto charrúa Seuer Montec, oriundo de Villaguay, cerró la celebración de sus 15 años de trayectoria con una presentación en Fauna Cultural y Ambiental, de Concepción del Uruguay. El encuentro se realizó el viernes 23 de octubre y tuvo como eje la obra “Tanú t Ancat – Latido del alma”.

La función marcó el final de una gira provincial que comenzó en abril y recorrió distintos espacios culturales y educativos de Entre Ríos. La propuesta buscó acercar al público la historia, la cultura y la identidad del pueblo charrúa a través de canciones, textos y espacios de intercambio.

El recorrido aniversario comenzó en la Biblioteca Julio Serebrinsky de Concordia. En julio, el dúo se presentó en Paraná, en el marco del Congreso de Literatura Entrerriana. Luego, en agosto, llegó a la Biblioteca Popular Bartolomé Mitre; en septiembre, al Espacio Empatía, de San José; y en octubre, a La Enredada, antes del cierre en Concepción del Uruguay.

La gira fue concebida para llegar a bibliotecas populares, espacios culturales autogestivos y ámbitos educativos, con el propósito de generar encuentros en torno a la memoria, la identidad y las expresiones artísticas de los pueblos originarios.

La obra combina textos vinculados con la cultura charrúa y la historia de la Comunidad Charrúa Etriek de Villaguay con una selección de canciones del dúo.

La propuesta ya había sido presentada en 2025 durante el IV Encuentro Nacional de Canto Ancestral, realizado en Paraná. En cada función, la experiencia incluye una instancia de conversación con el público, que permite compartir reflexiones e intercambiar perspectivas sobre los temas abordados.

A través de la música y la palabra, Seuer Montec propone una experiencia de reconexión con el mundo interior y con el entorno natural y social, sin dejar de reconocer los conflictos y desafíos del presente.

El dúo está integrado por Gabriela Pérez, en voz y Afia Tanú —Arco que Late—, y Javier Álvarez, en guitarra y voz.

Seuer Montec nació en 2011, en el marco de las actividades de la Escuela Popular Charrúa Etriek, una iniciativa educativa de la comunidad indígena del mismo nombre, radicada en Villaguay.

Desde entonces, el proyecto desarrolla una propuesta artística que combina música, textos y revitalización de la lengua ancestral, con el objetivo de mantener viva y compartir la cultura charrúa en distintos espacios.

A lo largo de su recorrido, Seuer Montec participó en encuentros culturales, festivales y actividades vinculadas con las expresiones artísticas indígenas y los derechos humanos.

Entre sus presentaciones se encuentran el Congreso “Entre Ríos, Entre Discursos: literaturas, territorios culturales y resonancias interdisciplinarias”, organizado por la UADER en Paraná en 2026; el IV Encuentro Nacional de Canto Ancestral, en 2025; y las dos ediciones del Festival de Arte Sonoro Indígena, realizadas en Iguazú en 2022 y en Posadas en 2023.

También formó parte de actividades como Camino al III Foro Mundial de Derechos Humanos, en la Universidad Nacional de Córdoba en 2023; el III Encuentro Plurinacional, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en 2022; y el IV Congreso Latinoamericano de Cultura Viva Comunitaria, en San Francisco, Córdoba, en 2019.

El dúo se presentó además en distintos puntos de la provincia de Buenos Aires, la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y Entre Ríos, con actuaciones en Paraná, Rosario del Tala, Concepción del Uruguay, Chajarí, Pueblo Cazes, Maciá y, en numerosas oportunidades, Villaguay.

Seuer Montec cuenta con tres trabajos publicados en plataformas digitales: “Ancat”, “Vivo en la naturaleza” y “Charrúa”.

En 2020, participó del programa Cultura Argentina en Casa, impulsado por el Ministerio de Cultura de la Nación. Desde 2023, canciones de su repertorio forman parte de la Fonoteca de Arte Sonoro Indígena del Instituto Nacional de la Música (INAMU).

Tras completar la gira por los 15 años, el dúo prevé continuar durante 2027 con nuevas presentaciones de “Tanú t Ancat – Latido del alma” en bibliotecas, espacios culturales autogestivos y ámbitos educativos.

La propuesta busca seguir generando encuentros entre música, memoria e identidad, y ampliar la difusión de la cultura charrúa en Entre Ríos y otras regiones del país.

Charly García cumple 75 años este viernes 23 de octubre y su influencia en la música argentina continúa generando nuevas lecturas. Sus canciones, sus presentaciones en vivo y sus búsquedas artísticas siguen siendo objeto de investigaciones y ensayos que permiten descubrir otras dimensiones de una trayectoria que atraviesa más de medio siglo.

Para celebrar el aniversario, cinco libros publicados por Gourmet Musical Ediciones ofrecen distintas perspectivas sobre el artista: desde los significados de sus letras hasta los desafíos de adaptar sus composiciones a una orquesta, pasando por la historia de sus recitales y su experiencia con el rock progresivo durante la última dictadura militar.

En Charly en el país de las alegorías. Un viaje por las letras de Charly García, la investigadora Mara Favoretto analiza los recursos literarios que el músico utiliza para expresar ideas políticas y sociales.

El libro explora los significados de sus composiciones, desde las canciones escritas durante la dictadura hasta las referencias al amor, el género y la identidad. La obra alcanzó en 2025 su décima edición ampliada, una muestra de la continuidad del interés por estudiar las letras de García y sus múltiples interpretaciones.

Una mirada diferente propone Cuerdas para Charly (o cómo arreglar lo que no está roto), del violonchelista y arreglador Patricio Villarejo, publicado en octubre.

El autor reconstruye su experiencia junto a García durante la preparación del histórico concierto de 2013 en el Teatro Colón. A partir de los ensayos, las grabaciones y la presentación, relata los desafíos de adaptar las canciones del músico a un formato orquestal sin perder la esencia de las composiciones originales.

El libro permite conocer parte del trabajo musical que existe detrás de una presentación que llevó el repertorio de García a uno de los escenarios más emblemáticos del país.

Los conciertos ocupan el centro de Esta noche toca Charly. Un viaje por los recitales de Charly García, una investigación de Roque Di Pietro publicada en dos tomos.

El primero, Período clásico (1956-1993), recorre los años de formación y consolidación artística del músico. El segundo, Say No More (1994-2008), aborda una etapa marcada por nuevas búsquedas musicales y presentaciones memorables.

A través de sus actuaciones en vivo, la colección reconstruye distintos momentos de la trayectoria de García y permite observar cómo evolucionó su relación con los escenarios y el público.

En La Máquina de Hacer Pájaros. Charly, el rock progresivo y la dictadura, Nicolás Igarzábal recupera la historia del grupo que García lideró entre 1976 y 1977.

El libro reconstruye la breve existencia de la banda, sus influencias musicales —entre ellas Yes y Genesis— y el contexto político en el que desarrolló su propuesta. La experiencia de La Máquina de Hacer Pájaros representó una etapa importante en la exploración de nuevas estructuras y sonoridades dentro del rock argentino.

