Ante una gran convocatoria, Don Osvaldo volvió a presentarse en Santa Fe este sábado por la noche en la Estación Belgrano. La banda encabezada por Patricio Santos Fontanet ofreció un show cargado de clásicos, emoción, homenajes y mensajes sociales, en una jornada marcada por la lluvia, la espera y el fervor de miles de seguidores llegados desde distintos puntos del país.

La noche del sábado en Santa Fe no fue una más. Fue de esas que se sienten en la piel. Porque el regreso de Don Osvaldo tenía ese condimento especial: reencuentro, historia y una mística que no se fabrica. Esas bandas de barrio que un día crecieron y se metieron en el gen popular. Canciones que fueron parte del cancionero de estadios y heridas abiertas canalizadas por la música.

La previa ya venía cargada desde temprano. Banderas y trapos de distintos rincones del país, el Bv. Gálvez tomado por grupos que copaban la vereda con cerveza, vino, mates y canciones que nunca se fueron. La llovizna insistente no espantó a nadie; al contrario, le sumó ese aire épico que el rock sabe capitalizar. Hasta que el cielo se vino abajo en serio. Lluvia torrencial, corrida general y el ingreso apurado a la Estación Belgrano. Ahí se terminó la previa. Ahí empezó otra cosa.

Adentro, la espera se cortó de golpe cuando las pantallas encendieron con la imagen de Diego Armando Maradona y “Alma” abrió la noche. De ahí en más, un torbellino de canciones. Patricio Santos Fontanet se adueñó del escenario con naturalidad, y el ida y vuelta con la gente fue constante, como si no hubiese pasado el tiempo.

El setlist fue directo al hueso: temas de Don Osvaldo que ya se ganaron su lugar, como Políticamente Correcto, Mis Latidos, Rotos y Descosidos y Vaivén, mezclados con una catarata de clásicos que siguen siendo bandera. Una Nueva Noche Fría, Rompiendo Espejos, Prohibido, Ilusión y 9 de Julio se cantaron a todo pulmón.

También hubo momentos de pausa y memoria. El recuerdo de Cromañón volvió a estar presente en las palabras del Pato y en el lema “No olvidar, siempre resistir”, que bajó desde el escenario y fue abrazado por el público. En las pantallas también aparecieron mensajes con fuerte contenido social y político, como “Ningún pibe nace chorro” y “Y no morir de sed”, acompañado por el pedido de cuidar los glaciares.

Los pasajes acústicos con Un Lugar Perfecto y Sed bajaron un cambio sin perder intensidad. Después llegaron los guiños ricoteros, los riffs reconocibles y otra vez la euforia total.

El cierre encontró a todos en la misma sintonía: mojados, transpirados, afónicos, pero con esa sensación de haber sido parte de algo más grande que un recital.

“Verte y festejar también que aún me queda pureza sin tristezas en mi corazón”, sonó en el final con Suerte. Y ahí quedó resumido todo: una catarsis colectiva que se vive arriba y abajo del escenario.

La propuesta combina música en vivo, danza y diversas expresiones artísticas, en una apuesta que busca fortalecer la identidad cultural y generar un espacio de encuentro.

Proyecto Nativos está integrado por músicos de la ciudad que vienen consolidando un repertorio propio y versiones de grandes clásicos. La formación incluye a Cacho Quesada en guitarra, Erika Aab y Nicolás Zárate en voces, Javier Wagner en teclado, Walter Hetze en acordeón, Orlando Dabin en bajo y Iván Quesada en batería.

El espectáculo contará además con el trabajo técnico de Lucho Motalli como ingeniero de sonido, junto al aporte de Manuel Rey.

La noche no será solo musical. La propuesta se enriquecerá con la participación de Milena Weiss y Bettina Bootz, quienes presentarán una intervención de danza contemporánea.

También se suman distintos colaboradores que aportan desde otras disciplinas: Cristian Emmanuel en arreglos de percusión, Emiliano Retamar en registro fotográfico, Hugo Seri en caricatura en vivo y Carlson Ezequiel en conducción.

La puesta en escena y el arte visual estarán a cargo de Tato Ferrer y Gloria Albornoz.

Desde la organización destacaron que se trata de una propuesta pensada para todo público, con el objetivo de acercar la música y el arte a la comunidad en un ambiente accesible y familiar.

Con una combinación de rock clásico, expresiones artísticas y talento local, Proyecto Nativos promete una noche distinta en el Salón Municipal, donde la cultura será el punto de encuentro.

En febrero de 1981, cuando la Argentina todavía no formaba parte del circuito habitual de las grandes giras internacionales, cuatro músicos británicos aterrizaron en Ezeiza y alteraron para siempre la escala de los espectáculos en el país. La visita de Queen quedó grabada como un hito fundacional del rock en estadios.

A 45 años de aquellos conciertos, el libro Queen en Argentina 1981. La historia jamás contada, de Iván Petracchi y Lucas Pan, propone volver sobre esos días desde un ángulo inédito.

Con 144 páginas y acceso a archivos privados, testimonios directos y piezas de colección nunca antes exhibidas, la investigación se aparta del recuento de cifras ya conocidas —los cinco shows, las 300 mil personas convocadas, los tres aviones y dos barcos que transportaron equipos— para adentrarse en la intimidad de la gira.

El desembarco del grupo integrado por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon marcó un punto de quiebre: fue la primera vez que un supergrupo actuó en estadios de fútbol en la Argentina, replicando el despliegue técnico que utilizaba en Estados Unidos y Europa mientras presentaba los discos The Game y Flash Gordon.

Tres de los conciertos tuvieron lugar en el estadio de Club Atlético Vélez Sarsfield, uno en el estadio José María Minella de Mar del Plata y otro en el estadio de Rosario Central. Sin embargo, el foco del libro no está puesto en el récord de público sino en lo que ocurrió fuera del escenario.

“Historias exclusivas, conversaciones detrás de escena y encuentros inesperados narrados por primera vez por quienes estuvieron ahí”, anticipan los autores. El relato reconstruye el día a día de la banda en el país: los autos que los trasladaron, los restaurantes donde probaron sabores locales y los paseos que, por momentos, los alejaron de la lógica del rock internacional.

El volumen suma además un archivo fotográfico excepcional y memorabilia conservada durante décadas en colecciones privadas. Parte de ese material, según se anuncia, integrará una exhibición internacional que iniciará su recorrido en 2026.

Iván Petracchi, administrador de empresas egresado de la UBA, pianista y productor de eventos vinculados al legado de Queen, integra un círculo internacional de coleccionistas que le permitió acceder a documentación inédita y testimonios del entorno íntimo del grupo.