Las publicaciones ofrecen diferentes puertas de entrada al universo de Charly García. Algunas se concentran en la escritura y los significados de sus canciones; otras profundizan en sus arreglos, sus recitales o las experiencias musicales que marcaron su carrera.

A 75 años de su nacimiento, estos libros invitan a volver sobre una obra que forma parte de la historia cultural argentina y que continúa generando preguntas, interpretaciones y nuevas formas de escuchar sus canciones.

Litoral Mitá, la banda nacida en Aldea María Luisa, continúa llevando la música del Litoral a distintos escenarios del país. Este viernes 23 de octubre realizará dos presentaciones en Buenos Aires, con La Yerra como fecha central de la gira y una segunda parada en la Peña de Chillados. El recorrido concluirá el domingo 25 en Ibicuy, donde participará del encuentro Chamameceando.

Con una propuesta que combina chamamé, polka y otros ritmos de la región, el grupo apuesta a mantener viva la identidad musical entrerriana y acercarla a nuevos públicos.

La actuación en La Yerra será el momento principal de la gira. Allí, Litoral Mitá desplegará su espectáculo completo, con un repertorio que va desde el chamamé más tradicional hasta las polkas pensadas para invitar al baile, con palmas y sapucay.

La formación instrumental incluye acordeón, dos guitarras, bajo, batería, percusión y piano, acompañados por tres voces.

Ese mismo viernes, la banda también se presentará en la Peña de Chillados, en un formato que propone un encuentro más cercano con el público, entre canciones, baile y el espíritu de las peñas folklóricas.

La gira llega después de un 2026 de intensa actividad para el grupo. Durante el año publicó cinco lanzamientos musicales, entre ellos Estancia San Blas (en vivo), junto a Sofía Morales, y Así Fue, con Enzo Barzola.

Otro de los hitos fue la presentación de Trascender, espectáculo con el que la banda agotó las localidades del Teatro Municipal 3 de Febrero de Paraná.

En mayo, Litoral Mitá se convirtió en la primera banda litoraleña y entrerriana en participar del programa El Fin del Mundo, de OLGA, uno de los espacios de streaming de mayor alcance nacional.

“Llevar la música del Litoral y por ahí la cultura de nuestra provincia a uno de los programas de streaming más importantes también es algo muy lindo para nosotros”, expresó entonces Benjamín Roskopf, acordeonista y líder del grupo, en declaraciones a UNO Entre Ríos.

La banda ya se presentó en escenarios y espacios culturales de Buenos Aires, como el Palacio Libertad, la Ciudad Cultural Konex, la Feria de Mataderos y la Exposición Rural de Palermo.

Después de las presentaciones en Buenos Aires, el grupo volverá a Entre Ríos el domingo 25 de octubre para participar de Chamameceando, en Ibicuy.

El regreso permitirá a la banda compartir su música con el público entrerriano, en una localidad vinculada al paisaje de ríos y arroyos que forma parte de la identidad del Litoral.

Litoral Mitá se formó en 2019 en Aldea María Luisa, localidad ubicada a unos 12 kilómetros de Paraná. Su nombre combina dos referencias culturales: mitá, palabra de origen guaraní que significa “joven”, y la identidad musical litoraleña que atraviesa su repertorio.

Actualmente, el grupo está integrado por seis músicos: Benjamín Roskopf, en acordeón; Esteban Frías, en voz y bajo; Nicolás Pross y Ayrton Alles, en voz y guitarra; Franco Terrarossa, en batería; y Juan Manuel Benítez, en percusión.

Por su trabajo en la revitalización de la música del Litoral, la banda recibió el Premio Revelación SADAIC, un reconocimiento que acompaña su recorrido y su apuesta por difundir los sonidos de la región.

Con nuevas canciones, presentaciones en escenarios de alcance nacional y el regreso a su provincia, Litoral Mitá continúa ampliando su recorrido sin perder de vista las raíces musicales que le dieron origen.

Flavio Mendoza presentó en Santa Fe y Paraná los detalles de La Cúpula, su nuevo proyecto artístico y tecnológico, con el que busca proponer una forma diferente de vivir los espectáculos en Argentina. La estructura inmersiva de 360° será el escenario de una experiencia que combina proyecciones, música en vivo, danza, acrobacias y recursos escénicos de última generación.

Durante los encuentros con la prensa, el director explicó que no quiere encasillar la propuesta en un género tradicional, sino que busca sorprender al público con un formato que integra distintas disciplinas artísticas.

“No tiene un rótulo porque no quiero que lo tenga. Quiero que el público entre y viva algo nuevo. Quiero cambiar la forma de vivir el espectáculo en Argentina”, expresó Mendoza al describir el proyecto.

La megaestructura fue diseñada por Mendoza y su equipo, fabricada entre Italia y China y ensamblada en Argentina. Según explicó el artista, trasladar una producción de estas dimensiones por el país representa un importante desafío logístico y económico.

La propuesta reúne a artistas de distintas ciudades y busca acercar al público una experiencia que combina tecnología y espectáculo en un mismo espacio.

“No es circo, no es teatro tradicional y tampoco es cine, es una fusión tecnológica y artística total creada para conmover a toda la familia”, remarcó el director durante las conferencias.

El debut está previsto para el viernes 30 de octubre, a las 21, con una puesta que propone involucrar al espectador desde su ingreso al predio, antes incluso de llegar a las butacas.

La primera producción de La Cúpula será El Príncipe Feliz. Corazón Dorado, una adaptación del reconocido cuento del escritor Oscar Wilde.

Mendoza explicó que la elección tiene un significado personal: era el único cuento que su madre le leía durante la infancia y cuyo final lo emocionaba hasta las lágrimas.

Según relató, nunca había visto una adaptación cinematográfica o teatral de esa historia que lo convenciera de llevarla a escena, por lo que decidió convertirla en el punto de partida de esta nueva experiencia artística.

Durante los encuentros también hubo espacio para recordar sus anteriores visitas a la región, el vínculo con el público y la participación de dos artistas santafesinos en su compañía, que actualmente realizan una gira con Circo Ánima.

La Cúpula fue concebida como un espacio que va más allá del escenario. La experiencia comienza en el ingreso al predio, con un hall interactivo que incluye juegos, instalaciones tecnológicas e intervenciones artísticas pensadas para disfrutar en familia.

El espacio principal está formado por una cúpula de 360°, sin columnas ni obstáculos visuales, equipada con un sistema de proyección mapping que transforma el entorno y acompaña el desarrollo de la historia.

La estructura escénica cuenta con doce plataformas de movimiento dinámico, que permiten modificar la disposición del escenario y aportar nuevas posibilidades visuales a cada escena.

La propuesta se completa con música en vivo, cantantes, bailarines, acróbatas y artistas aéreos, junto con una puesta técnica de nivel internacional.

Coreógrafo, bailarín, acróbata, director y productor, Flavio Mendoza construyó su trayectoria a partir de espectáculos que combinan distintas disciplinas escénicas y una fuerte apuesta visual.

Con La Cúpula, vuelve a explorar los límites de los formatos tradicionales y busca integrar tecnología y creatividad para ofrecer una experiencia diferente, con una historia pensada para emocionar a públicos de distintas edades.

Con el fin de semana largo como marco, la Estación Belgrano volvió a transformarse en el punto de encuentro de una región entera. Hubo puntualidad en los horarios, buen sonido en todos los escenarios y un clima que acompañó casi sin sobresaltos. Los hoteles de Santa Fe estuvieron completos y en las filas de ingreso se mezclaban acentos y camisetas de distintas ciudades.

l predio fue una fiesta en sí mismo. Entre escenario y escenario, las marcas ofrecieron juegos y desafíos para participar, y hubo acrobacias en moto, canchas de fútboltenis, basket,  una rampa para patinetas y un sector de escalada. Los looks del público, de lo más variado, fueron parte del espectáculo. Y en lo musical, la marca de siempre del Harlem: rock, cumbia, trap, hip hop y electrónica conviviendo en una misma grilla.

La primera jornada tuvo fuerza hitera desde temprano con Coti. Marilina Bertoldi se tiró al público y cantó con toda su fuerza, y El Kuelgue sumó un momento memorable con Julián Kartún, que se detuvo entre canciones para dejar una reflexión sobre el rol de la cultura: "los gobiernos totalitarios, absolutistas, siempre lo primero que han querido es deshacerse de los artistas", dijo, antes de bajar la tensión con humor: "Nosotros hacemos la paz con ustedes, los robots". El show tuvo además un divertido cruce con un dron.

Los uruguayos de Cuarteto de Nos desplegaron todos sus hits, con "Invierno del 92", "Así soy yo" y "Ya no sé qué hacer conmigo", y repasaron Raro, el disco que cambió su historia como banda, en un nuevo aniversario. El Plan de la Mariposa volvió a Santa Fe después de un año consagratorio, cada vez con más fanáticos que coreaban sus canciones, desde Correntada, su último disco, hasta los hits que ya reconoce todo el público. En el Indoor, Ángela Torres deslumbró como una de las artistas de mayor crecimiento del último año.

Babasónicos cerró el Outdoor con su carisma intacto: canciones de su último disco y hits de toda la carrera, con un Adrián Dárgelos que se llevó todos los flashes con su forma de bailar y de cantar, y un final con "Carismático", "Yegua" y "El colmo" para desplegar la fiesta entre el público. En el Indoor, Peces Raros cerró la noche con los sonidos electrónicos envolventes que los caracterizan.

El domingo arrancó con una baja: Turf no pudo presentarse porque Joaquín Levinton seguía en reposo médico, y la organización reordenó parte del Indoor. Aun así, la jornada tuvo uno de sus momentos más festivos con Los Pericos, que desembarcaron en el Outdoor con todos sus clásicos y pusieron a bailar a la multitud al ritmo del reggae. En el Indoor, La Grecia debutó en el festival con el rock barrial de la nueva generación, y su cantante, Martín "Chino" Benítez, hizo saltar a todo el público con su rocanrol.

Las Pelotas, un clásico del rock nacional, colmó de hits el Outdoor con "Será", "Si supieras", "Personalmente" y "Capitán América", que tuvo como fondo la imagen de Donald Trump, en lo que se leyó como una clara crítica. Cruzando el Charco, los platenses, mezclaron rock y cumbia con sus clásicos, y después llegó el turno de La Vela Puerca: los uruguayos, que ya habían dicho presente en las últimas ediciones, volvieron a mostrar por qué son uno de los números más esperados, con una catarata de hits y un pogo desatado.

En el Indoor, Guasones abrió su show con una invitación al Chino de La Grecia, un cruce intergeneracional entre una banda clásica del rock nacional y uno de los grupos emergentes que vienen creciendo en la escena. Facu Soto y compañía recorrieron un repertorio plagado de hits, de esas canciones que todos sabemos: "Reyes de la noche", "Infierno blanco", "Down", "Gracias" y "Tan distintos".

Para el cierre del Outdoor, Cazzu debutó en el festival. Una llovizna apareció justo durante su show, pero el público no se movió. Con un repertorio cargado de folclore, trap y cumbia, de "La cueva" y "Dolce" a "Con otra", el tema que la catapultó y con el que cerró, puso a bailar a todos los presentes. Después, La T y la M, una de las bandas de cumbia de mayor crecimiento de los últimos años, cerró el Indoor y le dio al Harlem el final que amerita: una fiesta.

El Harlem Festival cerró su octava edición con una convocatoria de más de 40.000 personas en el predio de la Estación Belgrano, en la ciudad de Santa Fe. Durante el sábado 10 y el domingo 11 de octubre, unas 20.000 personas por día participaron de las actividades que combinaron música en vivo, DJs, propuestas gastronómicas y espacios de marcas.

El festival reunió a más de 30 artistas distribuidos en tres escenarios y volvió a posicionar a Santa Fe como una de las plazas destacadas del circuito de grandes eventos musicales del país.

La convocatoria se produjo durante el fin de semana largo por el feriado del lunes 12 de octubre, un contexto que favoreció el movimiento turístico y comercial en la región.

La convocatoria del Harlem Festival se sumó al recital de Los Fabulosos Cadillacs, realizado el sábado 3 de octubre en el mismo predio.

Con ambos acontecimientos, la productora Harlem superó los 50.000 espectadores en apenas ocho días, un registro que refuerza la capacidad de Santa Fe para organizar espectáculos de gran convocatoria.

La combinación de festivales, recitales y propuestas culturales también genera oportunidades para los sectores vinculados con el turismo, la gastronomía, el transporte y los servicios.

El festival se desarrolló en un fin de semana largo que impulsó los desplazamientos de visitantes y el consumo en distintos rubros comerciales.

Según la información difundida por la organización, la actividad contribuyó a completar las plazas hoteleras y a generar un importante movimiento económico en la región Santa Fe–Paraná.

La cercanía entre ambas capitales provinciales favorece la circulación de público entre Santa Fe y Paraná, con posibilidades de aprovechar la oferta gastronómica, cultural y recreativa de las dos ciudades.

Con una nueva edición de convocatoria masiva, el Harlem Festival consolida su presencia en la agenda cultural del litoral y confirma el peso de los grandes acontecimientos musicales como atractivo turístico regional.

El cantante y compositor Piero de Benedectis murió a los 81 años, durante las primeras horas de la mañana del miércoles 7 de octubre, según comunicó la cuenta oficial del músico que dejó una huella imborrable y marcó a generaciones con la canción popular.

El autor de clásicos como "Mi viejo" y "Para el pueblo lo que es del pueblo", habría atravesado graves problemas de salud durante el último año y, según se supo en las últimas horas, permanecía internado en el Hospital Italiano.

Nacido en Italia en 1945, llegó a Argentina junto a su familia cuando tenía sólo tres años, lugar donde desarrolló la mayor parte de su carrera artística a largo de más de cinco décadas, construyó un repertorio ligado a la canción popular y de contenido social, con temas como “Mi viejo”, “Coplas de mi país”, “Pedro nadie”, “Llegando llegaste” y “Para el pueblo lo que es del pueblo”.

Piero se consagró definitivamente de la mano de su inolvidable dupla creativa con el poeta José Tcherkaski, con quien dio forma a himnos generacionales que trascendieron las fronteras nacionales. Temas como "Mi viejo", que se convirtió en una de las canciones más emblemáticas de la música hispanoamericana y grabada por cientos de artistas.