Lucas Pan, abogado e investigador, es un meticuloso coleccionista de vinilos, tickets, autógrafos y objetos relacionados tanto con la banda como con la carrera solista de Roger Taylor.

La publicación cuenta además con palabras de referentes del universo fan. “Los fans amamos las anécdotas sobre Freddie, Brian, Roger y John”, señala Daisy May Queen en uno de los textos incluidos. El DJ Bebe Sanzo, por su parte, afirma que la historia de “ese romance” entre la banda y el público argentino “merecía ser contada”.

A más de cuatro décadas de aquella gira que redefinió la producción de espectáculos masivos en el país, el libro invita a responder una pregunta persistente: qué ocurrió cuando se apagaron las luces. Entre anécdotas reveladoras y un registro visual único, la obra se presenta como un documento clave para comprender por qué, después de 1981, la historia del rock en la Argentina ya no fue la misma.

Con su música, el grupo transformó la noche en un verdadero abrazo del litoral: acordes de acordeón, guitarras vibrantes, glosas sentidas y la energía de un público que no dejó de aplaudir ni de lanzar sapucai hasta la madrugada del lunes.

Al frente del conjunto, como desde hace 39 años, estuvo Luciano Morinico, referente y guardián del chamamé del monte. A su lado, el bajo de Luciano “Chano” Morinico, las guitarras de Malena Sirac y Fernando Antón, y el acordeón de Antonio Flores completaron una formación que combina tradición, talento y la cercanía de quienes crecieron entre caminos de tierra y música litoraleña.

Desde su debut en 1988 —también en el Festival de Federal— Nuevo Itatí ha construido una historia marcada por el esfuerzo familiar y la pasión por la música. Hijos, hermanos y amigos se fueron sumando con el paso de los años, dejando su impronta en un proyecto colectivo que mantiene intactas sus raíces rurales.

El conjunto también fue protagonista del surgimiento del Festival del Gurí Campero en 2018, iniciativa que fortaleció el vínculo con la comunidad y reafirmó su compromiso con la identidad cultural entrerriana.

“El aplauso y el sapucai del público nos llenó el alma”, expresó Luciano Morinico tras la presentación, aún emocionado por la respuesta del público federalense.

A lo largo de su trayectoria, el grupo ha llevado el chamamé a escenarios de todo el país, incluyendo el tradicional Festival de Jesús María en Córdoba, donde también dejó su sello litoraleño.

Con una agenda cargada de festivales, grabaciones y nuevas presentaciones, Nuevo Itatí continúa consolidando su camino artístico. Humilde, familiar y fiel al chamamé del monte, el conjunto se ha convertido en un puente entre la tierra de Lucas Norte y cada rincón donde su música suena.

Más que un grupo musical, Nuevo Itatí representa una identidad compartida: la del litoral que canta, baila y celebra sus raíces. En Federal, una vez más, quedó demostrado que el chamamé no solo se escucha; se vive, se siente y se grita en cada sapucai que atraviesa la noche.

Este viernes desde las 20 horas se llevará a cabo en la explanada del Puerto de Colon el festival musical “Ritmos Argentinos”, una propuesta cultural con entrada libre y gratuita que reunirá a artistas locales y emergentes.

La iniciativa es organizada de manera conjunta por la Secretaria de Cultura de la Nacion Argentina, la Secretaria de Cultura de Entre Rios y la Municipalidad de Colon, en el marco de un programa con perspectiva federal que busca fortalecer la circulación artística en distintas regiones del país.

Sobre el escenario se presentarán Pajarito Silvestri, La Big Band, Factor Fun y Suma Paciencia, ofreciendo una variedad de estilos que recorrerán distintos géneros de la música argentina.

Además, el encuentro contará con una suelta de libros organizada por la Comision Nacional de Bibliotecas Populares (CONABIP), sumando una propuesta literaria a la jornada y promoviendo el acceso a la lectura en el espacio público.

“Ritmos Argentinos” se plantea como un espacio para visibilizar y acompañar a músicos emergentes, generando escenarios de encuentro entre artistas y comunidades locales.

Tras su paso por Colón, el escenario móvil continuará su recorrido este sábado 21 de febrero, también desde las 20 horas, en el Parque Paseo del Ferrocarril de General Galarza.

En esa localidad se presentarán Nahuel Borrá, La Sin Nombre, Híbridos y Karel Fleites y la Nave del Regreso, con entrada libre y gratuita.

De esta manera, la propuesta reafirma su carácter itinerante y federal, llevando música en vivo y actividades culturales a distintos puntos de la provincia.

La fecha programada para poder escuchar la propuesta es a partir del 20 de febrero de 2026. El material estará disponible en plataformas digitales como Spotify, YouTube, Deezer y Apple Music, entre otras. La distribución fue posible a través de la Agregadora de Música Argentina (AMA) del Instituto Nacional de la Música (INAMU), herramienta que impulsa la difusión de producciones independientes en todo el país.

“Identidad” está conformado por seis canciones que fusionan relatos vinculados a la identidad charrúa y a otros pueblos originarios. La obra incorpora en su canto profundas palabras del idioma charrúa y del castellano, poniendo el foco en la memoria cultural y en la defensa de los derechos humanos y ambientales.

La propuesta artística aborda la asunción de la identidad como un acto consciente y transformador, que pone en relieve el fuerte vínculo con el territorio y las diversas formas de vida. Desde una mirada ancestral, invita a la reflexión y a la toma de conciencia colectiva.

Misión Camila está integrado por Andrea Barreto en voz y percusión y Héctor Santomil en guitarra y segunda voz. El dúo existe como tal desde el año 2003 y ha desarrollado una intensa actividad artística.

A lo largo de su trayectoria se han presentado en numerosas oportunidades en Villaguay y en distintas localidades de Entre Ríos. También han llevado su música a otras provincias como Buenos Aires, Mendoza, Córdoba, Misiones, Chaco y Santa Fe, además de presentarse internacionalmente en la República Oriental del Uruguay.

El proyecto propone un repertorio de canciones propias que surgen del compromiso con su comunidad, su historia y su identidad indígena. Su búsqueda artística transcurre en el abordaje de temáticas y expresiones con profunda raigambre ancestral, procurando expandir las sonoridades propuestas como parte esencial e insustituible de su identidad.

La ciudad de Crespo se prepara para recibir un espectáculo musical de gran magnitud y carácter integral. El domingo 8 de febrero, desde las 20:00, el Anfiteatro del Lago será escenario de “Pinceladas de Rock: Volumen I, II, III y del Recuerdo”, una propuesta sinfónica coral de 90 minutos de duración que ha recorrido gran parte de la provincia de Entre Ríos con notable convocatoria.