Las múltiples distinciones no tardaron en llegar, entre ellas, se destaca un Premio Konex en 1985 y el Grammy Latino a la Excelencia Musical en 2016, un galardón con el que la Academia reconoció más de cinco décadas dedicadas al arte, la poesía y el compromiso social.

Más allá de los escenarios musicales y de su recordada faceta como baladista y trovador, el intérprete incursionó en el mundo de la actuación y el cine nacional donde participó en la película El profesor patagónico (1970) -protagonizada por Luis Sandrini-, e interpretó a un joven sacerdaote llamado Raúl. Piero musicalizó escenas con varios de sus primeros grandes éxitos como "Llegando, llegaste" y el propio "Mi viejo".

​En sus redes sociales, Antonio Contreras publicó que cuando Piero terminó de componer la música de «Mi viejo», quiso que su padre fuera uno de los primeros en escucharla. Para ello, lo llevó a la sala de su casa, descolgó el teléfono con el fin de evitar interrupciones y comenzó a cantar. Su padre, Lino, tenía apenas 48 años. Mientras escuchaba los versos, rompió en llanto —un hecho insólito, ya que Piero contaría años después que jamás lo había visto llorar—. Al terminar, Lino se secó los anteojos y, todavía con la emoción a flor de piel, protestó en una simpática mezcla de italiano y español por el fragmento que decía que él caminaba lento.

​Sin embargo, la letra de la canción no es de Piero, sino del escritor y periodista José Tcherkaski, quien compuso esta obra en colaboración con él (Piero puso la melodía y Tcherkaski los versos). Esto explica una confusión muy común: el hombre real que inspiró la letra de la canción era el padre del escritor, no el padre de Piero.

​El padre de José se llamaba Mario Tcherkaski, un inmigrante nacido en Rusia que poseía una sólida formación intelectual. Tras emigrar a Buenos Aires, se ganaba la vida como vendedor ambulante de sábanas. A pesar de las constantes dificultades económicas, Mario mantuvo intacta su pasión por los libros y el teatro, siendo el principal responsable de inculcarle a su hijo el amor por la literatura.

​Mario falleció a los 52 años, cuando José apenas tenía 14. Tiempo después, el joven escribió un poema titulado «El ambulante» en su memoria. Años más tarde, rescataría de aquel texto una frase mítica que terminaría resonando en todo el continente: «Viejo, mi querido viejo».

​A finales de la década de 1960, José Tcherkaski conoció a Piero y formaron una dupla creativa perfecta. De los entrañables recuerdos de Mario nació finalmente «Mi viejo». Al principio el camino no fue sencillo; ninguna discográfica mostraba interés hasta que CBS decidió jugársela por el tema, lanzándolo en 1969. Con los años se consagró como uno de los máximos tributos musicales a la figura paterna en América Latina.

​Años después, José Tcherkaski reveló un detalle muy íntimo: mientras su padre Mario estuvo vivo, él jamás se habría atrevido a llamarlo «viejo». Terminó haciéndolo, irónicamente, en una canción que Mario nunca llegó a escuchar (quien sí la escuchó emocionado en vida fue Lino, el padre de Piero)

El músico paranaense Juan Manuel Bilat junto a la Orquesta Sinfónica Municipal de Crespo presentarán ‘Entre Ríos en Sinfonía’, una propuesta artística integral que llevará la música del litoral y, particularmente, el chamamé y el repertorio entrerriano, a un formato sinfónico, generando un encuentro entre el acordeón, la orquesta y diferentes artistas invitados. La presentación se realizará el día 15 de octubre en el Teatro 3 de Febrero de Paraná.

Uno de los ejes centrales del espectáculo será el homenaje a Jorge Méndez, reconocido cantautor entrerriano, cuya obra constituye un aporte fundamental a la música y a la identidad cultural de Entre Ríos.

‘Entre Ríos en Sinfonía’ nace con el propósito de recuperar, jerarquizar y proyectar ese patrimonio musical, llevándolo a un formato sinfónico que permita explorar nuevas posibilidades artísticas y acercarlo a públicos diversos. El proyecto involucra a más de 90 personas entre artistas, músicos, técnicos y trabajadores de producción, dando cuenta de la dimensión artística y productiva de la iniciativa y de su aporte al desarrollo de las industrias culturales de Entre Ríos.

A través de nuevos arreglos e interpretaciones, las canciones de Jorge Méndez serán revisitadas desde una perspectiva sinfónica, generando un diálogo entre la tradición y nuevas formas de expresión musical. De esta manera, el homenaje no se limita a recuperar su obra, sino que busca resignificarla y proyectarla hacia nuevas generaciones.

La propuesta se inscribe en la trayectoria de Juan Manuel Bilat como artista y productor, quien viene desarrollando espectáculos destinados a jerarquizar la música del litoral, ampliar sus posibilidades escénicas, generar nuevos públicos y favorecer su circulación. El repertorio incluirá, entre otras, las siguientes obras: Yo soy de Paraná, Bajada Grande, Lomadas de mi Entre Ríos, Puentecito de la Picada, Tiempo de mentir, El jornalero.

Las entradas se pueden comprar en plateavip.com.ar y en la boletería del teatro. La pre-venta con precios promocionales son: platea VIP (fila 1 a 8) y palcos bajos 20.000 pesos; platea (a partir de fija 9) y palcos altos 15.000 pesos.

El Teatro Municipal 3 de Febrero fue escenario este viernes de una nueva edición de las Convocatorias Culturales, una propuesta de la Municipalidad de Paraná que reunió a tres proyectos musicales de diferentes estilos y recorridos.

Durante la jornada se presentaron Marcia Müller, Dúo Bulos-Martínez y Nchalá Hermandad, que compartieron sus producciones con el público en uno de los principales escenarios culturales de la capital entrerriana.

La iniciativa permite que los artistas seleccionados puedan presentar sus proyectos con acceso a sonido, iluminación, personal técnico y producción profesional.

El secretario de Educación, Cultura y Convivencia Ciudadana, Rubén Clavenzani, destacó el objetivo de generar espacios para que los artistas puedan encontrarse con el público y utilizar la infraestructura del teatro.

“Es una forma de acompañar la proyección de los artistas”, señaló el funcionario, quien también resaltó el aporte que significa para los músicos contar con un equipamiento técnico que, de otro modo, implicaría una inversión importante.

Desde la Subsecretaría de Cultura, Micaela Acosta destacó el trabajo conjunto entre las distintas áreas municipales y señaló que las convocatorias buscan generar herramientas para los artistas y ampliar la oferta cultural en diferentes espacios de la ciudad.

Para Marcia Müller, la presentación tuvo además un significado especial. La artista recordó que subió por primera vez al escenario del Teatro 3 de Febrero cuando tenía 12 años. Actualmente tiene 49.

“Cada vez que vengo, es una enorme responsabilidad traer lo mejor que el músico tenga. Es una enorme responsabilidad con el público paranaense”, expresó.

La formación con la que se presentó surgió de los vínculos construidos entre músicos y docentes de la ciudad. La propuesta parte de una raíz folklórica y suma elementos de la guitarra clásica, la percusión, el jazz y el afrobeat.

La combinación de estilos forma parte de una búsqueda orientada a explorar nuevas sonoridades a partir de diferentes tradiciones musicales.

Sobre volver a tocar en el Teatro 3 de Febrero, Müller destacó las condiciones técnicas del lugar y el trabajo del equipo que acompaña cada presentación.

“Además de estar en un lugar hermosísimo, con equipos de lujo, siempre es un lujo venir”, afirmó la artista.

La jornada permitió así que tres propuestas musicales con recorridos diferentes compartieran un mismo escenario y que sus proyectos llegaran al público con condiciones técnicas profesionales.

La música vuelve a conectar historias que comenzaron hace casi cuatro décadas. Sergio Musich y Lucho Gareis compartieron parte de ese recorrido en una entrevista con Mariana Rupp, en el programa La Hora Dorada, donde repasaron sus primeros proyectos musicales y contaron cómo surgió Proyecto GATO, la banda que actualmente los encuentra trabajando en nuevas canciones y con la mirada puesta en volver a tocar en vivo.

La historia se remonta a mediados de los años 80. Musich recordó sus primeras experiencias musicales junto a Damián Increpo y su paso por Suena lo Que Pesaba, proyecto en el que también participó Gareis. Antes habían formado otras bandas, entre ellas Hammering.

Con el paso de los años llegó Zona Urbanizada, una propuesta que ambos crearon en 1988 y que marcó otra etapa dentro de su recorrido musical. “Van a ser 40 años”, señalaron durante la charla al repasar una trayectoria atravesada por diferentes formaciones, composiciones y proyectos.

El actual proyecto surgió luego de una etapa de cambios. Musich contó que, después de la experiencia con Zona Urbanizada y ante las dificultades para coincidir con Gareis por cuestiones de tiempo, decidió continuar componiendo y trabajando en nuevas canciones. Así comenzó a reunirse con Nelson Romero, tecladista que participó posteriormente del proyecto. De ese proceso surgieron nuevas composiciones y finalmente un disco.

“Escribí siete canciones”, contó Musich durante la entrevista. Al material nuevo se sumaron además dos canciones que ya habían trabajado con Luis y una composición perteneciente a Family, de 1986, que fue recuperada y adaptada para incorporarla al proyecto actual. El nombre también surgió durante ese proceso. Después de evaluar distintas alternativas, los integrantes terminaron definiendo Proyecto GATO como denominación para la propuesta.

Sergio explicó que el proyecto tiene una fuerte influencia del rock y, particularmente, del heavy metal que forma parte de sus gustos musicales. Sin embargo, la propuesta no busca encasillarse en un único género. La intención fue recuperar parte de la sonoridad de las décadas del 80 y 90 y trasladarla a una producción actual.

“Siempre tratamos de sacar provecho cuando vemos un poquito las cosas antes”, explicó el músico al referirse a la búsqueda sonora y compositiva de la banda.

El material fue producido y grabado con la participación de distintos músicos. Manuel “Cuate” Vena estuvo en guitarra, Cristian Álvarez en batería y Nelson Romero en teclados. En otra etapa de la producción también participó Alejandro Mascardi, quien realizó arreglos de teclados.

La grabación se realizó en Escape of Frequencies, productora vinculada a Lucho Motali, quien también participó del proceso de producción. El trabajo logró además vincularse con una productora española, lo que permitió que el material fuera incorporado a las principales plataformas digitales.

Proyecto GATO continúa actualmente con la producción de contenidos audiovisuales y nuevas canciones. Sergio explicó que durante este año estuvo especialmente enfocado en la realización de videos para acompañar el material musical.

La banda también trabaja con la idea de volver a presentarse en vivo. El objetivo es comenzar a organizar una posible salida a escena durante el verano, aunque los propios músicos reconocieron entre risas que el paso del tiempo también impone sus propios ritmos.

“Estamos bastante vagos, estamos grandes, no nos pidan tanto”, bromearon durante la entrevista. Detrás del comentario aparece, sin embargo, una intención concreta: seguir componiendo, ajustar la formación y encontrar la manera de llevar nuevamente Proyecto GATO a un escenario.

El encuentro en La Hora Dorada también permitió recuperar una parte de la historia del rock local y de los músicos que atravesaron distintas etapas de la escena durante las últimas cuatro décadas.

Para Sergio y Lucho, la experiencia no parece cerrada. Entre canciones de los años 80, nuevas composiciones, producción digital y la posibilidad de regresar a los escenarios, Proyecto GATO busca darle una nueva vuelta a una historia que comenzó hace mucho tiempo.

Y como quedó planteado durante la entrevista, todavía parece haber espacio para “otra vuelta de tuerca”

Los integrantes de Un Día Más son: Ignacio Machado (Vocalista), Nicolás Prevot (Bajista), Valentino Lorusso (Baterista), Lautaro Páez (Guitarrista). La sesión fue grabada el 26 de agosto en la Casa de la Cultura de Entre Ríos. El video se puede ver en canal de YouTube de la Secretaría de Cultura de Entre Ríos.

Formados en 2025, publicaron su primera canción Bad News. Su estilo se engloba en el rock mezclado con otros géneros y siempre con composiciones propias. Sus vivos, dicen, tienen "una puesta en escena con una estética definida, mucha energía y dinámica, interactuando con el público y haciendo que cada show sea una experiencia que trasciende lo musical".

Los grupos que participan de Casa Estudio surgieron de una convocatoria provincial dirigida a nuevos autores. Ya se presentaron: Los Apolo (Paraná), Insistentes (Paraná), Guillermo Alarcón (San Benito), Rojo Fantasía (Santa Elena), Nada Normal (Paraná), Té de Hierbas (Villaguay), Soraya (Villa Clara) y Medusa (Cerrito).

El grupo de rock nacional anunció sus presentaciones en territorio entrerriano para el mes de noviembre. La gira desembarcará el viernes 6 en la ciudad de Concordia y el sábado 7 en la capital provincial, Paraná, en lo que será el tramo final de su recorrido antes de su esperado show en el Estadio Huracán.

La venta de localidades ya está habilitada a través del portal edenentradas.ar y en puntos de venta físicos autorizados. En esta ocasión, la producción informó que las primeras 200 compras realizadas por la vía digital recibirán sin costo el DVD "Zona Liberada", el cual podrá retirarse durante la jornada del recital en el sector de merchandising.

La banda llega a la provincia tras recorrer diversos escenarios del país durante el año, incluyendo paradas en Santa Fe, Rosario, Córdoba, Mendoza y Buenos Aires, donde concretaron dos fechas en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas.

La cuenta regresiva para una nueva edición del Harlem Festival ya comenzó y la organización habilitó la Etapa General 3 de entradas, correspondiente a la última fase de venta para el evento que se desarrollará durante el fin de semana largo de octubre.

La cita será el sábado 10 y domingo 11 de octubre en el Predio de la Estación Belgrano de Santa Fe, donde se espera la llegada de miles de personas de Santa Fe, Entre Ríos y distintos puntos del centro del país.