La actividad será gratuita y abierta a toda la comunidad, y es organizada por la Municipalidad de Crespo, en el marco de su agenda cultural de verano. El espectáculo ya se presentó en diversas localidades entrerrianas y también en el Centro Provincial de Convenciones de Paraná, donde cada función contó con una multitud de espectadores que ovacionaron el repertorio.

La propuesta artística se desarrolla en formato sinfónico coral, combinando coro mixto, solista, banda y orquesta sinfónica. La obra está compuesta por fragmentos emblemáticos del rock nacional argentino y reúne algunas de las melodías más representativas de los últimos 40 años. La puesta en escena integra 110 voces y 56 músicos, conformando un despliegue sonoro y visual de alto impacto.

El proyecto nació a mediados de 2022 y articula el trabajo de distintos organismos artísticos de la provincia. En esta presentación participarán la Orquesta Sinfónica Municipal de Crespo, el Coro Municipal del Centenario de Crespo, el Coro Municipal de Viale, el Coro de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Nacional de Entre Ríos (UNER) y el Coro Municipal de María Grande. El solista vocal será Francisco Scotta, mientras que la dirección general estará a cargo del maestro Eduardo Retamar.

Con esta presentación, Crespo suma a su agenda cultural un espectáculo de jerarquía provincial, que combina la potencia del rock argentino con la riqueza expresiva del formato sinfónico coral. La propuesta invita a vecinos y visitantes a disfrutar de una noche única de música al aire libre, en un espacio emblemático de la ciudad y con entrada libre.

Una muy buena noticia para la música entrerriana se confirmó en el marco de la novena luna del Festival Nacional de Folklore de Cosquín 2026. El músico Juan Manuel Bilat fue reconocido como Destacado en Espectáculos Callejeros, una distinción que le permitirá integrar la grilla oficial del festival en 2027 y presentarse en el escenario mayor Atahualpa Yupanqui.

La información fue confirmada a partir de testimonios de numerosos entrerrianos presentes en la ciudad de Cosquín, quienes siguen de cerca cada instancia del festival y el desempeño de los artistas en los escenarios alternativos que rodean la Plaza Próspero Molina, epicentro del encuentro folklórico más importante del país.

El reconocimiento fue ratificado oficialmente en diálogo con el periodista Manuel Lazo, quien encabeza una transmisión radial especial desde Cosquín para la audiencia de LT9 Santa Fe. “Esto le permite a Juan Manuel formar parte de la grilla para el año 2027 y estar presente en el escenario Atahualpa Yupanqui”, señaló Lazo, subrayando la relevancia del logro.

La distinción obtenida por Bilat representa un paso clave en su proyección artística, ya que el certamen de Espectáculos Callejeros funciona históricamente como una plataforma de visibilización para nuevos talentos del folklore argentino. A lo largo de los años, numerosos artistas que comenzaron su recorrido en estos espacios alternativos lograron luego acceder al escenario mayor del festival.

De esta manera, Juan Manuel Bilat se suma a la lista de músicos que, desde las calles y peñas de Cosquín, consiguen dar el salto al corazón mismo del festival, llevando la música entrerriana al escenario más emblemático del folklore nacional y proyectándola a todo el país.

La Fiesta Nacional de la Playa del Río en Concepción del Uruguay tuvo el pasado miércoles una apertura cargada de emoción, inclusión y música, con la presentación de Cumbia Down, una banda local integrada por personas con Síndrome de Down que desde 2017 viene demostrando que la música puede ser un verdadero puente de integración, creatividad y expresión.

El grupo nació por iniciativa de Juan Manuel Delsart, alumno del taller de música de la Asociación Síndrome de Down de Concepción del Uruguay (ASDCU), bajo la guía de la profesora Paola Delsart, quien acompañó el proyecto desde sus primeros pasos. Con el tiempo se sumó la docente Sofía Schaab, fortaleciendo el espacio de formación y proyección artística.

Desde sus inicios, Cumbia Down se definió como un espacio de participación activa, donde los propios integrantes —Cecilia Santa María, Macarena Davriux, Juan Manuel Delsart, Nicolás Legendre, Leandro Loker, Natanael Mercanzini, Jerónimo Sánchez, Facundo Verón, Leonidas Ruiz Díaz y Agustina Lugrin— toman decisiones sobre el repertorio, la vestimenta y los escenarios en los que desean presentarse, priorizando siempre la creatividad y la expresión personal.

Su primera actuación pública fue en 2017, en un evento organizado por la banda Ke Personajes a beneficio de comedores locales. Aquella experiencia, que implicó superar desafíos como el manejo del micrófono, el movimiento en el escenario y el contacto directo con el público, resultó un éxito y marcó el inicio de una trayectoria que los llevó a presentarse en distintos puntos del país, desde Buenos Aires hasta Entre Ríos y Córdoba.

Entre sus participaciones más destacadas se encuentran la intervención en la película Down para arriba, la bicicleada de la Escuela “Madre Teresa de Calcuta”, y festivales inclusivos como “Así Somos” en Chajarí y la Liga Nacional de Básquet Inclusivo en Capilla del Señor.

Durante la pandemia, el grupo continuó compartiendo su música de manera virtual y, tras el regreso a los escenarios en 2021, grabó un videoclip que consolidó su trabajo artístico. En 2022 participaron por primera vez en la Fiesta de la Playa del Río, afianzando su lugar en la escena cultural uruguayense. Desde entonces, mantienen una agenda activa en ferias, torneos deportivos inclusivos y festivales dedicados a la diversidad.

El taller no solo enseña canciones, sino también escucha, comunicación y expresión. Cada ensayo y cada actuación se convierten en espacios de aprendizaje y celebración. “La música es un ser vivo; cada obra musical tiene su propia vida. Para que revele la maravilla que lleva dentro, debe haber alguien que se detenga a contemplarla”, reflexiona la profesora Paola Delsart, sintetizando el espíritu del proyecto.

Esta semana, al presentarse como banda telonera de Pim Pau y Diego Topa, Cumbia Down volvió a confirmar que la música es un vehículo de alegría, superación e inclusión. Cada nota sonó como un mensaje claro: los límites están para ser desafiados y la creatividad merece siempre un escenario.

La vicegobernadora de Entre Ríos, Alicia Aluani, encabezó este lunes la presentación oficial de la 37ª Fiesta Provincial de la Guitarra, que tendrá lugar en la ciudad de Nogoyá los días sábado 3 y domingo 4 de enero de 2026. El acto se desarrolló en la sala del Museo de Casa de Gobierno, organismo dependiente de la Secretaría de Cultura de la provincia.

En la oportunidad, Aluani —a cargo del Poder Ejecutivo Provincial— estuvo acompañada por la directora general de Programas y Promoción Cultural de Entre Ríos, Natalia Prado; el intendente de Nogoyá, Bernardo Schneider; el senador departamental, Rafael Cavagna; el presidente del Instituto Autárquico de Planeamiento y Vivienda (IAPV), Manuel Schönhals; y la coordinadora de Cultura, Turismo y Educación del municipio, Karina Clementín. El encuentro contó además con la presentación artística de la payadora nogoyaense Brisa Ferreyra Weber.

Durante el diálogo con la prensa, la vicegobernadora agradeció la presencia de los medios y la difusión del evento, y subrayó la relevancia cultural de la celebración. “Esta fiesta ya es parte de la tradición de nuestra provincia. Se lleva a cabo con mucho esfuerzo y organización, con el objetivo que tenemos en común los nogoyaenses, que es promocionar todo lo que es parte de nuestra historia y de nuestras raíces”, expresó.

En ese sentido, Aluani destacó el valor simbólico del instrumento que da nombre al festival: “La guitarra no es solamente un instrumento, es la voz de nuestra historia. En ella se ve representada y expuesta toda la historia de Nogoyá y de los luthiers”. Asimismo, remarcó el acompañamiento del gobierno provincial a este tipo de iniciativas: “Apoyamos estos eventos porque forman parte de la tradición y la cultura, y además fortalecen la economía local, provincial y regional”.

Por su parte, la directora general de Programas y Promoción Cultural, Natalia Prado, señaló que con esta presentación se está “dando inicio al calendario de fiestas provinciales”, y resaltó “el compromiso del gobierno provincial de promocionar y difundir cada uno de los eventos culturales de nuestra provincia”.

A su turno, el intendente de Nogoyá, Bernardo Schneider, manifestó que la Fiesta Provincial de la Guitarra “nos llena de orgullo a los nogoyaenses”. Además, brindó precisiones sobre la organización del evento: “Está dirigida a toda la familia, con entrada libre y gratuita. Habrá grandes talentos y músicos que nos van a estar acompañando en el predio del ferrocarril, un lugar cómodo y con el cálido recibimiento de nuestra ciudad”.

La 37ª edición de la Fiesta Provincial de la Guitarra se realizará los días 3 y 4 de enero de 2026 en el predio del Ferrocarril de Nogoyá, con entrada libre y gratuita. El evento contará con la participación de destacados artistas locales y regionales, además de la tradicional elección de la Embajadora de la Fiesta.

Con una propuesta cultural y artística de gran relevancia, la Fiesta Provincial de la Guitarra se consolida una vez más como uno de los encuentros más representativos del verano entrerriano, celebrando la música, la identidad y las tradiciones de Nogoyá y la región.

Crespo- La canción titulada “Me fui a Crespo”, dedicada a la “Capital Nacional de la Avicultura”, es parte del nuevo disco, 12º de la trayectoria musical del músico mariagrandense Diego Mait.

El destacado artista explicó que “tengo muchas canciones dedicadas a nuestra provincia y a localidades de la región y en esta oportunidad escribí para Crespo. En realidad, la tenía escrita hace ya un tiempo, pero finalmente ahora la presenté”.

Destacó que “Para armar la letra lo seleccionado corresponde a varias cuestiones, desde lo que se puede encontrar en Internet, pero fundamentalmente lo que uno puede obtener en cada viaje, cada momento de estar en esa ciudad, los mismos relatos de la gente, de los vecinos, que es lo más valioso”.

Varias veces durante el año Mait visitó la ciudad, presentando su show en lugares como Rapsodia y Newland, además de eventos sociales adonde lo convocaron. El músico tiene una extensa carrera, habiendo lanzado 11 discos con canciones de su autoría. Su música está disponible en plataformas como Spotify y Apple Music.

Además de su faceta como intérprete y compositor, es profesor de guitarra, órgano electrónico y ukelele, dedicándose a la formación de músicos en la región.  También es conductor del programa de radio “La Puerta de al Lado”.

Ha sido reconocido por su trayectoria musical en la zona y sus canciones han tenido difusión a nivel provincial y nacional. Es amante del rock nacional y su música refleja esta influencia.

De camisa a cuadros

jeans y mocasín

entré al tranco largo

entonau diría que si

La banda en el escenario

sonaba sin igual

al mejor paruzqui

lo toca un alemán

Ya posteé una foto

y dos mensajes mandé

en el baño me mojé el pelo

y reforcé el gel

Hasta las propagandas

me voy a bailar

cómo dijo Johnny

estás para ganar

Me fui a Crespo a una fiesta

para bailar hasta que amanezca

Yo sabía que el Gringo Heinze

era de esa ciudad

Capital de la avicultura

a cuarenta y dos kilómetros de Paraná

Que en 1888

fue su fundación

y con toda esa data

entré en conversación

Bailando toda la noche

hasta que salió el sol

me pasé una fresca

un choripán y dos pirok

Ya me vuelvo al pago

pensando en volver

otra joda como esta

no me la quiero perder

Me voy a Crespo a una fiesta

para bailar hasta que amanezca

Me fui a Crespo a una fiesta

y bailé hasta que amaneció

El Pre Federal no es solo un certamen, sino que representa el corazón de la cultura chamamecera entrerriana. Funciona como una etapa inicial diseñada para descubrir y potenciar a los nuevos talentos del género.

Del certamen, cuya primera edición se realizó en 1982, han surgido grandes exponentes de la música litoraleña que hoy son referentes para distintas generaciones como Alejandro Brittes, Javier Colli, Gualeguay Costa o Sangre Paiubrera, solo por mencionar algunos.

Para esta edición ya comenzaron distintas subsedes en Buenos Aires, Entre Ríos y Santa Fe, a las que se sumarán nuevas localidades durante enero. Entre ellas, la subsede Paraná, que se realizará el viernes 23 de enero, desde las 19 horas, con el apoyo y acompañamiento de la Secretaría de Cultura de la Provincia.

Los ganadores de Paraná obtendrán el pase directo para competir en la final del Certamen Nuevos Valores, junto a los distinguidos en las restantes subsedes. Esa etapa definitoria se realizará sobre el escenario Ernesto Montiel, en el marco del 51° Festival Nacional del Chamamé, que se llevará a cabo en Federal del 31 de enero al 8 de febrero.