La edición 2026 tendrá más de 30 artistas, dos jornadas consecutivas y tres escenarios funcionando en simultáneo.

A la programación musical se sumarán distintas propuestas para completar la experiencia, entre ellas El Galpón, un espacio con DJs en vivo, un espectáculo de motocross, activaciones de marcas, juegos y un patio gastronómico.

Los pases individuales para cada jornada y los abonos para las dos fechas ya se encuentran disponibles a través de Passline.

Comprar entradas para Harlem Festival 2026

Entre las opciones de pago anunciadas se encuentran:

El formato del Harlem Festival combina música en vivo con diferentes experiencias dentro del predio de la Estación Belgrano.

Durante dos jornadas, el público podrá acceder a una programación distribuida en tres escenarios, además de espacios gastronómicos, propuestas vinculadas al entretenimiento y actividades de marcas.

La organización presenta al Harlem no solamente como un festival musical, sino como una experiencia cultural y de entretenimiento que reúne a jóvenes, grupos de amigos y familias.

Desde su primera edición en 2018, Harlem fue consolidándose como uno de los festivales de referencia del centro del país.

A lo largo de sus ocho ediciones, por sus escenarios pasaron artistas y bandas de distintos géneros y generaciones, entre ellos Babasónicos, Wos, Duki, Airbag, Trueno, Nicki Nicole, Cazzu, Emilia, Miranda!, Dillom, Ciro y Los Persas, No Te Va Gustar, Las Pastillas del Abuelo y Ca7riel y Paco Amoroso, entre otros.

El crecimiento del festival también tuvo impacto en la actividad turística y comercial de la región. La propuesta contribuyó a movilizar hotelería, gastronomía, comercio y turismo en el corredor Santa Fe–Paraná y otros puntos del centro y noreste argentino.

Con la edición 2026, el Harlem vuelve a apostar por un formato de grandes dimensiones durante un fin de semana largo.

La combinación de una programación musical de más de 30 artistas, tres escenarios y propuestas gastronómicas y de entretenimiento apunta a convocar a público de distintas edades y localidades.

Para quienes viajen desde Entre Ríos, Santa Fe vuelve a quedar en el centro de la agenda de grandes eventos del segundo fin de semana de octubre.

El gobernador Rogelio Frigerio visitó al reconocido artista entrerriano Víctor Velázquez, quien a sus 95 años continúa siendo una de las figuras más importantes del folclore y la música popular de la provincia.

Durante el encuentro, ambos mantuvieron una charla en la que repasaron parte de la trayectoria del cantor, guitarrista, poeta y compositor, cuya obra está profundamente ligada a los paisajes, las costumbres y la identidad de Entre Ríos.

“Víctor representa como pocos el alma de Entre Ríos. En su voz, en su guitarra y en sus canciones están nuestros paisajes, nuestra gente y nuestra manera de sentir”, expresó Frigerio.

El gobernador destacó además la posibilidad de compartir el momento con el artista y resaltó su aporte a la cultura entrerriana y argentina.

Víctor Velázquez nació el 4 de junio de 1931 en Abra El Chajá, Altamirano Norte, departamento Tala. Desde joven encontró en la guitarra, el canto y la poesía una manera de contar las historias y las tradiciones de su tierra.

A lo largo de más de 60 años de trayectoria, llevó la música entrerriana a escenarios de distintos puntos de Argentina y también del exterior. Su recorrido incluyó presentaciones en países de América, Europa y Asia, además de numerosas participaciones en el Festival Nacional de Folklore de Cosquín.

Su carrera también estuvo atravesada por la amistad y el trabajo compartido con Atahualpa Yupanqui, uno de los grandes referentes de la música popular argentina. Con él compuso parte de su obra.

También trabajó junto a otros reconocidos autores, entre ellos el entrerriano Jorge Méndez.

Entre las composiciones de Velázquez ocupa un lugar especial “La Primavera”, una milonga instrumental considerada su obra cumbre.

La pieza trascendió el ámbito del folclore regional y se convirtió en una referencia para generaciones de guitarristas. Su particular riqueza compositiva permite recrear con las cuerdas diferentes sonidos del paisaje, entre ellos el característico canto del tero.

El repertorio de Velázquez incluye más de 80 composiciones y obras como Me dicen el Panza Verde, Gualeguay crecido, A don Linares Cardozo, De la costa y Este oficio de cantor.

Su producción abarca milongas, chamarritas y canciones vinculadas directamente con el paisaje y la identidad entrerriana.

El recorrido artístico de Velázquez también recibió reconocimientos a nivel nacional. En 2020, cuando tenía 88 años, recibió el Premio Camín a la Trayectoria, una de las principales distinciones otorgadas en el marco del Festival Nacional de Folklore de Cosquín.

Con el paso de las décadas, su nombre quedó asociado a una manera particular de interpretar y contar Entre Ríos desde la música popular.

La visita de Frigerio se produjo luego de la promulgación de la Ley Nº 11.294, que estableció el 4 de junio, fecha de nacimiento de Velázquez, como el Día de la Milonga Entrerriana.

La nueva fecha representa otro reconocimiento institucional a una expresión musical profundamente vinculada con la identidad provincial y a la trayectoria de uno de sus principales referentes.

A los 95 años, Víctor Velázquez continúa siendo una figura central de la cultura entrerriana. Su voz, su guitarra y sus composiciones forman parte de una historia musical que trascendió las fronteras de la provincia y que mantiene vigente una forma de cantar, narrar y sentir Entre Ríos.

El próximo miércoles 2 de septiembre, el escenario del icónico Teatro 3 de Febrero de Paraná recibirá a una de las figuras más queridas y trascendentes del rock y la música popular hispanoamericana: Roque Narvaja. El músico llega a la capital provincial en el marco de su gira celebración por el 40° aniversario de su legendario disco Un Amante de Cartón.

En una cálida charla con Gonzalo Gadea Britos durante el programa  Tanto de Todo —que se emite de lunes a jueves de 19 a 20 hs por FM Boing 93.7 y Paralelo32.com.ar—, el cantautor rememoró con gratitud su última visita a la región: “Tengo un recuerdo hermosísimo de Paraná. La gente, el éxito, todo el mundo contentísimo; bailamos, cantamos y nos emocionamos, fue una noche perfecta. Estamos contentísimos de volver. Estar arriba del escenario es un privilegio, una alegría muy grande y mi lugar en el mundo”.

La gira rinde homenaje a Un Amante de Cartón, aquel vinilo histórico que acumuló hit tras hit. Sobre el repertorio previsto para este show imperdible de mitad de semana, Narvaja aseguró que el público escuchará exactamente lo que va a buscar: “Queremos asegurarle a la gente que nos sigue hace tantísimo tiempo que van a escuchar las canciones que están esperando. Aquí no hay trampa ni cartón: es convocar a la gente a festejar más de cincuenta años de carrera y cuarenta años de este disco que fue un fenómeno”.