"El Pre Federal es la puerta de entrada al escenario más importante del género. Es la oportunidad para que nuestros artistas emergentes muestren su talento y cómo el chamamé es una viva tradición en sus comunidades", destacan desde la organización.Inscripciones

Quienes quieran participar del Pre Federal, subsede Paraná, pueden inscribirse contactándose por WhatsApp al 3454415166 (Agustina). Allí, podrán acceder también al reglamento y las condiciones para participar.

- Fecha: 23 de enero de 2026.- Hora: 19:00 hs.- Lugar: La Vieja Usina (Gregoria Matorras 861, Paraná, Entre Ríos).

Conocido como la "Capital Nacional del Chamamé", Federal recibe cada año a miles de aficionados y figuras consagradas. Las instancias previas, como las ya realizadas con éxito en Quilmes, Concordia y Capitán Bermúdez, son fundamentales para fortalecer el tejido cultural de la región antes de la gran celebración final.El evento en La Vieja Usina promete ser una jornada de emoción, identidad y tradición, invitando a todos los vecinos de la capital provincial y alrededores a disfrutar de la antesala de la fiesta popular más grande del litoral.

En un emotivo acto realizado este martes 15 de diciembre en La Vieja Usina, en la ciudad de Paraná, se presentó oficialmente una nueva edición del Festival Nacional del Chamamé de Federal, que este año celebra sus 50 años de historia. La jornada contó con danza y música en vivo, con presentaciones de Litoral Mitá, Marcos Pereyra y Embajada del Festival, y tuvo como momento central la entrega del decreto que declara al evento Patrimonio Cultural Inmaterial de la provincia de Entre Ríos.

La distinción fue otorgada por la Secretaría de Cultura de Entre Ríos, en nombre del Gobierno provincial, como reconocimiento al valor histórico, artístico y social del Festival. En el mismo acto, también se entregó una declaratoria de Patrimonio Histórico Arquitectónico a la Ex Estación del Ferrocarril de Federal, uno de los espacios emblemáticos de la ciudad.

El secretario de Cultura de Entre Ríos, Julián Stoppello, destacó la importancia del Festival y señaló: “El Festival de Chamamé es un orgullo entrerriano que tiene que ver con nuestra identidad y con generar trabajo y escenario para nuestros artistas. Estamos muy contentos de acompañarlos, representando al Gobierno provincial, al gobernador Rogelio Frigerio y al ministro de Gobierno y Trabajo, Manuel Troncoso”.

Por su parte, la intendenta de Federal, Alicia Oviedo, remarcó el impacto cultural y turístico del evento al afirmar que se trata de “un hecho cultural extraordinario que convoca a miles de turistas y donde se encuentran vecinos y personas del país y otros países”.

En tanto, el secretario de Cultura, Turismo y Deportes de Federal, Flavio Márquez, agradeció el acompañamiento de la Secretaría de Cultura provincial e invitó a la comunidad a participar de la celebración. Además, informó que todos los detalles sobre el cronograma, la grilla artística y los alojamientos se encuentran disponibles en las redes oficiales @federalchamamé.

La presentación fue conducida por Soledad Castañares, mientras que Santiago Miguel Rinaldi, voz histórica del Festival, estuvo a cargo de la locución.

El Festival Nacional del Chamamé se desarrollará en la ciudad de Federal del 31 de enero al 8 de febrero, y contará con la participación de destacados referentes del género. Entre los artistas confirmados se encuentran Antonio Tarragó Ros, Monchito Merlo, Miguel Figueroa, Francisco Cuestas, Celeste Figueroa, María Luz Erázun, Los Bofill, Camacho’s, Juan Carlos Mansilla (fundador del Conjunto Ivotí), Quinteto Cocomarola, Amandayé, Juan Manuel Silveyra, Mateo Villalba, Trébol de Ases, Florencia de Pompert, Espuelas de Plata y Sofía Morales, además de numerosos grupos de danzas y artistas invitados.

Bajo el lema “50 años de historia”, el Festival ofrecerá bailantas diurnas y nocturnas, peñas y noches centrales, en una programación que reafirma al chamamé como una expresión cultural viva y profundamente arraigada en la identidad del litoral. La organización está a cargo de la Comisión Central del Festival Nacional del Chamamé.

El 2025 fue un año decisivo para la música en Argentina. Ya no se trató solo de canciones sueltas que dominan listas de reproducción: el público comenzó a elegir álbumes que cuentan historias, proyectos concebidos como universos propios donde cada track ocupa un lugar narrativo y emocional. Fue el año en que los discos conceptuales recuperaron centralidad y en el que los oyentes demostraron que buscan experiencias que trasciendan la inmediatez del streaming.

Este fenómeno también transformó la relación entre artistas y fans. Los álbumes pensados como relatos completos fortalecieron el vínculo con el público, que llega a los shows entendiendo la estética, los símbolos y las emociones detrás de cada proyecto. Así, se integró más que nunca la escucha digital con la experiencia en vivo.

En este escenario, el artista más escuchado del país volvió a ser Bad Bunny, cuyo álbum “DeBÍ TiRAR MáS FOToS” se posicionó como el disco con mayor cantidad de reproducciones en Argentina en 2025.

La obra mezcla ritmos de raíz boricua —salsa, merengue, fusiones latinas— con letras que recorren la memoria, el amor, la nostalgia y la transformación personal. El puertorriqueño volvió a demostrar su habilidad para convertir vivencias propias en emociones colectivas, logrando una conexión especialmente fuerte con el público argentino.

Entre los lanzamientos nacionales, uno de los más celebrados fue “La Vida Era Más Corta”, de Milo j, un álbum introspectivo que combina sensibilidad urbana, ansiedad generacional y guiños al folklore argentino.

El impacto del joven artista tiene cifras concretas: actualmente, 1 de cada 3 oyentes de folklore en Argentina tiene menos de 30 años, un indicador claro de cómo Milo abrió una puerta entre la tradición y las nuevas audiencias.

Otra de las grandes irrupciones del año fue “Latinaje”, el proyecto más arriesgado de Cazzu hasta ahora. La artista jujeña fusionó tango, cumbia, salsa y bolero en un trabajo que marcó una nueva etapa en su carrera. Desde su lanzamiento, el álbum registró un aumento del 30% en sus escuchas dentro de Spotify, consolidando a “La Jefa” como una figura capaz de reinventarse sin perder coherencia ni autenticidad.

El protagonismo que tomaron los discos conceptuales confirma una tendencia clara: en un mundo dominado por la inmediatez, los oyentes argentinos siguen valorando los relatos profundos, la coherencia estética y las propuestas que invitan a entrar en un universo musical completo.

La escena musical de Villaguay suma un nuevo motivo de celebración con el lanzamiento de “Deja que fluya”, el segundo álbum de Tonga Udimar, proyecto encabezado por el músico villaguayense Gastón Álvarez. Disponible desde el 21 de noviembre en todas las plataformas, la obra reúne siete composiciones que exploran emociones, vínculos e instancias de introspección, con una impronta sonora que fusiona rock, reggae, folk y milonga.

El disco marca un paso firme en el crecimiento artístico de Álvarez y profundiza una búsqueda que ya había iniciado en su primer trabajo, La energía que te mueve (2024). En esta nueva entrega conviven letras sensibles, arreglos elaborados y una estética musical que amplía fronteras.

El álbum combina composiciones recientes con temas ya anticipados en vivo. Tres de las canciones fueron presentadas en la etapa de su primer disco, mientras que cuatro surgieron a lo largo de 2025, delineando una fase de renovación creativa.

Entre ellas se destacan:

Una de las piezas del disco fue compuesta en coautoría con Jeremías Rivera, quien también forma parte del equipo de músicos.

El sonido del álbum se construye a partir del aporte de un grupo de artistas que acompañan a Álvarez en esta nueva etapa:

El arte visual del disco y de las ilustraciones que acompañan los videos estuvo a cargo de Julio Marcelo “Tecunseh” Pérez, cuya impronta estética termina de redondear el universo conceptual de la obra.

Desde sus inicios adolescentes en bandas como Rock por Ahora, Migraña, Ni Se Si Son, Todo en Contra, Raymundo, Geppian y Udimar, Gastón Álvarez ha construido un recorrido musical marcado por la experimentación constante. Tonga Udimar se presenta hoy como una síntesis de esas influencias, pero también como un espacio de expansión en el que conviven lo íntimo, lo existencial y lo cotidiano.

Con Deja que fluya, Tonga Udimar reafirma su lugar en la música local y regional, ofreciendo un trabajo honesto, diverso y lleno de matices. El álbum invita a sumergirse en un viaje emocional y melódico que refleja el crecimiento artístico de su autor y su búsqueda por un sonido cada vez más propio.

Spotify volvió a sacudir el panorama digital con el lanzamiento de Wrapped 2025, que ya se posiciona como la edición más grande, rápida y participativa desde la creación de esta popular experiencia anual. En sus primeras 24 horas, Wrapped superó los 200 millones de usuarios activos, un incremento del 19% interanual, alcanzando esa cifra en menos de la mitad del tiempo que en 2024, cuando se necesitaron 62 horas para llegar al mismo hito.

La repercusión también se vio reflejada en la forma en que los usuarios compartieron sus resultados: en el primer día, se registraron más de 500 millones de historias, entre publicaciones nativas, capturas de pantalla y descargas, lo que representa un aumento del 41% respecto al año anterior.

Aunque el impacto fue global, los mercados con mayor impulso fueron India, Indonesia, Japón, Colombia, Tailandia y Estados Unidos, donde la participación creció con especial fuerza y contribuyó a la expansión récord de esta edición.

Marc Hazan, vicepresidente sénior de Marketing y Alianzas de Spotify, celebró el fenómeno describiéndolo como una mezcla de creatividad, identidad y conexión humana.

“Este año nos propusimos hacer Wrapped más grande, más audaz y mucho más conectado con la creatividad y la conexión humana. Ese espíritu impulsó los números récord que estamos celebrando. Spotify es el lugar donde las personas expresan con orgullo quiénes son a través de la música, podcasts y libros que más aman, y Wrapped es nuestro homenaje anual a esa identidad.”

Wrapped 2025 llegó acompañado de casi una docena de herramientas nuevas y actualizadas que permiten a los usuarios explorar su año desde ángulos más personales, sociales y creativos. Entre las funciones destacadas se encuentran:

Una estimación de la era musical con la que se alinean los gustos del usuario, ofreciendo una mirada temporal sobre sus preferencias.

Una dinámica que agrupa a cada usuario dentro de uno de seis estilos de escucha, creando comunidades globales basadas en hábitos compartidos.

Una novedad que convierte Wrapped en una experiencia competitiva y en vivo, diseñada para disfrutar entre amigos y agregar un componente social y lúdico a los datos del año.

Además, por primera vez Wrapped integra en profundidad los hábitos de podcasts y audiolibros, ampliando la mirada sobre la forma en que las personas consumen contenido dentro de la plataforma.

En la previa del show que brindará este jueves 4 de diciembre en Limbo Bar, Roberto Pettinato dialogó con Gonzalo Gadea Britos en el programa radial ‘Tanto de Todo’ que se emite por la señal de 93.7 Boing Crespo, y compartió una mezcla de entusiasmo, nostalgia y convicción sobre lo que significa mantener viva la música de Sumo desde adentro. Lejos de los tributos convencionales, su espectáculo “Sumo x Pettinato” propone un reencuentro con el espíritu directo, crudo y visceral de una banda que marcó un antes y un después en el rock nacional. “No me gusta vender humo, pero no se lo pueden perder”, afirmó desde el arranque, dejando en claro que lo suyo no apela a la imitación sino a la autenticidad.

Para Pettinato, la clave está en rescatar algo que muchas veces se perdió en la mitología alrededor del grupo: su esencia colectiva. Explicó que, aunque el recuerdo popular tiende a centrarlo todo en Luca Prodan, Sumo fue ante todo una banda sólida formada por personalidades fuertes como Ricardo Mollo, Diego Arnedo y el resto de la formación original. “Sumo no era un líder con músicos atrás; éramos tipos transpirando juntos”, señaló, reivindicando ese espíritu compartido.

Reconstruir ese espíritu después de tantas décadas no fue sencillo, y de hecho le llevó varios años formar una banda que pudiera acercarse a la intensidad original. Contó que el grupo que lo acompaña hoy está integrado por músicos correntinos, algo que surgió casi por azar durante un período en el que hacía fechas bajo la consigna “músicos de tu ciudad”. Con el tiempo, esa propuesta terminó consolidándose en la formación actual. “Es dificilísimo lograr el estilo directo y crudo de Sumo. Necesitás músicos que entiendan esa intensidad”, explicó, agregando que uno de los elogios más fuertes que recibió fue: “Cerré los ojos y escuché el espíritu de Sumo”.

Otro de los grandes desafíos fue decidir qué canción queda afuera. Para Pettinato, los tres discos de Sumo no tienen un solo tema descartable. “Sumo no tiene un solo tema de relleno. Los tres discos son una patada en la cabeza”, aseguró. Aun así, adelantó que la lista para esta fecha será “bien potente, con dos reggae y todo lo demás directo al mentón”, buscando equilibrar fidelidad al sonido original con la energía del vivo.