Al repasar sus comienzos como pionero de nuestra música con La Joven Guardia a fines de los 60 —con pelo largo, camisas floreadas y pantalones Oxford—, el compositor destacó la magia que sigue generando El Extraño del Pelo Largo: “Tengo bastantes éxitos y cuando canto los temas de 'Amante de Cartón' la gente cantando se pone de pie, pero cuando aparece 'El Extraño del Pelo Largo', chau: explotan todos, aparece una locura total, incluso con la gente joven”.

Durante la entrevista se analizó también cómo sus canciones penetraron en la cultura popular de masas, convirtiéndose en himnos adoptados por hinchadas de fútbol no solo de Argentina, sino también de España e Inglaterra. “Yo no tenía idea, pero me enteré en vivo cuando vine a Argentina de gira, fui a la cancha de Boca con un amigo y escuché que cantaban 'Ni una palabra'. Fue una emoción tremenda”.

Además, el músico recordó de manera descontracturada su participación en el programa de Diego Capusotto y Pedro Saborido, donde interpretó la famosa versión humorística “Yo quería sambayón”: “Fui al programa y la canté con los músicos. Es una manera de reírme de mí mismo y me parece muy sano. Como decían antes, lo importante es que hablen”.

Al referirse a la tecnología, el uso de computadoras y las exigencias actuales de las redes sociales, Roque fue categórico al defender la pureza de la música en vivo y el proceso creativo artesanal: “Nosotros arriba del escenario somos tracción a sangre. Todo lo que suena lo estamos tocando nosotros, no trabajamos con secuencias grabadas. Y a la hora de componer sigo con la escuela de los Beatles: primero la melodía en piano o guitarra y luego la letra. Yo no le pregunto a ninguna máquina cómo quiero que sea mi canción; en todo caso, la máquina va a tener que aprender cómo soy yo”.

A modo de cierre, antes de reencontrarse con sus seguidores este miércoles en el Teatro 3 de Febrero, dejó una profunda reflexión: “Ahí estaremos llevando nuestra música, nuestra alegría, nuestra historia y vislumbrando un futuro en el cual haya todavía música y poesía. Que no nos coman las máquinas, que seamos capaces nosotros de hacer belleza”.

 DATOS DEL SHOW:

Producción:

Paracima Producciones

Con más de dos décadas de recorrido en la escena independiente entrerriana, Imaginaria y Los Camellos Sedientos del Sur Entrerriano vuelve a poner en circulación una canción propia. Se trata de “El Ritual”, un lanzamiento que combina rock y una fuerte carga conceptual para revisar algunas de las experiencias que atravesaron a la sociedad durante la pandemia.

La canción está disponible desde el viernes 21 de agosto en el canal oficial de YouTube de la banda y llega acompañada por un videoclip que profundiza el concepto planteado en la letra.

La nueva canción nació a partir de las preguntas y contradicciones que, según plantea la banda, atravesaron a la sociedad durante los años de pandemia.

Entre sus ejes aparecen las decisiones adoptadas durante ese período, los discursos públicos y las medidas implementadas. La vacunación también forma parte del universo conceptual de la canción, utilizada como referencia para plantear interrogantes sobre la posibilidad de cuestionar aquello que se presenta como inevitable.

Desde esa perspectiva, “El Ritual” propone una reflexión artística sobre la obediencia, las imposiciones y la pérdida de autonomía, aunque la banda aclara que no busca establecer una verdad definitiva, sino expresar una posición frente a una experiencia que impactó profundamente en la sociedad.

Mauricio Hernández, cantante y compositor de la banda, resume el concepto de la canción:

“El ritual es esa ceremonia que vivimos día a día sin darnos cuenta y en la cual siempre somos el sacrificio disfrazado de ofrenda”.

Y agrega:

“Somos parte de un laboratorio al cual sutilmente fuimos invitados a ser parte”.

La propuesta audiovisual acompaña la canción con imágenes vinculadas a la idea de una ceremonia colectiva, en la que las personas participan sin detenerse a cuestionar cuál es su lugar.

La pandemia y la vacunación aparecen como referencias dentro de una mirada más amplia que aborda cuestiones como la libertad individual, las decisiones colectivas y aquello que una sociedad termina aceptando como inevitable.

El videoclip también incorpora una reivindicación del vínculo con la naturaleza y lo ancestral, como una forma de contraponer esos elementos al ritmo y al ruido de la vida cotidiana.

El lanzamiento encuentra a Imaginaria y Los Camellos Sedientos del Sur Entrerriano en una etapa de producción y actividad, con nuevas canciones, trabajos audiovisuales y presentaciones en vivo.

La banda nació en Gualeguaychú a comienzos de los años 2000 y construyó su trayectoria dentro de la escena independiente a partir de la autogestión, la producción de canciones propias y una identidad fuertemente vinculada con el rock y la cultura entrerriana.

En 2014 publicó de manera independiente Sonido Calavera, material que fue presentado ante una sala llena en los galpones del Corsódromo de Gualeguaychú.

Desde entonces, el grupo recorrió escenarios de la región y distintas ciudades del país, además de participar en festivales y compartir escenarios con referentes del rock nacional.

En mayo de 2026, la banda volvió a encontrarse en un escenario con La Renga, en Espacio Astra de Gualeguaychú. Fue la segunda oportunidad en que ambas agrupaciones compartieron escenario.

Con “El Ritual”, Imaginaria y Los Camellos Sedientos del Sur Entrerriano continúa una trayectoria marcada por la canción propia y la independencia artística.

El nuevo material utiliza una experiencia que atravesó a millones de personas como punto de partida para formular preguntas sobre la sociedad, la libertad, la autonomía y las decisiones colectivas.

Más allá de las respuestas, la banda apuesta a que la música funcione como espacio para plantear esas preguntas y, en sus propias palabras, para “decir aquello que necesita ser dicho”.

Crece la expectativa en la región tras confirmarse de manera oficial la grilla de artistas y los detalles de una nueva edición del Crespo Rock 2026. El evento, que se consolidó como una cita infaltable para los amantes del género, se desarrollará a lo largo de dos jornadas consecutivas el viernes 13 y sábado 14 de noviembre.

La sede elegida para el reencuentro será el Predio del Club Infantil del Club Sarmiento, ubicado en la intersección de calles French y Los Reseros, un espacio al aire libre donde además de la propuesta musical habrá puestos de comida y feria de artesanías.

La grilla reúne a artistas de rock locales, regionales y desde Buenos Aires que les pondrán sonido a ambas jornadas. Bravos Muchachitos, tributo a Los Redondos tocarán el viernes y Rompiendo Espejos tributo a Callejeros el sábado, la grilla por día del resto de las bandas se confirmará en los próximos días.

Los artistas confirmados son:

Los tickets ya se encuentran a la venta a través de la plataforma digital Ticketway. La organización dispuso precios diferenciales para quienes deseen asistir a una sola jornada o adquirir el pase completo para todo el fin de semana:

Con una mirada inclusiva y solidaria, los menores de hasta 15 años inclusive ingresarán de manera gratuita, con el único requisito de presentar un alimento no perecedero en el acceso al predio.

Atractivos: Puestos gastronómicos y espacio de artesanos.

Jugar con las redes sociales a veces puede derivar en ideas originales y propuestas creativas. Una propuesta que tuvo el resultado del registro de veintiún canciones quedando pendiente una larga lista.