En la entrevista también recordó el impacto que vivió al regresar de España, cuando Ricardo Mollo le advirtió que iba a encontrar pintadas con la frase “Luca vive”. “Pensé que me estaba jodiendo”, contó, hasta que atravesó la General Paz y vio el mensaje enorme en un puente. Para él, la persistencia de Sumo no se debe solo a la figura de Luca, sino a la fuerza colectiva del grupo. “La gente escucha Sumo. Después dirá ‘grande el pelado’, pero escucha a la banda, no a un líder con una bandita atrás”, reflexionó.

Pettinato también repasó su paso por la televisión, especialmente por Duro de Domar, una etapa que definió como una de las mejores de su vida creativa, aunque también la más desgastante. Contó que la televisión actual ya no lo atrae y que no volvería a un formato tradicional, aunque sí se imagina haciendo entrevistas simples y relajadas: “Podría hacer un programa de charlas, hablar con el panadero, el cartero o Francella”, comentó, aunque sin nostalgia por aquel ritmo frenético.

Antes de despedirse, Pettinato lanzó una invitación directa al público entrerriano: “Por favor vengan. Nunca sé cuándo voy a volver. Y cuando escuchen cómo suena esta banda, se van a quedar con la boca abierta”. La fecha será este jueves 4 de diciembre en Limbo Bar, donde también actuarán Esclavo (tributo a Guasones) y La Montrull (tributo a Los Abuelos de la Nada). Las últimas entradas se encuentran disponibles en Ticketway, con posible remanente en puerta.

Durante una entrevista concedida en Tanto de Todo (Dúplex por FM Boing 93.7 y Paralelo 32), el director del taller, Andrés Mernes, brindó detalles sobre la propuesta y el proceso de preparación que el grupo viene desarrollando.

Mernes señaló que el taller atraviesa su tercer año de trabajo y destacó el entusiasmo de las y los participantes:“Estamos muy contentos y ansiosos para que llegue esta fecha que tanto esperamos todo el año”, expresó.

Consultado sobre el significado del concierto para el grupo, indicó:“La municipalidad me convocó para dirigir el taller y para mí fue un honor. Hoy el coro reúne gente de María Luisa, de Paraná y de la zona, y ya están bastante empapados de música. Eso le pone un montón a lo que hacemos”.

El espacio es abierto a mayores de 18 años y no exige conocimientos previos. La heterogeneidad del grupo, según Mernes, es uno de sus mayores valores:“Se arman grupos humanos muy lindos, más allá del trabajo artístico. Eso se nota en cada ensayo”.

El concierto presentará una selección de obras populares y folclóricas trabajadas en los últimos dos años y medio. Entre ellas, arreglos corales de composiciones de Fito Páez, Sergio Denis, clásicos contemporáneos como Oración del Remanso y distintas piezas del cancionero regional.

“Quisimos preparar una especie de antología, un resumen de lo que venimos trabajando, siempre dentro del repertorio popular”, explicó.

Para esta edición, además, se incorporará un segmento con repertorio navideño. Sobre el cierre, el coro interpretará Cantique de Noël (Oh Holy Night), una obra emblemática del repertorio coral internacional.“Quise jugar en ligas grandes, así que elegimos la versión original francesa”, adelantó con humor.

El evento contará con la participación de músicos de Paraná que acompañarán parte del repertorio:

“Para nosotros es un privilegio enorme que se hayan sumado. Son músicos amigos, muy generosos con su tiempo y su talento”, destacó Mernes.

Información para el público

El concierto se realizará en el SUM de la Municipalidad de Aldea María Luisa, ubicado junto al edificio principal.Las puertas abrirán a las 20.00.

“Sabemos que es un día laboral, así que vamos a esperar a la gente. Lo importante es que puedan acercarse y disfrutarlo”, aclaró el director.

La actividad es libre y gratuita.

La banda local Cassette celebrará sus tres años de trayectoria con un recital especial que se desarrollará este sábado 18 de octubre desde las 22:00 horas en el Museo Histórico Raúl Jaluf. La propuesta incluirá un espectáculo audiovisual con pantallas y juegos de luces, en una velada que además servirá para grabar dos videoclips en vivo, capturando la esencia de la banda en su ciudad natal.

Formada en septiembre de 2022, Cassette surgió como un proyecto entre músicos con amplia trayectoria en la escena local villaguayense. La primera formación estuvo integrada por Santiago Flores en voz, Bruno Barzola en guitarra, José Mignola en bajo y Diego Álvarez en batería, con algunas variaciones hasta la incorporación definitiva del actual baterista, Nahuel Solier.

"El proyecto nació a partir de una invitación de Maximiliano Guichard de Tridente Producciones. En dos meses armamos un repertorio de covers de los 80 y 90 y salimos a tocar", recordó Santiago Flores en una entrevista previa con este medio. Su debut se produjo en un especial por el aniversario de FM Mesopotamia, donde compartieron escenario con otras bandas.

La respuesta del público motivó al grupo a continuar y evolucionar hacia la creación de material original. "Nos fuimos afianzando como grupo y empezamos a trabajar en temas originales", comentó el vocalista, quien también se encarga de escribir las letras. "Desde chico escribía poesía. A los 18 empecé a componer con melodías y ahora trabajamos todos juntos en los arreglos", explicó.

El nombre de la banda refleja sus influencias musicales más profundas. "Queríamos algo que nos identificara. El cassette representa la forma en que conocimos la música de Pink Floyd, Bowie o Depeche Mode, bandas que marcaron nuestra identidad sonora", detalló Flores.

En 2024, la banda participó de la 7ª edición del Entre Rock, donde presentó dos composiciones originales: "Desazón", un tema con tintes de blues, y "¡Qué va!", una balada rock que remite a la adolescencia vivida en las calles de Villaguay.

Actualmente, Cassette está integrada por Santiago Flores en voz, Bruno Barzola en guitarra, José Mignola en bajo y Nahuel Solier en batería, una formación que ha consolidado su identidad musical con una propuesta que combina la nostalgia con la creación contemporánea.

El concierto de este sábado representa no solo una celebración por los tres años recorridos, sino también un paso más en la construcción del legado musical de la banda, invitando al público a ser parte de esta nueva etapa a través de una experiencia audiovisual que promete capturar la esencia de su evolución artística.

Desde temprano, el clima festivo se hizo sentir en el predio. El sol abrasador acompañó la apertura con Laser Flip y Malta Caramelo, mientras los primeros grupos se acercaban al escenario outdoor.  

A media tarde, Zeballos y Fabiana Cantilo trajeron la primera dosis de emotividad y conexión con el público, marcando el pulso de una jornada que iría subiendo en intensidad.  Fabiana Cantilo con su estilo irreverente y provocativo demostró por qué es una de las grandes voces femeninas de nuestro querido Rock Nacional.

En el indoor, Zoe Gotusso desplegó su calidez característica, mientras Dante Spinetta aportó groove y sofisticación sonora con su mezcla de funk y soul. Repasando canciones de su carrera y también algún clásico de los Illya Kuryaki and the Valderramas como *Abarajame*, para el recuerdo millennial.

A medida que caía la tarde noche, el outdoor se transformó en una multitud. Los nubarrones que amenazaron en desencadenar la tormenta se fueron disipando en un marco único con Estelares que volvió a demostrar por qué su repertorio es parte del cancionero nacional a base de hits como “Ella dijo”, “Un Día Perfecto” y “Aire”. Los liderados por Manuel Moretti y compañía brindaron un show emotivo y coreado por el público que hacía frente al viento que se asentaba en el predio. El broche fue “El corazón sobre todo”.

Luego llegó el turno de No Te Va Gustar que coronó uno de los momentos más masivos del día con un set que unió generaciones bajo los coros y la emoción colectiva. No faltaron clásicos como “Al vacío”, “Pensar”, “A las nueve” y el cierre a puro pogo levantando el polvo en una postal de cine.

El cierre del sábado quedó en manos de Mariano Mellino, que convirtió el predio en una pista de baile electrónica al aire libre. En otros escenarios se cruzaron las potencias de La Joaqui, Louta, haciendo bailar a todos los que se acercaban al escenario cerrado de La Estación. También se destacaron las propuestas alternativas de Cabezones, que jugaron de local e hicieron frente a las ráfagas de tierra y viento en el escenario alternativo demostrando su vigencia y repasando sus clásicos en una noche emotiva.

El domingo mantuvo el ritmo con una grilla igual de ecléctica. En el escenario outdoor, Olivia Wald y Santiago Motorizado marcaron el tono vespertino con dos momentos de pura conexión emocional. El show del cantante de El Mató repasó su carrera solista y tuvo un cierre emotivo con su clásico de la banda platense “El Tesoro” en una versión diferente antes los lentes humanos y tecnológicos que registraron el momento final con mucha emoción.

Luego, Bersuit Vergarabat desató una verdadera fiesta colectiva. Desde que los pijamas a rayas se subieron al escenario se entonaron clásicos de “Hijos del culo” un disco que estuvieron rememorando hace poco en un Estadio de Ferro colmado. Desde “El gordo motoneta” para dar comienzo al show, hasta “El viejo de arriba” y “Desconexión sideral”. El homenaje a Diego Armando Maradona y Messi se proyectó en las pantallas con “Toco y me voy”. El recuerdo a la lucha de Abuelas de Plaza de Mayo se sumó con su pañuelo blanco característico de fondo en las pantallas en “Vuelos”. Su costado contestatario al gobierno nacional fue retrucado nuevamente con “Se viene” seguido de un “¡ya fuiste Peluca!” aquel tema anticipatorio al estallido del 2001 vociferado nuevamente contra actual gestión. El coro también saltó al ritmo de “Señor Cobranza”, el tema de Las Manos de Filippi que popularizó Bersuit por aquellos años.  Para el cierre, “La Bolsa” desató la locura entre los presentes. El cierre carnavalezco fue con “Negra Murguera” con los aplausos de los distintos costados del escenario.

Por último, llegaba el cierre en el escenario de Las Pastillas del Abuelo. Banda de estadios, que hizo su debut pisando fuerte en el escenario principal del Harlem.  Con una lista cargada de hits, Las Pastillas entonó sus últimas canciones reversionadas como “Ama a quien llora por ti”, “Loco por volverla a ver” como clásicos de su etapa inicial como “Amar y Envejecer”. El homenaje a Diego también fue evocado con su característico “Qué es Dios” con el despliegue de camisetas del 10, en el público y con un compendio de jugadas y goles en la pantalla. El momento de escuchar “Qué hago yo esperando un puto as” se llenó de pelotas gigantes que fueron tiradas al público que las paseaban de lado en lado al ritmo del pogo pastillero. Piti pateaba las que caían sobre la pasarela en un ida y vuelta que terminó con el vocalista bromeando “cambio, juez”.

Con más de una veintena de canciones llegó el turno de sus momentos de cierre con “Otra vuelta” aquel himno de amistad y familia. “Tener de amigos a mis hermanos, tener de hermanos a mis amigos”. Ojos de dragón y “Viejo Karma” le dieron cierre a una noche especial que esperemos tenga su próxima vez.

El día 2 tambiénm tuvo como protagonistas a  Chapa & Castelo, que mezcló electrónica, humor y desparpajo para despedir la edición a puro baile. Mientras tanto, el escenario indoor ofreció un contrapunto ideal: más íntimo, cuidado y pensado para la escucha. Allí pasaron artistas como Chita, Luz Gaggi, Cardellino y C.R.O, aportando frescura y texturas contemporáneas. El espacio alternativo y El Galpón sumaron propuestas experimentales y locales, con shows de Winona Riders, Ramma, Tripartitos y Picheo 808, entre otros, que completaron el mosaico musical del festival.

Entre los distintos escenarios se movía una multitud diversa: grupos de amigos, familias, visitantes de todo el país. La atmósfera del predio era la de una gran celebración urbana, donde la música convivía con la gastronomía, el arte visual y una sensación constante de pertenencia. Cada rincón ofrecía una experiencia distinta, pero todos compartían una misma idea: estar en el lugar donde algo está pasando.

Las marcas planteaban juegos lúdicos con premios para entretener a los presentes y llevarse una especie de souvenir del Harlem como también algo para comer o tomar.

Más allá de las luces y los nombres del cartel, lo que queda claro tras esta séptima edición es que el Harlem Festival se ha instalado como un referente cultural en el Litoral argentino. Su propuesta trasciende la grilla de artistas: representa una forma de encuentro, de integración regional y de renovación constante del vínculo entre el público y la música en vivo. Santa Fe, con su energía joven y su tradición universitaria, parece haber encontrado en el Harlem el espejo perfecto de su identidad contemporánea.

El festival no solo convoca a miles de espectadores; también articula escenas, estimula la producción independiente y consolida a la ciudad como un punto de referencia para la industria cultural del interior. En un país donde los grandes eventos suelen concentrarse en Buenos Aires, el Harlem demuestra que el Litoral puede ser protagonista. Y este 2025, una vez más, lo dejó resonando en cada acorde.