En la previa del receso escolar, "El Profe" Esteban Albornoz pensó que una manera de compartir su pasión por la música podía ser confeccionar una lista de temas junto a sus seguidores. La respuesta fue inmediata: recibió una gran cantidad de sugerencias, a las que respondió con cuidadas interpretaciones.

"En principio, charlando con mi hermana, pensamos de qué manera poder cantar las canciones y pensé que iba a hacerlo solo. Después dije: ¿cómo no compartir esta idea con otros músicos? Y así lo fui haciendo, sumando amigos y amigas a esta propuesta, que se fue enriqueciendo", describió.

Destacó que fue a la casa de quienes aceptaron participar de la iniciativa. "En algunos casos ensayamos dos o tres veces y grabamos enseguida. Prácticamente con la cabeza en blanco, tocamos y dejamos el registro rapidísimo", comentó.

Reveló que, en un comienzo, tenía pensado registrar quince elegidas entre las sugeridas. Sin embargo, recibió más de cincuenta pedidos. "Tuve que elegir y quedarme con un total de veinte, que quedaron registradas en mi cuenta de Instagram y en otras redes", aseguró.

El pasado sábado 1° de Agosto, se realizó la presentación del trabajo en la Asociación Cultural Victoria, “Covers de invierno” con algunos de los músicos convocados inicialmente y otros artistas que se sumaron a la experiencia. De esta manera, la idea tuvo su cierre como primera parte de un ciclo de canciones que promete dar continuidad.

“En general de la propuesta participaron compañeros con quienes comparte un proyecto musical, como Daniel Gómez, Gonzalo Ripari y Emilio Otero. Además de otros artistas y amigos, Ana Bejariel, Maiu López, Sofía Alegre, Ángel Osuna, Lorena Martínez, Karen Bustafán, Ávila, Vicky Capa, Franco Giaquinto, Ailín Folguera, Silvio Pereira y Marcos Pereira, entre otros”.

El proyecto entre otras bellas canciones, fueron pasando Zamba para olvidarte (Daniel Toro); Barro Tal vez (Spinetta); De Enero a enero (Rodrigo); Corazón Partío (A. Sanz); Loco de amor (Valentino Merlo); Taipero Poriahu (Pocho Roch – Antonio Tarragó Ros); Nunca lo Olvides (Airbag); Te vi venir (Sin Bandera); Posadeña Linda (Ramón Ayala);Perfume de Carnaval (Peteco Carabajal); El día que me quieras (Carlos Gardel); La Pucha con el hombre (Raúl Trullenhque – Cuti Carabajal); Creo en tí (Reik); Himno Nacional Argentino; Zona de Promesas (G.Cerati); Zamba de Lozano (Cuchi Leguizamón); Victoria Mi Ciudad (Leopoldo Díaz Vélez); Carta Urgente (Abel Pinto); La Luna en tu pelo (Oscar Valles).

"Fueron canciones de distintos géneros. A mí me gusta un poco de todo. Si bien tenemos un proyecto de música del litoral junto a Daniel Gómez, Emilio Otero y Gonzalo Ripari, también disfruto interpretar otros estilos, y por eso llevamos adelante esta idea", concluyó.

Lo que comenzó como una iniciativa individual terminó convirtiéndose en una linda experiencia colectiva que al parecer tendrá continuidad con otro ciclo que promete colectivizar.

El vocalista de Despiértame, , pasó por los estudios de Tanto de Todo durante la visita de la banda a Crespo y habló sobre el presente del grupo, sus primeros pasos, la combinación de géneros y los proyectos que se vienen.

Despiértame es una banda oriunda de Buenos Aires que lleva aproximadamente un año y medio de recorrido y que, según explicó Aguirre, busca partir del rock pero mantener una propuesta abierta a diferentes estilos.

“Somos una banda de rock que trata de mantener el estilo, pero también se habla de distintos géneros”, explicó el cantante, quien además contó que su vínculo con la música comenzó desde otro lugar: el folklore y la cumbia.

Para Aguirre, formar parte de Despiértame significó también asumir un desafío personal. “Vengo de un palo de folklore, en mi nicho hacía cumbia, eventos, cumpleaños y todo eso. Cuando me llega la propuesta me dicen rock y era un género que quizás no tenía mucho, pero dije sí, vamos a darle para adelante”, relató.

Uno de los aspectos que atraviesa el presente de Despiértame es la búsqueda de cruces musicales. En ese camino surgió una colaboración con Raly Barrionuevo, a partir de una canción propia de la banda que terminó tomando la forma de una chacarera doble.

Según contó Aguirre, la canción nació a partir de dos estrofas que llevó Sebastián Prote, guitarrista de la banda. La propuesta llegó hasta Barrionuevo, quien se mostró interesado en participar y aportó voces, bombos y elementos musicales para definir el formato definitivo.

“Fue todo muy rápido. Cuando confirma que se iba a dar, enseguida pusimos en marcha. La terminamos en una semana”, contó el vocalista.

La experiencia tuvo además un significado especial para Aguirre por su propia historia musical. “Para mí, que vengo de la raíz folclórica, que Raly te diga para hacer una colaboración era... hay que darle para adelante enseguida”, sostuvo.

La banda también tiene prevista una colaboración con Walter Meza, de Horcas, y Aguirre adelantó que habrá más cruces con artistas de diferentes géneros.

“La variedad de estilos te va a sorprender porque seguramente haya colaboraciones con gente de otro género también”, anticipó.

Durante la entrevista también hubo tiempo para hablar sobre una escena musical en la que los límites entre géneros parecen ser cada vez más difusos.

Aguirre destacó que actualmente existe una mayor apertura y que artistas provenientes del rock, el folklore, el trap o el rap pueden compartir proyectos.

“Hay un mestizaje muy lindo que surge de esas colaboraciones”, señaló.

En ese sentido, también mencionó algunos nombres con los que le gustaría compartir una canción o escenario en el futuro, entre ellos La Renga y Airbag.

“Soñar no cuesta nada”, dijo entre risas al hablar de los posibles proyectos que imagina para Despiértame.

La banda continúa trabajando en nuevas composiciones y tiene previsto el lanzamiento de material en las próximas semanas. Aguirre adelantó que “Que Sin Tú” será una de las próximas canciones en llegar a las plataformas, junto con otros temas como “Noches Infinitas” y “Tu Peor Mejor Amigo”.

“Seguimos componiendo, que en realidad el viaje este era también como para darle un poco esa energía a querer componer más y ver para dónde vamos a ir”, explicó.

Despiértame se encuentra además en plena agenda de presentaciones y actividades de prensa, con próximas fechas en distintos puntos de la provincia de Buenos Aires.

El paso por Crespo formó parte de esa recorrida y permitió conocer de cerca a una banda que, pese a su corto recorrido, ya apuesta por ampliar sus horizontes musicales y cruzar el rock con otras expresiones de la música argentina.

La entrevista completa con Maximiliano Aguirre se realizó en Tanto de Todo, donde además interpretó en vivo canciones de Despiértame y compartió detalles del presente y futuro del proyecto.